Sugerimentos

Sugerimentos no Twitter!

2009-06-03T16:24:00.004-03:00

Sim, senhoire!
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Sugerimentos Youtubísticos

2009-05-29T22:17:00.004-03:00

Alguns vídeos bacanas, só pra movimentar o blog....

Epica – Memory
Todo mundo viu a segunda apresentação da estrela Susan Boyle no Britain’s Got Talent, em que ela cantou a música Memory, do musical Cats. Sua (fraca) performance me trouxe à mente uma outra versão dessa canção, que eu não ouvia há muito tempo. A menina Simone Simons e seus amigos do Epica a executaram com maestria no DVD We Will Take You with Us. Essa, sim, uma versão inesquecível. Vejam só que beleza:

Corinthians X Palmeiras
Nike e Adidas prepararam alguns vídeos promocionais para seus respectivos patrocinados. Há muito tempo reclama-se que os brasileiros não sabem explorar as imagens de seus ídolos como os europeus. Pois bem, parece que estão aprendendo. O mais legal desses vídeos é ver as “atuações” dos jogadores (e do técnico). Pierre de um lado, Mano Menezes de outro. No vídeo do Palmeiras, ainda, destaque para o Marcos, que aparece sempre com a mesma expressão. Pois é, se o Ben Affleck pode, porque o goleiro não poderia?

Bruno Aleixo: Street Fighter
Não tem como não incluir Bruno Aleixo em uma seleção dessas. Aleixo é 100%, cinco estrelas, espetáculo! Nesse vídeo, ele duela contra o Busto, no Street Fighter. Observem a genial estratégia empregada pelo apresentador lusitano. Esse trecho faz parte do Programa do Aleixo 02, provavelmente o programa mais engraçado do YouTube. Sim, senhore!.... Não gostaste? Então cala-te!

A volta do anticristo
Não, não é o Marilyn Manson (que também prepara um retorno). Senhor Lars Von Trier, após um período de aguda depressão, quando ameaçou abandonar o cinema, está de volta. O diretor de Dogville, Dançando no Escuro, Os idiotas, entre outros, aparece agora com Antichrist. O filme, que contém cenas se automutilação e sexo explícito, chocou a imprensa em sua estréia, no Festival de Cannes. Apenas mais uma polêmica para a coleção do dinamarquês. Grande coisa. Espero que o filme seja bom, apesar de tudo. O trailer:

Where the Wild Things Are!
E se você ficou assustado com o vídeo do Von Trier, vai aqui um pra alegrar o espírito. Filme novão (que só chega aqui no final do ano) do Spike Jonze, diretor de Adaptação e Quero Ser John Malkovich. Após a boa parceria com Charlie Kaufman, Jonze agora assina também o roteiro que, nesse caso, é baseado em uma história infantil, cheia de monstrões simpáticos. Só espero que ele seja um escritor melhor que o Michel Gondry, o outro antigo parceiro do Kaufman, que andou pisando na bola. O trailer é bem bonito, e a trilha do sempre maravilhoso Arcade Fire também ajuda bastante. Ó:

All I ever wanted... All I ever needed...

2009-04-29T19:47:00.006-03:00

Thursday, October 22nd, 2009 Rio De Janeiro, Brazil
Saturday, October 24th, 2009 Sao Paulo, Brazil

Aquecimento: Oasis

2009-04-26T11:36:00.006-03:00

Olá! Como vão?

Passada a depressão pós-Just a Fest, e depois de duas rápidas visitinhas ao mundo metal, estou pronto para outra. E a outra acontecerá em São Paulo, no próximo dia 9 de maio, na gélida e antipática Arena Anhembi. Irmãos Gallagher trazem seu Oasis para o Brasil pela quarta vez e ,dessa vez, eu estarei lá. Dizem que os caras são meio mortos ao vivo. Mesmo assim, todo mundo tem que ver o Oasis, ao menos uma vez na vida. Né?

O estouro do Oasis aconteceu em 1995, com o lançamento do inesquecível (What’s the Story) Morning Glory?, certamente um dos discos mais marcantes da década de 90, que colocou na boca da juventude canções lindonas como Champagne Supernova, Don’t Look Back in Anger e, é claro, Wonderwall, que tocou tanto na época que chegou a provocar tonteiras. Atualmente, consigo ouvi-la com tranqüilidade, e até gosto bastante. O tempero nostálgico ajuda, é claro. Mas Morning Glory, seguindo a tendência de seu predecessor, o igualmente marcante Definitely Maybe, também trazia a face mais rockeirona do Oasis, que freqüentemente é negligenciada pelo público. Uma pena, já que as melhores músicas da banda são essas, mais rápidas e incisivas. Roll With It e Morning Glory são ótimos exemplos desse fato.

Após (What’s the Story) Morning Glory?, o Oasis nunca mais conseguiu fazer um álbum tão coeso (até o ano passado, já falaremos sobre isso). Ainda assim, a banda nunca deixou de produzir algumas peças relevantes e de grande sucesso comercial. Revisitar a discografia deles é uma tarefa extremamente prazerosa, já que podemos encontrar diversas músicas famosas, que marcaram época, mas que acabaram caindo no esquecimento. Don’t Go Away, Stop Crying Your Heart Out, Little by Little, Go Let it Out. Lembram? A verdade é que, durante muito tempo, o Oasis praticamente reinou sozinho o império do novo rock. Blur, Travis e outros os acompanhavam, mas nunca com a mesma força. Liam e Noel também se esforçavam bastante para ocupar espaço na mídia, sempre com declarações polêmicas e “brigas” internas (eles repetiam exaustivamente que não suportavam um ao outro). Curiosamente, foi só quando a picuinha cessou definitivamente que eles conseguiram criar uma nova “obra prima”, que se chamou Dig Out Your Soul, e foi lançada em 2008. Antes dele, porém, fiquemos com a bonita Don’t Go Away, para despertar algumas lembranças adormecidas:

Finalmente, Dig Out Your Soul, último disco dos caras, que pegou todo mundo de surpresa. Musicalmente, ele não traz grandes inovações quando comparado ao restante da carreira da banda. Mostra, porém, um novo espírito, uma banda muito mais livre e despojada, que parece mais preocupada em gravar um disco honesto do que em agradar a quem quer que seja. Desde Morning Glory, esse é o primeiro álbum que eu consigo ouvir de cabo a rabo, sem aborrecimentos. Não que os outros discos sejam ruins (como eu disse, eles contêm diversos clássicos). São, porém, irregulares, e freqüentemente caem na armadilha da auto-repetição. Em Dig Out Your Soul, músicas como Shock of the Lightning, Waiting for the Rapture, Falling Down e até a baladinha I’m Outta Time mostram que o Oasis está pronto para iniciar uma nova fase de sua carreira, que pode representar sua maturidade musical (a maturidade comercial já foi alcançada há anos). Waiting for the Rapture para nós:

Ao contrário do Radiohead, que muda o set list em todos os shows (todos, todos, como todos), o Oasis tem mantido uma única seleção, desde o início da turnê (com raríssimas mudanças). Não vou postar aqui para não estragar a surpresa (mas se você quiser saber desesperadamente, é só ir ao Google, o local onde toda a sabedoria do mundo está acumulada). Mas adianto que o último disco está quase integralmente presente, e que eles vão tocar uns dez clássicos, mas vão deixar outros vinte de fora. Ah, sim, um coverzinho do Beatles está assegurado!

É isso, então, bom show para nós!
PS: Assim como aconteceu na vinda do Radiohead, o canal Multishow fará uma maratona Oasis, a partir do dia 2 de maio, mostrando documentários, entrevistas, etc. E, o melhor de tudo, transmitirá, ao vivo, o show do Rio de Janeiro, no dia 7. Que beleza!

Depressão pós-show

2009-03-26T19:54:00.003-03:00

Cobertura: Keane em São Paulo

2009-03-13T21:55:00.006-03:00

Dois anos após a primeira passagem, o Keane retornou ao Brasil, dessa vez para divulgar Perfect Symmetry, seu último álbum de estúdio. E se este é certamente o mais diferente de seus trabalhos, suas peculiaridades se refletiram também em cima do palco, não apenas no viés sonoro, mas também no estrututal: se antes a banda se sustentava com apenas um teclado/piano e uma bateria, agora conta também com um baixo, nas mãos do recém admitido Jesse Quinn (que também toca teclado), e com uma tímida guitarra, entregue ao vocalista Tom Chaplin.

Mas comecemos do início, isto é, com a banda de abertura. Em 2007, eu reclamei da escalação do Moptop (a cuja apresentação não assisti). Em 2009, aprendi que não se deve reclamar de barriga cheia, já que, dessa vez, mandaram um pessoal muito pior: os emos do Fresno. Não entendi a escolha. Em primeiro lugar, os públicos são totalmente distintos. Além disso, o Fresno poderia tranquilamente encher o Credicard Hall com sua fanzada histérica e chorosa, de modo que sua escalação como opening act pareceu-me desnecessária. Novamente, é claro, não assisti a apresentação do grupo. Fiquei no corredor conversando e comendo pipocas.

O Keane subiu ao palco pontualmente às dez e meia, com a ótima The Lovers are Losing, que é um dos melhores momentos do disco Perfect Symmetry. Esse álbum, como não poderia deixar de ser, serviu de base para a formação do set list e, assim como em estúdio, funcionou melhor nas baladinhas (Play Along e You Don’t See Me, essa última com fortes referências ao U2). Algumas canções mais pesadas, como Again and Again e You Haven’t Told Me Anything pecaram por ferir justamente o maior trunfo da banda, que é a sutileza. Ambas flertam diretamente com o mais espalhafatoso rock dançante oitentista e definitivamente não combinaram com a apresentação. Em relação aos dois primeiros discos, as escolhas foram seguras mas, comparando com o set de 2007, apenas uma música foi incluída: a lindíssima Sunshine, que lembra bastante aquelas músicas viajantes que o Alan Parsons Project gostava de fazer pelos idos de 1980. De resto, brilharam as músicas mais enérgicas, como Crystal Ball, Leaving So Soon e Is it Any Wonder?, todas recebidas alegremente pelos fãs. Somewhere Only We Know, aquela cantiga que todo mundo conhece mas nem todos sabem de quem é, também marcou presença. Algumas músicas relevantes, como The Frog Prince e She Has No Time, ainda não tiveram chance nos set lists da banda. Pena. (Tirar A Bad Dream também foi pouco educado....)
Apesar de toda a banda ser competente e de o tecladista Tim Rice-Oxley ser o principal compositor do conjunto, é inegável que, em cima do palco, o grande destaque é Tom Chaplin. Já disse isso em 2007 e repito: o rapaz é de uma simplicidade tocante e se entrega totalmente à apresentação. Hoje posso dizer, sem medo de errar, que se trata de uma das vozes mais precisas do novo rock/pop. Grandes interpretações, de afinação impecável, tanto nas músicas “românticas” quanto nas “nervosas” (será o novo Bono? Hihihihi). “Under Pressure”, cover do Queen, veio logo no início do bis e apenas confirmou o talento do jovem britânico, que interpretou maravilhosamente bem as melodias de David Bowie e Freddy Mercury (com falsetes e tudo). Bela versão, ó:

Claramente empolgados com os gritos de “Olê! olê, olê, olê! Kinê! Kinê!” (será que eles entenderam isso?), os quatro rapazes não pouparam energias, e o vocalista Tom Chaplin retribuiu com diversas frases elogiosas em português. Algumas um tanto forçadas, é verdade, como “o Brasil é o coração do mundo” e “Obrigado ao Fresno”. Como sempre, cumprindo fielmente uma espécie de “contrato velado”, o artista elogia, o público finge que acredita, e assim temos uma ótima interação, indispensável para o andamento de um bom show. E agradar os fãs certamente não é problema para o Keane: com simpatia, piano e belas melodias, é impossível não se deixar contagiar pelo clima que a banda cria.

Tom Chaplin rege o público no clássico Somewhere Only We Know:

O show de 2007 foi melhor, devo confessar. Talvez por ser a estréia da banda em terras brasileiras, o público estava mais pilhado. O palco também estava mais bonito e a performance de Chaplin foi (ainda) melhor. Apesar disso, já é possível dizer que o Keane é, definitivamente, uma banda de palco. Investimento garantido para quem gosta de boa música.

Set list: The Lovers are Losing, Everybody's Changing, Bend and Break, Nothing in my Way, Again and Again, Atlantic, This is the Last Time, Spiralling, Play Along, Try Again, Sunshine, You Haven't Told Me Anything, Leaving So Soon?, You Don't See Me, Perfect Simmetry, Somewhere Only We Know, Crystal Ball, Under Pressure, Is It Any Wonder?, Bedshaped

Estante Virtual: Livros mais em conta.

2009-03-10T15:34:00.011-03:00

Não se trata de nenhuma novidade na Internet, mas como o princípio básico deste blog é sugerimentar coisas interessantes, segue a dica de uma ótima ferramenta.

O www.estantevirtual.com.br tem como princípio básico unir em um portal, inúmeros sebos de todo o Brasil. A ideia (percebam o Sugerimentos se adequando à reforma ortográfica) é simples: aproximar os leitores de quaisquer tipo de literatura com essa forma de comércio, que estava sendo fagocitada pelas grandes redes, com lojas megalomaníacas e vendas pela internet. Os pobres sebos pareciam criações de traças, sem grandes chances de concorrência.

O apelo é claro: preços baixos, livros usados. Atualmente são 1357 sebos cadastrados, que recebem os pedidos via site e entram em contato por email, direto com o comprador, a fim de detalhar o pagamento. O site é bastante organizado, e é fácil achar o título buscado. E o fato dele estar em um sebo no interior do Acre não é impeditivo para a compra, o que é o mais importante. O canal de comunicação é direto e, por isso, muitas vezes é mais rápido do que comprar em grandes redes. Óbviamente, pessoas em buscas de livros antigos, esgotados, raros e afins, tem mais chances na Estante Virtual.

Não há custo nenhum, apenas o básico: o livro e o correio. Muitas vezes, o segundo é mais caro que o primeiro, o que faz com que o comprador pense se não é um grande bobão. Mas não é. O mais importante é que funciona muito bem, os pedidos são atendidos rapidamente e é uma boa economia.

Há até uma possibilidade de se cadastrar no site como vendedor autônomo, também sem quaisquer custos, e anunciar seus livros de química do colegial, para ver há algum piá interessado. Além de se livrar da tranqueira, ainda faz algum dinheiro. Mas não muito, pois esse é o princípio dos sebos, que tem agora um importante aliado na luta pela sobrevivência em um mercado concorrido, em épocas de crise.

Oscar 2009 (atualizado)

2009-02-20T18:40:00.007-03:00

Esse ano não farei uma cobertura extensa do Oscar, como fiz nas últimas edições. Eu até fiz minhas previsões e escolhi meus preferidos, mas foi uma árdua tarefa. Escolher entre filmes fracos e filmes medíocres é extremamente monótono. Assim, não quero ser obrigado a postar um texto aborrecido e burocrático, só para seguir uma “tradição” do blog. Eu poderia simplesmente expor os possíveis vencedores e deixar por isso mesmo, mas, de que serviria? Não, não o farei. Eu ainda tenho liberdade para escolher meus assuntos e, definitivamente, não quero me alongar nesse, apesar dos protestos de meu conselheiro editorial Abel SaintFalbo (que, inclusive, tentou me subornar, dizendo que me daria balas 7Belo e chicrés Bubalu, em troca de minhas previsões).

O problema é que esse Oscar é o mais fraco desde 2004, quando o Senhor dos Anéis ganhou tudo. Eu até gosto do filme, mas é inegável que aquela premiação foi viciada. O Oscar 2009 peca por ter demasiada cara de Oscar! Isto é, filmes grandiosos na bilheteria e no orçamento, mas pequeninos na qualidade e na ambição cinematográfica. Todas as produções possuem um sabor requentado, desgastado. São filmes que já vimos antes e que tornaremos a ver, nos próximos anos. Nenhum Onde os Fracos Não Têm Vez. Ou Brokeback Mountain. Capote? Nope. Nada de Pequena Miss Sunshine, nem Juno. Pelo contrário, o “filme pequeno” da vez carrega todas as características que aprazem a Academia e, não por acaso, é o favorito da noite. Falo de Quem quer ser Milionário, obra no máximo simpática do irregular Danny Boyle. Deve levar cinco ou seis estatuetas (entre elas a de Melhor Filme e de Melhor Diretor). Do outro lado, temos o líder de indicações, O Curioso Caso de Benjamin Button, que é a grande ovelha negra na carreira do competente David Fincher, responsável por Seven, Clube da Luta, entre outros. Um filme chato, previsível e boboca (e com uma atuação extremamente apagada do indicado Brad Pitt). Entre os indicados para Melhor Filme, restam ainda Frost/Nixon, que seria um projeto bastante ambicioso, se não tivesse sido entregue ao fraco Ron Howard (que, para variar, estragou tudo), O Leitor, que é apenas bonzinho, e Milk, que ainda não assisti (mas que tem o trunfo de contar com o único diretor incontestavelmente competente, entre os cinco indicados).

Update: Assisti Milk hoje. Mesmo sem ser um grande filme, trata-se da melhor produção indicada, e deveria vencer nas categorias de Melhor Filme e de Melhor Direção (mas não vai). Traz um Gus Van Sant mais comercial, mais contido, mas não menos autoral. Perto de seus concorrentes, é uma verdadeira aula de direção. O camaleão Sean Penn também merece destaque, como sempre, e sua disputa com Mickey Rourke será acirradíssima (meu voto iria para Penn, porém). Em uma premiação fraca, brilha o filme que supera a mediocridade por meio de seu diretor e de seu protagonista. (obs: Gus Van Sant é, provavelmente, um dos únicos diretores - ao lado de Sofia Coppola, talvez - capazes de disputar Oscar, Cannes, Veneza, Berlim, etc, com chances reais de reconhecimento).

Mas se alguma coisa merece atenção nessa cerimônia, são os atores. Estão entre os concorrentes alguns dos nomes mais relevantes do cinema norte-americano atual, entre eles Sean Penn, Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Heath Ledger, Kate Winslet, Amy Adams e Josh Brolin, sem esquecer o retorno arrebatador de Mickey Rourke. Todos em grandes atuações (lembrando que ainda não vi Milk). Alguns duelos interessantes se desenham: Penn X Rourke é o mais equilibrado, com a balança pendendo para o lado de Penn, devido aos respectivos backgrounds. Winslet X Streep também merece atenção, apesar de Winslet ser a grande favorita (eu prefiro a atuação de Streep. A performance dela no trecho final de Dúvida é inacreditável. Qualquer outra atriz transformaria aquele diálogo em algo brega e caricato; mas não Meryl Streep). Já os coadjuvantes parecem bem encaminhados: Penélope Cruz e Heath Ledger devem levar, merecidamente. De resto, nada de muito interessante. Quem quer ser Milionário deve sair soberano (meu deus, hein), enquanto Benjamin Button e Batman devem dividir os prêmios técnicos. Wall-E ganhará o prêmio de Melhor Animação e briga com Milk pela estatueta de Melhor Roteiro Original. Outra animação, a israelense Waltz with Bashir, deve vencer na categoria Melhor Filme Estrangeiro. Por fim, a festa foi definitivamente arruinada na semana passada, quando Peter Gabriel anunciou que não se apresentará, devido ao pouco tempo disponibilizado às canções na cerimônia.

Sugerimento: Bruno Aleixo

2009-02-07T01:01:00.004-02:00

Bruno Aleixo, português, aluno da segunda série. Incompreendido, é obviamente perseguido por sua professora, que o obriga a fazer as tarefas e o submete a interrogatórios. Mas quem é Bruno Aleixo, afinal? Puro, embora safado. Falastrão, porém ingênuo. Sem papas na língua, ele briga por seus direitos e não admite injustiças. Uma espécie de Chaves lusitano.

Nesse vídeo, Bruno Aleixo está sendo acusado de ter praticado uma asneira.

Aqui, ele vai ao médico, Dr. Ribeiro, para tratar de um incômodo na barriga.

Painel 15/01

2009-01-15T16:22:00.023-02:00

Dinossauros agitados
A velha guarda do rock deu o que falar na imprensa brasileira, na semana passada.... Primeiro foi a atual formação do Black Sabbath, que atende pelo nome de Heaven and Hell, que confirmou, após meses de boatos, sua turnê sul-americana. Serão cinco shows no Brasil. Além de Tommy Iommi e Geezer Butler, a banda conta com o nanico Dio (que tem uns oitenta anos e ainda canta como um garoto de vinte) e Vinnie Appice (irmão de Carmine Appice, baterista preferido do Rafael, co-editor deste veículo).

Quem também movimentou o falatório foram alguns ex-integrantes do Deep Purple, que disseram na imprensa que gostariam de reunir a terceira formação da banda (conhecida oficialmente como Mk III). Seria uma espécie de Deep Purple paralelo. O problema é que Ian Paice, que fez parte da formação, ainda atua na formação “oficial” do conjunto e dificilmente toparia a nova empreitada. Ao mesmo tempo, Ritchie Blackmore continua enfurnado em castelos medievais, com seu Blackmore’s Night (maravilhoso!), e não se pronunciou sobre o assunto. Os restantes, David Coverdale, Glenn Hughes e Jon Lord, parecem gostar da idéia (esse último com ressalvas). Vale lembrar que foi a Mk III que gravou alguns clássicos do Purple, como Burn, Mistreated e Stormbringer.

Informação de última hora: parece piada, mas o Deep Purple (“oficial”, obviamente) toca em São Paulo nos dias 6 e 7 de março, no Via Funchal. Será a nonagésima terceira passagem da banda pelo país. Será a caipirinha?

E a notícia mais bombástica veio do Led Zeppelin, que anunciou a pretensão de gravar um novo disco. Uma beleza mesmo, mas existe um “porém”: sem Robert Plant. Seria um grande desafio. Ainda que Plant não tenha mais aquela potência de outrora, qualquer vocalista que assumisse o posto entraria em uma bela fria. Ian Astbury e Paul Rodgers que o digam. A diferença é que Jim Morrisson e Freddy Mercury já não estão mais entre nós, de modo que podem até ser homenageados, fazendo com que seus substitutos atuem quase como “mestres de cerimônias”. Isso não acontecerá com Plant. Já posso imaginá-lo, de óculos escuros e sobretudo, escondido nas sombras do Royal Albert Hall, no show de estréia da nova formação, em meio a murmúrios de “é ele? é ele?Acho que é ele, sim!”. Já existem dois “candidatos” para a vaga: Chris Cornell (Soundgarden, Audioslave) e Steven Tyler (Aerosmith). Nos próximos meses, aparecerão mais uns vinte....

Primeiro show do ano...
E a temporada de shows será aberta com uma das bandas novas que mais anima esse que vos escreve. Rodrigo Amarante, Fab Moretti e Binki Shapiro trazem o seu Little Joy para São Paulo, e se apresentam no agora reformado Clash Club, logo ali, na Barra Funda. Serão dois shows (28 e 29 de janeiro), sendo que os ingressos para o primeiro já sumiram. Já para o show extra, os ingressos começam a ser vendidos na próxima segunda feira (dia 19) e também devem evanescer rapidamente. Portanto, se você se apaixonar pela banda depois de ver esse videozinho, é melhor ser ligeiro. Aí está a singela Unattainable:

Just a Fest fechado!
Fechou, então: Vanguart, Los Hermanos, Kraftwerk e Radiohead. Esse será o primeiro Just a Fest. Festival de respeito:

- o Vanguart é o novo xodó do cenário musical brasileiro, e não sem razão: banda inteligente, estilosa e que cresce ao vivo. Escalação merecida.
- você estranhou ao ler o nome do Los Hermanos aí? Pois é, Rodrigo Amarante (de novo?) e Marcelo Camelo escolheram o Just a Fest para fazer o grande show de reunião da banda. O leitor bem sabe que o Sugerimentos prefere o Little Joy. Para quem gosta, porém, será uma enorme festa...
- o Kraftwerk é um dos principais conjuntos da história da música eletrônica. Quiçá o principal. Criado no final da década de 60, o som desses alemães é bem diferente desse eletrônico que ouvimos atualmente. Pode-se quase afirmar que se trata de um eletro-progressivo, com apelo futurista e grandes “viagens musicais”. Gostei da escolha. Acho até que existe um quê de Kraftwerk no viés eletrônico do Radiohead. Talvez nem tanto na música, mas certamente no espírito (na verdade, qualquer banda que se proponha a fazer esse estilo de música, terá esse “quê”). Dizem por aí que eles fazem apresentações memoráveis. Em março, diante de trinta mil pessoas, conheceremos o real poder desses alemães. Olha isso:

- mas é claro que esse festival é do Radiohead, a maior banda de rock dos últimos vinte anos. Surgiram no início dos anos 90, paralelamente ao grunge norte-americano. Em 97, com o lançamento de OK Computer, disco progressivo e melancólico, a banda começou a formar suas feições (seria o novo Pink Floyd?). Em 2000, com os álbuns gêmeos Kid A e Amnesiac (auge eletrônico da carreira), a banda começa a ser reinventar, processo que parece ter finalmente se estabilizado em In Rainbows, último disco da banda, que é depressivo e eletrônico na medida certa. Durante todo esse período, mesmo lançando álbuns difíceis, nada comerciais, o Radiohead nunca saiu da cena, nunca foi esquecido. Liberdade Artística + Sucesso = Radiohead. Veja:

Don’t go away heartbroken, no...
Finalmente confirmado o show do Peter Murphy, ex-vocalista de uma das mais importantes bandas do rock gótico, o Bauhaus. A apresentação, que aconteceria em janeiro, acabou ficando para fevereiro, e acontecerá no Via Funchal (dia 14). Murphy tem uma carreira solo bastante consistente, e deve tocar quase todos seus "sucessos", como Cuts You Up, Strange Kind of Love e a maravilhosa Marlene Dietrich's Favourite Poem (All Night Long não tem aparecido nos últimos set lists, mas a esperança é a última que morre). E é claro, deve sobrar um ou outro clássico do Bauhaus, como She’s in Parties ou Bela Lugosi’s Dead.

Passo...
Falando em rock gótico, vale lembrar que, em junho, o mala do Andrew Eldritch retorna a São Paulo com seu Sisters of Mercy. Eu tenho grande apreço por esta banda, não nego. Mas, tomando por base a última passagem deles por aqui, esse show será uma bela furada. Quero dizer, disseram que era um show do Sisters of Mercy, mas eu não vi Sisters of Mercy, nem tampouco ouvi o Sisters of Mercy. Enfim....

Vazou!
A comunidade indie está dando piruetas. Vazou Tonight:Franz Ferdinand, álbum novão do...Franz Ferdinand. Ouvi o disco com o carinho que ele merece e constatei o mesmo problema dos outros dois discos da banda: alterna grandes músicas, extremamente marcantes, com outras totalmente esquecíveis, fraquinhas mesmo. A primeira trinca é ótima, começando com a poderosa Ulysses (primeiro single), seguindo com a eficiente Turn it On, e fechando com a excelente No You Girls, música que eu incluiria entre as melhores da carreira da banda, ao lado de Take Me Out, The Dark of the Matinee, Outsiders, etc. Daí em diante, Tonight se torna muito irregular, só voltando a brilhar realmente na boa Bite Hard. Certamente esperava-se mais. Uma banda tão aclamada não deveria produzir um álbum que vai do brilhantismo ao marasmo em quinze minutos. Mas o real potencial desse disco só poderá ser conferido na turnê, já que é em cima do palco que o Franz Ferdinand mostra a sua cara... Esperemos.
A nova Anna Karina?
O diretor francês Christophe Honoré, que tem o costume de prestar homenagens à nouvelle vague em seus filmes, deve estar bem satisfeito com sua última descoberta. Após eleger Louis Garrel para atuar como seu Jean Pierre Leaud (alter ego de Truffaut), agora Honoré encontrou sua Anna Karina: trata-se da jovem Léa Seydoux, protagonista do bom “A Bela Junie”, em cartaz em São Paulo. Seydoux não tem o mesmo poder encantatório de Karina (e quem tem?), mas conseguiu criar um personagem que é simultaneamente misterioso, ingênuo e gracioso, no melhor estilo da ex-musa de Godard. É bom ficar de olho nessa moça:

Ensaio sobre a Cegueira
Quando foi anunciado que Fernando Meirelles faria um filme baseado no clássico literário Ensaio sobre a Cegueira, de José Saramago, todos se perguntaram como ele faria para filmar uma história em que quase todo mundo é cego. Mais do que isso, como ele transporia para a tela o tema “cegueira”. Meirelles, diretor competente que é, achou sua solução: imagens embaçadas, planos disformes, e muita luz branca estourando nos olhos do espectador, como que o convidando para partilhar do desespero dos personagens. Conseguiu um filme visualmente interessante, às vezes até bastante belo. E só isso. Meirelles parece se aproveitar de uma grande história para simplesmente exercitar-se estilisticamente. Resultam daí uma série de planos pouco significativos e um certo esvaziamento do roteiro. Sem Saramago, a trama se torna frágil, comum. Nada muito diferente de “O Nevoeiro”, filme dirigido por Frank Darabont, baseado em romance de Stephen King. Evidentemente, este aposta em textos muito mais “cinematográficos” do que aquele, de modo que o desafio em Cegueira era bem maior. Esqueçamos do livro, nossa “base de segurança”, e o que temos é uma boa idéia e um filme elegante. Nada mais.

A Troca
Clint Eastwood já entrou em um hall de diretores “obrigatórios”. Qualquer projeto que ele assine desperta certa curiosidade na comunidade cinéfila (existe isso?). Assim, mesmo achando o enredo meio batidão, lá fui eu conferir “A Troca”. Não vou dizer que o filme não é digno do diretor, porque a história é bem contada, com a clareza que lhe é própria. Porém, esse lançamento é totalmente esquecível. Dramalhão quase mexicano, expõe a protagonista forte e determinada a diversas provações (ótimas oportunidades pra Angelina Jolie tentar ganhar o Oscar. Mas pode esquecer: esse ano é da Kate Winslet), estabelece claramente quem é bonzinho e quem é mauzinho, e encerra com uma mensagenzinha bem hollywoodyana. Se era para fazer esse clichezaço, deveriam ter entregado a direção para um Marc Foster da vida (que é competente, mas que não tem grandes ambições cinematográficas). Enfim, o Clint Eastwood de A Troca é totalmente descartável. Que venha Gran Torino.... e rápido!

Pitacos sobre o Globo D’Ouro

- ah, pelo amor de Deus, Vicky Christina Barcelona levou o Globo de Melhor Filme/Comédia ou Musical. Sem dúvida, é o melhor filme de Woody Allen em anos. Match Point é ótimo, mas é um tanto diferente. Já Vicky Cristina é puro Woody Allen. Ele nem deve ter visto a premiação, mas eu fiquei bem contente...

- a festa começou mal, muito mal. Bruce Springsteen vencendo Peter Gabriel? Nem em campeonato de Lango-Lango.

- Spielberg ganhou o prêmio pelo conjunto da obra. Infelizmente, não pude assistir; estava ocupado brincando com o jogo da cobrinha no celular....

- Danny Boyle, melhor diretor? Colin Farrell, melhor ator? Surpreendente...

- o filme de Boyle também ganhou o prêmio de Melhor Trilha Sonora. O tal de A.R.Rahman bateu “apenas” James Newton Howard, Clint Eastwood, Alexandre Desplat e Hans Zimmer. Surpreendente ...

- Kate Winslet levou dois de uma vez.... nem um pouco surpreendente...

- já nas séries, imperou 30 Rock, com prêmios para Alec Baldwin e Tina Fey. Merecido.

- Rubens Ewald Filho realmente tem um poder de argumentação invejável. Quando do anúncio da vitória de Mickey Rourke (Melhor Ator), ele comentou: “Não, não, acho injusto. Mickey Rourke não merecia. Ele é um freak” – nesse momento, o ator tropeça – “Olha aí!!!! Não consegue nem subir uma escada!”

Wall-E, melhor FILME?
Andam dizendo por aí que existe a possibilidade de a animação Wall-E concorrer ao Oscar de Melhor Filme. Seria um verdadeiro absurdo, até mesmo para os fanfarrões da Academia. Um total desrespeito á integridade da arte cinematográfica. Se existe a categoria “Melhor Animação”, onde essa produção pode concorrer com seus pares, não existe razão para eliminar um candidato “filmado” da disputa principal. Não quero menosprezar a arte da animação, que vem produzindo obras bastante aclamadas, mas considero disparatada a mera tentativa de igualá-la ao cinema. Imaginem vocês: se continuar assim, daqui a alguns anos, teremos Meryl Streep concorrendo com uma robozinha, Phillip Seymour Hoffman com um ratinho, etc. Esse Oscarito, viu!

Sugerimentos Youtubísticos

2009-01-05T19:45:00.002-02:00

Atendendo a pedidos, aí estão alguns vídeos musicais superlegais...

The Raconteurs – You Don’t Understand Me
O grande vencedor do Zé Lião de Ouro de Melhor Disco, tocando no Festival T in the Park, em um belo fim de tarde.

Radiohead – Fake Plastic Trees
Antiga propaganda em prol dos portadores da Síndrome de Down. Embora a música tenha sido lançada vários anos antes, esse vídeo serviu pra “reaquecer” o interesse brasileiro pelo Radiohead. Essa música, inclusive, ainda é conhecida como “a música do Carlinhos”.

Radiohead – House of Cards
Como 2009 será o “ano do Radiohead”, mais um vídeo deles. Clipe lindão de House of Cards, que foi feito sem a utilização de câmeras ou luzes, apenas com dispositivos de captação em 3D.

Duffy – Warwick Avenue
Duffy, mais uma diva na nova soul music, cantando Warwick Avenue no programa do Jools Holland. Sugerimento de André Matias (http://www.flickr.com/photos/andrematias)

Björk – Dull Flame of Desire
Videoclip oficial dessa bela parceria entre Björk e Antony Hegarty. A letra dessa música é um poema de Arseni Tarkovski, utilizado por seu filho, Andrei, no filmaço Stalker.

Fade to Black no piano
Beeela versão de Fade to Black, a maravilhosa primeira “balada” da carreira do Metallica. Essa mocinha faz versões para o piano de várias bandas de rock/metal e coloca tudinho do YouTube. Tem Opeth, Slipknot, Alice in Chains, entre outros. Vale dar uma conferida!

Enjoy the Silence...
Propaganda da Sony Ericsson, ao melhor estilo Paul Thomas Anderson, com diversas almas perdidas cantarolando Enjoy The Silence, clássico do Depeche Mode e uma das minhas canções prediletas.

Melhores Álbuns de 2008

2008-12-14T16:47:00.013-02:00

10. Adele - 19

Aproveitando o “renascimento do soul” promovido por Amy Winehouse, o mercado tratou de encontrar outras divas. Adele foi uma delas. “19”, porém, está longe de ser um mero produto de oportunidade. O som de Adele é mais simples, mais direto, não tem aquela “pompa” de Winehouse. Várias são as músicas em que o vozeirão da menina é acompanhado por apenas um instrumento, que às vezes é violão, outras piano ou baixo (que ela mesma toca). Mais intimista, Adele também se aproxima mais do jazz. Altamente recomendado. (Eu tinha mais três nomes disputando essa última vaga. Optei pela Adele para deixar a lista um pouquinho mais eclética).

9. Glasvegas - Glasvegas

O Glasvegas é mais uma banda que bebe das fontes obscuras do rock oitentista. E o faz com grande competência, sabendo dosar perfeitamente a sonoridade nostálgica com as tendências do rock moderno. Apresentando grande influência de Jesus and Mary Chain, esses escoceses apostam em músicas melancólicas, com letras doloridas, ideais para serem tocadas em um palco cheio de fumaça. Os destaques são a magnífica Geraldine e a bela Daddy’s Gone. Ponto negativo: declamar um texto com Moonlight Sonata ao fundo? O Glasvegas pode fazer melhor do que isso...

8. R.E.M. - Accelerate

E após dez anos de lançamentos pouco compreendidos, o R.E.M. finalmente conseguiu retomar aquela pegada enérgica que o consagrou. Accelerate é um disco rápido, pesado e provocador. Balada mesmo, apenas uma, e bem bonita: Until the Day is Done. De resto, sobram guitarras distorcidas, grooves acelerados, tudo aliado às sempre ótimas melodias de Michael Stipe. Destaque para a nervosa Horse to Water e para a ótima Hollow Man (R.E.M. em sua forma mais pura). Obrigatório para qualquer fã de rock/pop.

7. Vampire Weekend - Vampire Weekend

Mais uma banda revelação desse prolífico 2008, o Vampire Weekend busca diversas referências musicais para formar um todo coeso. Podemos identificar pitacos guitarrísticos de Van Morrison, de Strokes, uma ou outra tendência ao reggae (aos moldes do The Police) e até pinceladas de música clássica. Existe ainda um “tempero especial”, que posteriormente eu descobri tratar-se de afro-beat. Extremamente doce em sua excentricidade, o Vampire Weekend pode não encantar na primeira audição, mas se torna irresistível quando recebe a atenção que merece. Não vou destacar nenhum faixa: esse disco faz mais sentido quando ouvido integralmente, de uma só vez.

6. Metallica - Death Magnetic

E finalmente veio o álbum que todo mundo esperava há mais de quinze anos. Death Magnetic marca o retorno do Metallica ao heavy metal, ainda que não se trate exatamente da “volta às origens” que tanto tem se falado. Disco-síntese, possui a técnica e a progressividade de ...and Justice For All, mas não deixa aquela energia rockeira (mais “popular”) dos anos noventa de lado e, por esse aspecto, esse trabalho mais se aproxima do Black Album do que de qualquer outro disco da banda. E, assim como naquela época, o Metallica voltará a ser o responsável por uma nova reaquecida no cenário da música pesada, mostrando ser mais importante para o metal do que o metal é para ele.

5. Portishead - Third

Onze anos após seu último disco, auto intitulado, o já lendário Portishead finalmente volta à ativa, e o faz em grande estilo. Third, porém, deve ser ouvido com cautela. Não é um disco para qualquer hora do dia. Depressivo e minimalista, o disco desperta uma infinidade de sensações no ouvinte. A banda livra-se de pudores ao lançar diversas sonoridades repetitivas e ao rasgar belas melodias com uma barulheira quase psicodélica. Não deixem de ouvir We Carry On e The Rip, duas obras primas de beleza desorientadora. Uma verdadeira evolução daquele trip hop que os consagrou na década de 90, Third é lindamente perturbador.

4. Black Mountain - In the Future

Mais uma banda de horizonte setentista, mais um álbum indispensável. Fãs de Led Zeppelin, Black Sabbath, Deep Purple e do rock progressivo em geral vão pirar ouvindo “In The Future”. Músicas longas, riffs certeiros, teclados grandiosos e muita psicodelia. Existem aqui desde canções “épicas”, como Tyrants e Bright Lights, até baladinhas meio hippies (que lembram Neil Young), como Stay Free e Angels (fantástica!!!!). A banda se sai maravilhosamente bem em ambos os casos. Dignas de aplausos são a atuação do guitarrista/vocalista Stephen McBean e a participação - tímida, mas essencial - da vocalista Amber Webber, que é o principal diferencial do Black Mountain. Excelente!

3. Hot Chip - Made in the Dark

A grande qualidade do Hot Chip é saber unir a essência da música eletrônica com melodias açucaradas. Desse modo, a banda é eficiente tanto na pista de dança quanto em casa, em uma tarde de domingo. Em Made in the Dark, temos desde canções “nervosas”, como Out at the Pictures, até baladinhas bastante sentimentais, como a faixa título e In the Privacy of Our Love. E o mais interessante de tudo isso é que, em nenhum momento, o disco perde o equilíbrio: pode-se ouvi-lo do início ao fim, sem nunca duvidar de que é o Hot Chip quem está ali. Boa música, sem espaço para preconceitos.

2. Fleet Foxes - Fleet Foxes

Tarefa complicada classificar essa banda! Éééé... imaginem o Beach Boys, mas troquem o cenário praiano por um cenário rural. Medieval, talvez. Esse é o Fleet Foxes. Simon & Garfunkel e Crosby, Stills and Nash também podem servir como referência. Temos aqui arranjos delicados, belos dedilhados e vocais harmônicos que nos brindam com melodias absolutamente encantadoras. A verdade é que tudo nesse disco é tão honesto, tão “bem acabado”, que é impossível não se apaixonar. Indicado para qualquer fã de música, qualquer que seja o estilo de preferência. Perfeito.

1. The Raconteurs - Consolers of the Lonely

Quer você goste de Jack White, quer não, é impossível negar que o cara tem uma qualidade quase extinta entre os guitarristas do rock atual: autenticidade. Ouvimos um riff e, seja pelo timbre, seja pela técnica ou pela construção, logo sabemos que é obra dele. Essa característica, consolidada no White Stripes, é também uma presença marcante no Raconteurs. Some-se a isso o talento de Brendan Benson, vocalista de voz suave e melodias cativantes. Em Consolers of the Lonely, White, Benson e Cia retomam toda aquela energia do rock dos anos setenta, quando técnica e feeling se alinhavam com perfeição, remetendo fortemente às obras de bandas como Led Zeppelin e Lynyrd Snynyrd. O Raconteurs desperta o espírito daquele rock puro, legítimo e intuitivo. Tente não se empolgar com a animada Attention, não cantarolar com o refrão de Many Shades of Black, ou não ficar paralisado com a intensidade de Carolina Drama. Obra prima, obrigatória em qualquer coleção de rock que se preze. Lalalalá Lalalalá! Yeah! Lalalá! Lalalá! Ouçam já!

Painel 10/12

2008-12-09T17:29:00.018-02:00

Soberano!
6 - 3 - 3

Talento de sobra...
O genial Jack White, dono do White Stripes e um dos líderes do Raconteurs, uniu-se à moça Alicia Keys para fazer a música tema do novo filme do James Bond, Quantum of Solace (já nos cinemas... ou melhor, ainda nos cinemas), dirigido pelo peão Marc Foster. Interessante observar como o guitarrista conseguiu atingir a atmosfera musical bondiana sem abrir mão de sua sonoridade característica. Eu estava meio apreensivo em relação a esse projeto, mas dez segundos de música bastaram para perceber que o cara acertou em cheio (como sempre). Alicia Keys, por outro lado, só serviu pra dar um "brilho" na performance e para deixar o clipe mais sensual. Veja:

Woody in RIO
Após Londres e Barcelona, o próximo filme do gênio Woody Allen poderá ser filmado no Rio de Janeiro. Um publicitário carioca pretende patrocinar a produção, que serviria para divulgar as belezas da cidade maravilhosa (só as belezas, hein, Woody!). Seria ótimo. Melhor ainda se ele decidisse atuar também. Imaginem aquele personagem esquisito e neurótico tendo uma crise de pânico dentro do bondinho do Pão de Açúcar, ou discutindo a relação com a amante na frente do Cristo Redentor! Vale lembrar que, além de Vicky Cristina Barcelona, atualmente nos cinemas, Allen já tem um filme novo pronto, Whatever Works, que será protagonizado por Evan Rachel Wood (sim, a ex do Marylin Manson).

Algo de podre no metal brasileiro...
O mundo dá voltas mesmo, não? O grande André Matos, vários meses após o lançamento de seu primeiro disco solo, finalmente fará seu primeiro grande show na capital paulista (12 de dezembro, Citibank Hall). E, acredite se quiser, o principal “apoiador” do espetáculo é a revista... Rock Brigade. A mesma Rock Brigade que foi responsável pelo primeiro desmanche do Angra, que se negava a fazer matérias sobre o Shaman e cujo dono era amaldiçoado por André e Cia. Nesse ano, Angra e Rock Brigade, consta, cortaram relações, fato que obrigou a banda a passar por enormes reformulações. Outro fato curioso: adivinhem quem fará o show de abertura do show de André Matos! Sim, o Hangar, banda liderada pelo “polvo” Aquiles Priester, recém chutado do mesmo Angra. Conseqüência: sujeira pra lá, falsidade para cá, guerrinhas de vaidade, e não é surpresa que a primeira grande geração do heavy metal nacional esteja indo para o buraco. Aos responsáveis, como diria Muricy Ramalho, com sua ironia de sempre: “Meus parabéns, hein....”

Histeria: Radiohead no Brasil Que comoção essa vinda do Radiohead ao Brasil está causando! É bem verdade que se trata da principal banda de rock dos últimos vinte anos, mas, ainda assim, eu não esperava que o barulho fosse ser tão grande. Teve até gente acampando no Pacaembu, para garantir o ingresso (um exagero, evidentemente, ou, como alguém disse no Orkut, “uma atitude idioteque”). A informação oficial é de que restam cinco mil ingressos, dos trinta mil colocados à disposição (para o show de São Paulo). Isso aí, o tímido e discreto Radiohead está chegando ao país com status de rockstars. Esse show vai ser histórico.

Paul McCartney vem aí Chega de boatos. O Sugerimentos apurou que as negociações para trazer Paul McCartney ao Brasil estão adiantadas, e o moço (né?) deve tocar por aqui ainda no primeiro semestre de 2009, inicialmente apenas no Rio de Janeiro, mas com boas possibilidades de a passagem se estender para São Paulo também. Que beleza!

Confirmados
Quem também retorna ao país é o Keane. A banda toca no Credicard Hall, dia 10 de março. Falaram por aí que eles poderiam participar do Just a Fest, festival criado para trazer o Radiohead, mas o fato não se confirmou. Tom Chaplin e Cia, dessa vez, vêm divulgar o novo álbum, o apenas regular Perfect Symmetry (disco muito “carregado”, um tanto maçante, desnecessariamente oitentista, que só brilha mesmo nas bonitas baladinhas). De qualquer maneira, todas aquelas músicas encantadoras dos dois primeiros discos, como Is it Any Wonder, Bedshaped, The Last Time e Crystal Ball, devem constar no set list. Para quem perdeu o show de 2007, será obrigatório. Outro que repete sua apresentação no Brasil é o Riders on the Storm, também conhecido como The Doors. Ray Manzarek, Robby Krieger e seus amigos tocam no Espaço Anchieta, em São Bercampo dos Nardo, no dia 18 de abril. Trata-se de um grande show, que vale a pena ser visto, apesar de o vocalista novo (Brett Scallions) ser bem espalhafatoso. Parece que, a exemplo de Deep Purple, Creedence Clearwater Revival e, mais recentemente, Scorpions, o The Doors também tomou gosto pela caipirinha brasileira.

Uhuuuuuu!
Eu devia ter uns dez ou onze anos quando vi na TV um clipe em que o vocalista da banda se atirava na platéia no final. Fiquei encantado com a música, com aquela melodia simples e bela. Porém, por alguma razão, não consegui ver o nome da banda (provavelmente desviei minha atenção para montar um Lego, ou sei lá). Naquela época, sem Internet (nossa, que idoso), saí descrevendo o clipe pra todo mundo, mas ninguém soube me ajudar. Até que, algumas semanas depois, consegui assisti-lo de novo. Era este aqui; vejam:

Divertido, não? Estou escrevendo tudo isso porque, após alguns anos de inatividade, o grande Blur retomará suas atividades em 2009, em uma turnê de "reunion", com Graham Coxon e tudo. Depois, quem sabe, voltem para o estúdio. Sem querer menosprezar o Gorillaz e o The Good, The Bad and the Queen (ambos excepcionais em sua propostas), mas todos sabemos que o lugar do Damon Albarn é no Blur, banda que foi gigante nos anos noventa e que não merece o rótulo de "grupo datado". Os caras já provaram que ainda têm muito a contribuir com o rock britânico. Porém, não podemos esperar, é claro, um novo Parklife. Mesmo assim, um Blur legalzinho pode ser melhor do que muita coisa considerada "excelente" hoje em dia.

Qual é a música?
Quem nunca viu uma propaganda e pensou “não, mas... que música bacana! O que será que é isso?”. Pois bem, o Sugerimentos identificou algumas canções e conta para você...

Carolina Herrera

Essa música legalzinha é do Rooney. Não, não é o atacante do Manchester United. O Rooney apareceu no início dessa década, naquela onda conhecida por alguns como “Novo Rock”, liderada pelo magnífico Strokes. É possível identificar, porém, um viés mais popular no som deles, que às vezes se aproxima do Travis. Infelizmente, existe ainda um certo apelo "adolescente" que acaba tornando as músicas meio indigestas. Essa aí, I’m a Terrible Person, é, de longe, a melhor música do disco de estréia da banda.

Levi’s 501

Bom, esse é fácil. Trata-se do Justice, uma das grandes revelações da música eletrônica dos últimos anos. Eles tocaram no Skol Beats deste ano e essa foi a música de abertura do show; chama-se Genesis. A dupla francesa faz um eletrônico pesado e obscuro. Você certamente estranhará, portanto, ao ouvir a música mais famosa deles, D.A.N.C.E., que tem um quê de Jacksons Five. Fina ironia.

Kenzo Amour

Essa bela canção é da excêntrica dupla norte americana CocoRosie. Seu nome é Good Friday e ela aparece no disco La Maison De Mon Reve. As mocinhas são meio esquisitas, às vezes aparecem vestidas de palhaço e costumam usar brinquedinhos sonoros para compor os arranjos das músicas. Um som difícil, que causa estranheza, mas que, no fundo, dispõe de grande beleza, como podemos ouvir na propaganda. Banda bastante especial, que merece ser ouvida com atenção.

Melhores Shows de 2008

2008-11-28T21:27:00.008-02:00

Antes de apresentar meus shows preferidos de 2008, eu gostaria de deixar claro que essas escolhas são extremamente pessoais, e não pretendem estabelecer nenhum ranking de superioridade de uma performance sobre outra. Como todas as manifestações artísticas, as apresentações ao vivo falam diretamente com o emocional do espectador, favorecendo assim as análises individuais, em detrimento do entendimento objetivo. No momento da avaliação, influencia não só a admiração pela banda em questão, como também a disposição daquele que assiste, seus objetivos e percepções. Dentre os meus escolhidos, apenas o quinto colocado (e o terceiro, talvez) se encontraria na minha suposta lista de “bandas favoritas”. Outras que também fariam parte dessa lista, como Interpol e Metric, ficaram de fora, e isso não significa que eu tenha desaprovado suas apresentações, apenas que elas não foram “especiais o bastante” (até mesmo porque, quanto mais se gosta da banda, maiores as expectativas). Por outro lado, temos o caso do primeiro colocado. Eu sempre compro ingresso com antecedência, nunca deixo para o dia. Naquele festival, eu comprei na hora, quando a primeira banda já estava no palco: até então, não tinha decidido se valeria a pena ir ou não, e só fui porque estavam esgotados os ingressos de outro show a que eu pretendia assistir. Coisas que acontecem. Enfim, os meus “shows do ano” são esses aí:

5º. The National (Parque do Ibirapuera, Tim Festival)
O National é uma das bandas mais legais dos últimos anos e mostrou que, ao vivo, pode ser ainda melhor. Melancólicos na medida certa, eles também mostraram uma certa afeição pelo art rock (pouco perceptível nos álbuns), o que tornou a apresentação ainda mais interessante. Uma espécie de Tindersticks com espírito jovial. Sério, sóbrio e totalmente musical, o National fez, sem dúvida, a melhor apresentação do Tim Festival 2008.

4º. Jesus and Mary Chain (Vila dos Galpões, Festival Planeta Terra)
Esses shows de “reunion” são sempre perigosos, pois, não raras vezes, as bandas acabam soando datadas e/ou atrapalhadas (Sisters of Mercy que o diga). Nada disso aconteceu com o J&MC, que protagonizou o grande momento do Festival Planeta Terra, ao mostrar que suas canções continuam totalmente relevantes e que ainda existe espaço para eles no cenário atual. Da nostalgia do palco escuro e praticamente imóvel, os irmãos Reid nos brindaram com uma coleção de riffs precisos e músicas certeiras, que tanta gente têm influenciado desde os anos oitenta. Uma autoridade enorme. Que venha o disco novo...

3º. Black Mountain (Eazy Club, SP Noise Festival)
É verdade que eles tocaram apenas meia hora, para um público que não chegava a duzentas pessoas. Talvez seja justamente isso que tenha tornado esse show tão especial. Uma verdadeira aula particular de rock setentista, liderada pelo genial Stephen Mcbean, de cuja guitarra emanam alguns dos riffs mais poderosos da atualidade (e som do instrumento é de arrepiar). Ao seu lado, a tímida Amber Webber, de movimentos suaves e voz doce, somente abrilhanta uma banda que já é perfeita. Acho que o Black Mountain ainda vai dar muito que falar. Ou talvez eles simplesmente tenham nascido na década errada. Confira:

2º. R.E.M. (Via Funchal)
Bastava conhecer o set list e saber que os ingressos estavam quase esgotados para afirmar que esse show seria histórico. E foi. A primeira apresentação do R.E.M. em São Paulo foi daquelas para guardar na memória. Contando com vinte e cinco de carreira e um repertório tomado por clássicos do pop/rock, a banda mostrou uma disposição incomum e fez um “megashow”, que mereceria estádio e milhares de pessoas. O destaque, é claro, fica com o vocalista Michael Stipe, um dos grandes frontmen da história, capaz de levantar os fãs com um simples piscar de olhos. Sorte a nossa, ainda, por termos visto a banda na tour do fantástico Accelerate. R.E.M., the one “we” love:

1º. The Hives (Via Funchal, Orloff Five)
“Todo mundo diz que esteve em Woodstock. Daqui uns anos, todos dirão que estiveram no show do The Hives em São Paulo, mas só vocês estão realmente aqui”. Foi assim que o excêntrico Howlin’ Pelle Almqvist saudou o público paulista, logo no início de uma apresentação que seria, realmente, memorável. Apostando em um rock cru, nervoso, que flerta fortemente com o punk tradicional, os suecos fizeram um show absolutamente frenético, do começo ao fim. Despretensioso e sem querer ser levado muito a sério, o Hives conquista pela energia e pela simplicidade, tocando junto aos fãs, e não para eles. Como diria aquele careca da TV, “olha isso!!!”:

Painel 24/11

2008-11-24T20:25:00.018-02:00

Ah, pelo amor de Deus, que saudades desse brog...

Update

22 de março de 2009, Chácara do Jockey

A melhor banda do mundo, finalmente no Brasil!

Ripper no Brasil

O fenonemal Tim Ripper Owens, atual vocalista da banda do Malmsteen e com boas passagens pelo Iced Earth e pelo Judas Priest, se apresenta no Manifesto Bar, no dia 20 de dezembro. O repertório, aparentemente, será focado em covers de classic rock e do Judas Priest. Em sua banda de apoio, estarão os irmãos Busic, do Dr Sin, e mais dois guitarristas. Minha opinião: se for pra tocar músicas do Jugulator, do Demolition, do Beyond Fear, do Iced Earth, excelente! Se for pra tocar Breaking the Law, Painkiller, Metal Gods etc... passo! Acho Tim Owens muito talentoso para virar um Paul Dianno da vida, marginalizado, vivendo às custas de sua ex-banda.

Chinese Democracy

E aí, quem ouviu o disco novo do Guns'n'Roses? Farei um único comentário:

É inacreditável que o "rockstar super talentoso" Axl Rose tenha demorado quase vinte anos para soltar tamanha porcaria.

Showzinho de metal? Não?

E 2009 já conta com dois grandes shows para os fãs de metal. Em março, o arrasa quarteirão Morbid Angel retorna ao país, com seu trio super poderoso David Vicent, Trey Azagthoth e Pete Sandoval. Se for pra repetir aquela apresentação histórica de 2005, no salão de festas do Estádio do Palmeiras (dizem que virou um depósito, não sei...) será imperdível. Até hoje eu me lembro de umas meninas cantando gutural no meu ouvido. Bacana...
O outro show imperdível para os headbangers de plantão será o magnífico Opeth, banda de death metal progressivo (ou coisa que o valha) que há anos está devendo um showzinho por aqui. Seu vocalista e líder, Mikael Akerfeldt é, sem dúvida, uma das figuras mais brilhantes do metal atual e dizem que os caras destroem ao vivo. É verdade que os dois últimos discos deixam um pouco a desejar, mas valerá a pena pelos antigos clássicos, como Bleak, Deliverance, Demon of the fall, além da obra prima máxima The Drapery Falls (e se bobear ainda sobra Windowpane). Claro, o show perde um pouco do encanto devido à falta do fenomenal baterista Martin Lopez, que deixou a banda há alguns anos.

Ão ão ão, Muricy na seleção!
Boatos cada vez mais fortes dão conta de que nosso querido professor Ramalho assumirá a seleção brasileira no ano que vem. Sejamos honestos, seria bom para todo mundo. Para a seleção, que se livraria do anão pára-quedista e contaria com um técnico de verdade. Para o professor, que assumiria o cargo máximo do futebol brasileiro, que é o sonho de qualquer treinador. Para o São Paulo que, além de se livrar de um sujeito chato e teimoso, poderia ainda, finalmente, acertar o retorno de Paulo Autuori, maior técnico do clube desde Telê Santana. Imaginem só a seleção do Muricy: Rogério Ceni, Élder Granja, André Dias, Miranda, Índio e Jorge Wagner, Richarlyson, Tinga, Fernandão, Nilmar e Rafael Sóbis. Gostaram?
PS: Domingo passado o São Paulo colocou uma mãozinha na taça do Hexa Campeonato Brasileiro, mas isso não muda em nada minha opinião. Escreverei sobre o Hexa em breve (ou sobre a falta dele... nesse caso, será um texto pouco educado)

A qualidade do jornalismo esportivo
Uma apresentadora e um “jornalista” conversam sobre o videogame Wii:
Michelle: Você sabe como joga isso?
Flávio: Sei... é na tela....

Three Men
Two and a Half Men não é mais o mesmo. O menininho Jake cresceu e agora não passa de um adolescente, dos mais desagradáveis. Nada divertido. Já o personagem Allan está sendo abordado por um viés mais corporal, em detrimento dos bons textos de outrora. Charlie permanece bom, mas totalmente previsível. Todos os episódios dessa nova temporada foram vergonhosos. Os roteiristas precisam achar alguma solução para injetar sangue novo na série, antes que ela simplesmente desapareça.

The Mentalist
Não sou muito chegado em séries de investigação, mas The Mentalist parece-me bem interessante. O grande trunfo da série está, é claro, em seu protagonista, o detetive Patrick Jane (Simon Baker, de Terra dos Mortos, O Diabo Veste Prada, entre outros), que adota táticas pouco convencionais para solucionar os crimes. The Mentalist, porém, sofre do mesmo problema que a maioria dos seriados desse tipo. Ao optarem pelo esquema “um crime por episódio”, os roteiristas não têm tempo para desenvolver os personagens. Assim, somos apresentados a apenas três ou quatro suspeitos, todos rasos e pouco expressivos. Para compensar a falta de tempo, todos os esforços para efetivamente construir uma figura interessante e “tridimensional” são direcionados a apenas um personagem, que se torna uma caricatura, e que será, evidentemente, o culpado. O principal suspeito, por outro lado, é sempre comum, óbvio. Agiriam melhor os escritores se criassem uma grande investigação, dividida pelos vinte episódios, em que o assassino fosse revelado apenas no último momento. Aí sim poderíamos conhecer cada suspeito, analisar os comportamentos e elaborar teorias. Ainda assim, vale a pena dar um conferida, pelas tramas inteligentes e pelo ótimo protagonista.

Hermanos separados
As duas mentes pensantes do finado Los Hermanos já estão em ação novamente. Rodrigo Amarante juntou-se a Fabrizio Moretti, baterista meio brasileiro do grande Strokes, e formou o Little Joy (que conta ainda com a vocalista Binki Shapiro). O disquinho de estréia dos caras é bem legal. É verdade que boa parte das músicas poderia ser usada no processo de composição do próximo disco do Strokes (ouçam Keep Me in Mind). Porém, o som do Little Joy é mais diversificado, despretensioso. Aposta principalmente no uso do violão e flerta com diversos estilos, entre eles a música popular brasileira. A banda parece ter como principal objetivo a criação de melodias cativantes; não se preocupa com a promoção de inovações musicais, mas nem por isso deixa de ser autêntica. Se o disco tivesse sido lançado nacionalmente, seria o presente perfeito para distribuir no Natal. Música acessível, de grande qualidade. Ouça:

O outro hermano que seguiu seu próprio caminho foi o vocalista Marcelo Camelo, que lançou seu primeiro disco solo, “Sou”. O álbum é bacana, honesto, mas não passaria disso se não fosse uma singela musiquinha chamada Janta, que é bonita demais. A participação da menina Mallu Magalhães desmonta qualquer um: começa com um vocal tímido, custoso, em inglês, como se tivesse algo a esconder; posteriormente, à medida que sua melodia ganha força, passa para o português, como um desabafo. Eu nunca gostei dos Los Hermanos, e não tenho nenhum apreço especial pelo trabalho da Mallu. Mas essa cantiga é bem marcante. (ps: sem piadinhas sobre o Camelo, a Mallu e a janta... não tem graça...)

Lady McKennitt
Já está nas lojas o novo disco de Loreena McKennitt, a dona da voz mais bela do mundo. Além de oito músicas inéditas, A Midwinter Night’s Dream conta também com novas versões para as canções do famoso álbum A Winter Garden, entre elas as ótimas God Rest Ye Merry, Gentlemen e Coventry Carol. Entre as novas, o destaque fica para The Seven Rejoices of Mary. Enfim, nada de novo, apenas a mesma genialidade costumeira da senhora McKennitt. Quem gosta, gosta... quem não gosta, boa gente não é (hihihihi). Ouça alguns trechinhos do disco novo:

Ei... e o Brasil?
The Mars Volta, Spiritualized e Travis. O que essas bandas têm em comum, além do fato de serem ótimas (certo, Spiritualized é apenas ok)? Todas vieram para a América do Sul, e nenhuma delas passou pelo Brasil. Será que um país que trouxe Ozzy Osbourne, Rod Stewart, Iron Maiden (que volta em 2009), Madonna e Michael Bublé não tem bala para trazer o trio aí? Público teria, eu garanto.

Império de Lynch
Império dos Sonhos, última obra prima de David Lynch já está nas locadoras (e nas lojas também). Trata-se, na minha opinião, da obra máxima do diretor. A impressão é de que Lynch passou toda sua carreira buscando o seu “trabalho ideal” e finalmente o encontrou. Totalmente experiencial, “Inland Empire” é um filme difícil, perturbador, inesquecível. Assista!

Melhores do ano
Estou preparando minhas listinhas de melhores shows e melhores discos de 2008. Até que não está sendo tão difícil como eu imaginava, já que tivemos discos bastante pungentes e shows marcantes. Na lista de shows (Top 5), eu planejava conceder um empate na última colocação, mas o (meu) último show do ano acabou tirando os dois empatados da disputa. Nos discos (Top 10), tudo mais tranqüilo. Faltam só algumas escolhas. Eu pretendia fazer uma lista de melhores filmes também, mas não assisti quase nada esse ano. Em termos de lançamentos, então, meu desempenho foi lamentável. Devo ter visto uns quinze só. Assim, vou escolher apenas um filme. Ainda que minha escolha tenha saído de um universo minúsculo, acho que a obra é bem importante, afinal, é o melhor filme da carreira de um dos maiores diretores do cinema atual. Meu “filme do ano” é esse aí, ó:
(lembrando que o filme é de 2007, mas lançado oficialmente aqui no Brasil em 2008)

Agora vai?

2008-11-11T19:12:00.002-02:00

Arrepios.

Sugerimento Literário: Portões de Fogo

2008-09-10T15:32:00.009-03:00

"Digam aos espartanos, estranhos que passam, que, aqui, obedientes às suas leis, jazemos."

(Epitáfio guerreiro, cunhado em homenagem aos combatentes espartanos nas Termópilas)

A Batalha das Termópilas, na qual 300 espartanos enfrentaram um infindável exército Persa e entraram para a história como pilares da manutenção da liberdade grega, já foi febre nos quadrinhos de Frank Miller e no cinema, por meio de dois filmes, sendo o último estrelado por Gerard Butler, com participação de Rodrigo Santoro. Portões de Fogo reconta a história de forma ainda mais completa. O foco do livro fica em torno da estrutura da sociedade espartana, e não apenas no feito dos 300.

Portões de Fogo é narrado por um grego não-espartano, escudeiro de um dos 300 e sobrevivente da Batalha das Termópilas. Seu interlocutor é, indiretamente, o próprio Xerxes, rei considerado Deus entre os persas e grande mentor da tentativa de dominar a Grécia. Indiretamente porque o Rei não pode conversar com um homem de tão baixa estirpe e, portanto, a história é contada por meio do capitão dos Imortais, guarda-pessoal de Xerxes. A intenção do Rei-Deus é compreender melhor como a sociedade espartana está fundamentada, e de onde vem a coragem e a organização militar daqueles guerreiros contra os quais suas forças tanto penaram nas Termópilas. Em suma, quem são, de fato, os soldados de infantaria, o que só poderia ser trazido à tona por quem fez parte de tal força.

São contados detalhes do treinamento ao qual os espartanos, ainda crianças, são submetidos para se tornarem guerreiros da mais alta classe. O importantíssimo papel das mulheres de Esparta é destacado, ao contrário do filme, no qual somente a rainha possui algum destaque. Alguns fatos hiperbolizados nos quadrinhos e no cinema são dismistificados, como a idade do Rei Leônidas que, à época da batalha, era um senhor de mais de 60 anos, e o fundamental papel dos aliados, geralmente deixados de lado.

Steven Pressfield costura histórias de diferentes personagens da batalha, formando precisas construções históricas de organização militar e guerras, que permitem ao leitor praticamente visualizar o derramamento de sangue e, paralelamente, um romance baseado nas forças e fraquezas humanas, o que é pouco demonstrado quando se trata de Esparta e seus guerreiros. Em virtude disso, Portões de Fogo está longe de ser um livro didático de história. Pressfield, com maestria, fundamenta uma história de ficção dentro de um contexto histórico que abre essa possibilidade para o autor.

A construção dos que, no momento crucial do livro, são escolhidos entre os 300, é importantíssima dentro do contexto da batalha, pois aproxima o leitor de cada indivíduo combatente, não apenas como um dos soldados do exército. Cada homem que deu sua vida numa batalha na qual um exército de homens livres aproveitou-se da geografia do campo de batalha e segurou um exército absurdamente mais numeroso por tempo suficiente para que seu país se organizasse e, inspirado pela coragem desses homens, conseguisse vencer às forças persas.

Portões de Fogo é uma leitura excelente para quem gosta de história e que tenha apreciado o filme 300, por ser tão diferente e, ao mesmo tempo, tão complementar a ele. É indicado, também, para quem sequer sabia da existência da Batalha das Termópilas, pois é uma narrativa altamente informativa e fluída, do tipo que, ao chegar ao final, você fica insatisfeito em ter acabado tão rápido.

Portões de Fogo
Steven Pressfield
Objetiva
2001

Accelerate!!!!!

2008-09-05T16:29:00.004-03:00

R.E.M. no Brasil

November 6th: Porto Alegre, Brazil, Zequinha Stadium

November 8th: Rio de Janeiro, Brazil, Arena

November 10th: Sao Paulo, Brazil, Via Funchal

November 11th: Sao Paulo, Brazil, Via Funchal

Brasil nas Olimpíadas: uma análise.

2008-08-24T19:28:00.001-03:00

Sugerimentos Reforçado!

2008-08-12T19:27:00.004-03:00

Sugerimentos dá as boas vindas a nossa nova sugerimentadora, menina Aline, que todo mundo conhece do filme Televidão (que lhe rendeu um Zé Lião de Ouro de Melhor Atriz)!!!!

Aline é especialista em teatro, em animações em 3D, em eventos e na alimentação dos ursos panda, e vai escrever sobre essas e muuuuuitas outras coisas!

Bem-vinda, Alineeee!

Cobertura: Muse em SP

2008-08-02T21:45:00.009-03:00

E finalmente o grande Muse apareceu em terras paulistas. Um público bastante diversificado (indies, emos, headbangers, maçons, tupis, guaranis, etc) compareceu ao HSBC Brasil, ansioso pela apresentação do conjunto, famoso por suas grandes performances ao vivo. Abafadíssimo e lotadaço, de tal modo que, mesmo no fundo da pista, era quase impossível se locomover, o ambiente da casa beirava o infernal, o que tornou a meia horinha de atraso ainda mais desagradável. Era sabido, porém, que o incômodo logo seria esquecido, assim que o trio entrasse no palco.

Luzes apagadas, muita gritaria, e a intro escolhida foi a pomposa Dance of the Knights, de Prokofiev, que me pareceu uma opção exageradamente sombria, pouco condizente com a proposta da banda, que logo entraria detonando com a excelente Knights of Cydonia, certamente a melhor faixa do fraquinho Black Holes & Revelations. Abertura avassaladora, com o público pulando e cantarolando junto com a guitarra. Durante os 100 minutos seguinte, o que pudemos ver foi uma verdadeira aula de rock, uma enxurrada de riffs disparados um atrás do outro pelo virtuoso Matthew Bellamy, que ainda demonstrou um belo controle vocal e uma grande presença de palco: mesmo tendo falado poucas vezes diretamente com o público, ele se garantiu com um desempenho composto por uma mistura perfeita entre técnica e feeling. O batera Dominic Howard também fez uma grande apresentação, mostrando uma boa pegada e excelente precisão. Enquanto isso, a parte visual do show foi formada por um frenético trabalho de iluminação e um grande telão ao fundo do palco, que atuava conforme o clima das músicas, exercendo, assim, importante papel na criação da ambiência do espetáculo.

O set list pecou apenas pelas ausências de Sunburn, Apocalypse Please e Muscle Museum, sendo que essa última, a meu ver, deveria ser presença obrigatória em qualquer show do Muse. Fora isso, a execução da chatinha Invincible me pareceu um tanto fora de contexto, e poderia ter sido substituída por alguma outra baladinha mais interessante, como Unintended, Blackout ou pelo hino Sing for Absolution. Já Starlight, que figura entre as canções menos inspiradas da banda, acabou funcionando bem, com as famosas palminhas sendo perfeitamente executadas pelos presentes, como se tivessem sido ensaiadas. Vale lembrar que essa foi a primeira música do Muse a ser comercialmente trabalhada no Brasil, de modo que, para muitos, deve ser o “clássico” da banda. A verdadeira dona desse título, porém, foi tocada logo em seguida: Time is Running Out, canção que eu coloco entre as melhores dessa década (mesmo tratamento dado ao álbum que a abriga, Absolution). Take a Bow, outra música não muito atraente do novo álbum, apareceu bem como saideira, aproveitando-se do seu clima de rock progressivo.
Feitas essas ressalvas, fica difícil de apontar qual foi o ponto alto do show. O Muse é dono de uma flexibilidade musical invejável (só comparada, na atualidade, com a dos seus conterrâneos do Porcupine Tree), e essa variedade de propostas acaba criando diversos highlights, cada um a sua maneira. Stockholm Syndrome foi uma porrada na orelha (incrível como apenas três caras possam criar tamanha massa sonora), enquanto Bliss e Supermassive Black Hole, flertando com a música eletrônica, foram os momentos mais animados. Já Feeling Good, cover de Nine Simone, foi tocada com enorme intensidade. Primoroso. Importante destacar também a atuação da platéia, participativa e afiadíssima, que transformou o HSBC Brasil em um verdadeira caldeirão.

Se ainda existia alguém que enxergasse o Muse como uma espécie de “filhote” do Radiohead, é certo que essa impressão foi definitivamente exorcizada. Pelo contrário, o conjunto mostrou que se destaca justamente pela ousadia, pela busca quase psicodélica pelo “novo”, o que realmente os aproxima das bandas de rock progressivo dos anos setenta. E essa incessante procura reflete-se no palco, fazendo de seus concertos uma experiência lúdica, poderosa, memorável.
Set List: Knights of Cydonia, Hysteria, Bliss, Map of the Problematique, Supermassive Black Hole, Butterflies and Hurricanes, Citizen Erased, Feeling Good, Invincible, New Born, Starlight, Time is Running Out, Plug in Baby, Stockholm Syndrome, Take a Bow

Fotos: UOL e G1

Vídeos no YouTube
Knights of Cydonia
http://www.youtube.com/watch?v=IF1rM9Ph1q0
Plug in Baby
http://www.youtube.com/watch?v=y1Haw8dk76k&feature=related
Felling Good
http://www.youtube.com/watch?v=F4s_zG94BK8

Metallica + Vinterberg

2008-08-02T01:01:00.002-03:00

E o Metallica acertou de novo. Após ter firmado parceria com Rick Rubin, para a produção do novo disco, Death Magnetic, a ser lançado no dia 12 de setembro (tá chegaaando...), os caras agora contam também com o cineasta Thomas Vinterberg, que dirigiu o novo clipe da banda, da música The Day That Never Comes. Para quem não conhece, Vinterberg tem em seu currículo um dos filmes mais adorados dos últimos anos, o tensíssimo, porém excelente, "Festa de Família", que é o filme número 1 do pseudo-movimento Dogma 95 (encabeçado pelo próprio Vinterberg, e pelo bom fanfarrão Lars Von Trier). Vinterberg também é o diretor do belo "Querida Wendy", mais comercial, mas não menos satisfatório. Em termos de videoclipe, seu trabalho mais relevante foi com o Blur: No Distance Left to Run.

Agora é só aguardar.... (er, tempo que não passa!)

CSS_Donkey

2008-07-22T19:58:00.007-03:00

Algo que sempre me incomodou no CSS foi o comportamento meio displicente em relação à música, em prol da irreverência. Algo do tipo “você nem precisa gostar das músicas, mas ao menos ria conosco”. O primeiro disco parecia baseado nessa proposta: algumas músicas boas e consistentes, em meio a meras palhaçadas. Carregando um rótulo de “bandinha de garagem que deu (muito) certo”, o segundo disco era esperado com certa apreensão, pois revelaria qual seria o destino da banda: continuar brincando e entregar-se definitivamente ao folclore, ou assumir uma responsabilidade musical, principalmente em termos de estilo. Para sorte da banda e da representatividade brasileira, parece que decidiram seguir pelo segundo caminho. Não que Donkey seja um grande disco, longe disso. Porém, é inegável que existe ali uma certa coesão, que traz ao CSS uma feição musical, ainda que de difícil definição. É uma espécie de rockinho dançante, meio electro, que por vezes chega a ser boboca, de tão alegrinho. Ainda assim, é possível ouvir o disco inteiro tranquilamente, sem ter que ficar pulando faixas.

Um dos principais argumentos dos detratores do álbum é que “a banda aprendeu a tocar, então ficou chata!”. Nós, do Sugerimentos, não concordamos com esse tipo de pensamento. Achar que uma banda ficou “careta”, porque, pretensamente, “tocar mal é legal”, não condiz com minha maneira de entender música. Uma coisa é uma banda privilegiar a técnica em detrimento da qualidade musical, o que pode ser, realmente, extremamente chato; não é isso que acontece com o CSS (acho que nem se eles assim quisessem): a verdade é que Donkey traz uma banda mais consciente, mais preocupada com a construção dos arranjos, o que é, a meu ver, louvável; além disso, é o que já podíamos esperar de um grupo que alcançou relevância no mercado musical europeu.

Musicalmente, Donkey privilegia as guitarras e, em certos momentos, chega até a nos brindar com alguns “riffs” bastante interessantes, que podem remeter a alguns dos bons momentos do Strokes e do Franz Ferdinand. Já Give Up aposta em um instrumental “oitentista moderno”, aos moldes do She Wants Revenge (não tão sombrio, evidentemente), e é um dos pontos altos do álbum, ao lado da animada Move e da empolgante I Fly. Outra referência que é recorrente (e já era no primeiro disco) é ao ótimo Ladytron, como podemos ver na legalzinha Believe Achieve. Destaque ainda para a boa atuação da moleca Lovefoxxx, com seu vocal espertinho, que fica ainda mais gracioso devido ao leve sotaque.

Donkey, porém, ainda traz alguns dos vícios que estragavam o primeiro disco: a banda derrapa em algumas músicas, abusando de melodias previsíveis, e insistindo nos “teclados com som de videogame”, que podem ser extremamente irritantes e enjoativos. Apesar disso, não deixa de ser uma boa surpresa ver o CSS, que é um dos principais representantes do rock brasileiro no exterior (senão o principal), “tomando jeito”, e investindo na música, que é o que importa. Nesse álbum, a banda mostrou que se leva a sério, permitindo que nós também o façamos.

Update: você pode baixar o álbum diretamente do site da Trama, na faixa. Basta entrar aqui:

http://albumvirtual.trama.uol.com.br/flash_download.jsp?id=765708654

Tirinhas: Zé Bento!

2008-07-16T20:03:00.001-03:00

Arte e Roteiro: Fernando Tadeu

Show do ano?

2008-06-28T23:12:00.000-03:00

Muse no Brasil!!!!

2008-06-13T18:52:00.001-03:00

31 de julho, HSBC Brasil!

Painel 18/05

2008-05-18T21:22:00.013-03:00

Pushing Daisies
Essa série começou em abril, mas a chamada estava rolando na Warner desde dezembro do ano passado, o que gerou uma expectativa considerável. Agora, após alguns episódios, já deu pra absorver bem o que se passa no programa. E é bacana. Não é nada de outro mundo, não deve se tornar uma febre “lostiana”, muito menos “friendiana”, mas é bem diferente do que temos visto na TV paga. A direção é ousada, baseando-se claramente nos mundos de Tim Burton (só que não tão chato) e de Jean Pierre Jeunet (e conta ainda com um quê de Liev Schreiber, de Uma Vida Iluminada). O roteiro, porém, freqüentemente escorrega em soluções fáceis e previsíveis, o que pode ser fatal para uma trama baseada em mistério. Até o desenlace final, porém, Pushing Daisies garante boa diversão, misturando suspense, romance e comédia. Visualmente, é perfeito.

Crítica Publicitária
- não tem para ninguém, o filme do garotinho que quer ir à casa do Pedrinho é um jovem “clássico”. Conversei, há algum tempo, com meus amigos publicitários e, após um pequeno debate, chegamos a algumas conclusões: ou os redatores estavam de saco cheio do trabalho e decidiram escrever qualquer besteira que lhes viesse à cabeça, ou então eles o fizeram para tirar sarro do anunciante que, sem saber que era piada, foi lá e aprovou. O pior é que o filme está a tanto tempo no ar que provavelmente está dando resultado de vendas.

- tem gente chupinhando idéias: uma pasta de dente certamente deu uma olhadinha em Friends, antes de fazer os dentes da mocinha brilharem no escuro; e Amelie Poulain foi duplamente copiado: um supermercado usou a famosa cena da criancinha comendo morangos com os dedos; já o filme de uma marca de celular mostra um pai que tira fotos de um bonequinho, em diversas situações e aventuras, para depois mostrar ao filho.

- toda vez que o tal do Luciano Huck diz “helloooo”, no filme de certa operadora telefônica, despertam em mim os instintos mais primitivos. Além disso, acho muito curioso ele dizer que o que ele mais gosta na tal operadora “é o preço do plano”, ou algo assim. Como se um rapaz que vai à imprensa chorar o Rolex roubado e que anda de Porsche pela capital carioca estivesse muito preocupado com a conta do telefone. Caso clássico de falácia Ad Hominem.

Rufus! Rufus! Rufus!
Terminou a passagem do genial Rufus Wainwright pelo Brasil, após apresentações no Rio de Janeiro, em São Paulo, Belo Horizonte e Brasília. Aqui no Via Funchal, Rufus tocou para um público pequeno e silencioso, mas que saiu bastante satisfeito (na saída, ouvi um senhor, já com seus 60 anos, dizer que foi o melhor show de sua vida). Como relatou o Jô Soares em sua entrevista com o rapaz (né?), os shows mostraram a figura do artista em sua forma mais pura. Rufus + piano. Rufus + violão. Rufus + família. A qualidade de suas composições já era conhecida, e não é de hoje que tem sido exaltada pelos quatro cantos do mundo. O que mais surpreendeu foi a perfeição de seu vocal, cheio de variações de textura e de potência. A execução de “Not ready to Love” beirou o sublime, e eu nunca havia visto o Via Funchal tão quieto, como se todos estivessem hipnotizados. De quebra, ainda pudemos ouvir belas versões de Somewhere Over The Rainbow, Hallelluja (dueto com a mana, Martha) e até da brasileira Manhã de Carnaval (essa na voz da mamãe, Kate McGarrigle). Além da genialidade musical, a tour brasileira ainda serviu para mostrar que Rufus é uma figura carimbada. Como o Estadão bem relatou, é interessante observar como um cara tão alegre e piadista é capaz de mostrar tamanha melancolia e sensibilidade em suas músicas (mesmo caso do graaaande Antony Hegarty). O set list contou ainda com Grey Gardens, California, Rebel Prince, Going to a Town, The Art Teacher, entre outras. Show para guardar na memória. (Vídeo aqui: http://musica.uol.com.br/ultnot/multi/2008/05/09/040268E48123E6.jhtm?rufus-wainwright--this-love-affair-040268E48123E6)

E você, também é Indie?
Ok, esse termo “indie” já está rolando por aí há alguns anos, mas eu confesso que não sei exatamente o que significa. Estilo musical? Estilo de vida? Tipo de roupa? Grupelho mercadológico? Corrida de carros? Outro dia, fiquei extremamente confuso, quando li em um blog que o grande Muse é um “fenômeno indie” e depois, no mesmo blog, que a garotinha Mallu Magalhães é uma “revelação indie”. Quero dizer... quê? Alguém me explica, fazendo o favor...

Falando nisso...
Falando em Muse, há quem diga que os caras já estão de malas prontas, e que devem desembarcar aqui em São Paulo em agosto. Uma das bandas mais interessantes dos últimos tempos. Se rolar, será imperdível.

Confirmadíssimos!
O Nightwish, banda finlandesa mais brasileira que existe, marcou show em São Paulo, para novembro. Será a estréia de Annette Olzon no Brasil, país esse que sempre idolatrou a ex-vocalista, Tarja. Mas não tem erro: Dark Passion Play é o melhor disco da banda e Annette vai conquistar o público logo na primeira música. Quem também confirmou apresentação por aqui foi a mocinha Joss Stone. Não é nenhuma Amy Winehouse, mas tem carisma e deve cantar para um Via Funchal lotadaço. Para quem gosta, será diversão garantida (mas corram, porque os ingressos não durarão muito).

Missão: Metallica
O Metallica criou um site que registra alguns momentos da banda em estúdio, na gravação do novo álbum, prometido para outubro. Por meio de vídeos, os fãs podem assistir aos caras tocando, gravando, ou simplesmente falando bobagem. O principal: podem também ouvir trechos das novas músicas. Não tem como, sempre que o Metallica está para lançar um disco novo, o mercado se agita, porque ninguém sabe o que vem por aí. Pelo o que eu ouvi das músicas, vem coisa muito boa. O melhor desde Black Álbum? Possivelmente...

Olha o professooor...

Prof. Ramalho, que já é técnico, maestro, joão-bobo e dançarino, agora também é filósofo: "A bola pune!", disse ele, em relação à mais recente comédia flamenguista. Mandou bem, professor. E "é nóis" na Libertadores! Rumo ao Tetra!

Um Beijo Roubado
Grandes expectativas cercaram o lançamento de Um Beijo Roubado, primeira produção em língua inglesa de Wong Kar Wai, um dos mais celebrados diretores da atualidade. O filme já está em cartaz há algum tempo, e não decepciona. Como já é costume do diretor, o coração partido dos personagens volta ser o protagonista, e é tratado com a sensibilidade e poesia de sempre, assim como a dualidade tempo/sentimentos, desenvolvida a partir de um quase road movie, em que a personagem principal passa por um processo de auto conhecimento. A cantora Norah Jones, estreante no cinema, ainda que não prejudique a produção, mostra-se um tanto perdida, enquanto Jude Law (cada vez mais parecido com Diego “Dios” Lugano, só que sem a cara de doido) consegue uma atuação coesa e cria uma figura interessante. Destaque também para a curta aparição de Chan Marshall, a famosa Cat Power! Um Beijo Roubado está longe de ser o melhor de Kar Wai; porém, por adotar um tom mais comercial e, assim, de mais fácil assimilação, pode servir como uma espécie de “demonstração” da habilidade do diretor ao grande público. Aqueles que forem conquistados poderão ir atrás de Amor à Flor da Pele, Amores Expressos e Felizes Juntos, suas verdadeiras obras-primas.

O Sonho de Cassandra
Nesse novo filme, Woody Allen retorna ao suspense, gênero que o trouxe de volta à luz, há três anos, quando do lançamento de Match Point. E é impossível não comparar esses dois filmes: o desejo desenfreado pela ascensão social está presente novamente, atormentando os personagens e fazendo-os tomar decisões moralmente duvidosas. No elenco, o sempre atrapalhado Colin Farrell mostra que se sai melhor quando seu personagem não precisa ser levado a sério. Ainda que não tão brilhante quando Match Point, a direção sempre elegante de Allen garante a O Sonho de Cassandra uma posição de destaque entre os filmes atualmente em circuito. E é aquela história de sempre: um Woody Allen mediano vale mais que um Ridley Scott excelente (se é que isso existe). Assistam!

Depeche Mode - Leave in Silence

2008-04-27T21:02:00.001-03:00

Só para não deixar o blog parado enquanto meu computador oficial não chega do conserto, fiquem aí com uma versão beeeem legal de Leave in Silence, do Depeche Mode, com Martin L. Gore no vocal.... nada contra Dave Gahan, mas as interpretações do Martin são especiais... e antes que alguém pergunte, sim, ele está usando um par de asas (????)....

Wayne Hussey - Butterfly on a Wheel

2008-04-14T20:53:00.001-03:00

Quando o Wayne Hussey anunciou o fim do Mission, uma das coisas que eu pensei foi: "ah, não! nunca ouvirei Butterfly on a Wheel ao vivo!". Ok, "sonho realizado", aí está, acústica, com violoncelo e com participação do Andreas Kisser. Eu ia esperar para postar junto com a cobertura do evento, mas não resisti. Contenham as lágrimas...

(postado no YouTube por Pennalopes)

Painel 31/03

2008-03-31T17:58:00.010-03:00

Mais um painel do Sugerimentos. Críticas, comentários e cornetadas. Futebol, Cinema, Metal e Tango. Tem problema, não?

O retorno do Bach

Eu nunca fui muito fã do Skid Row. Acho Monkey Business uma boa música, e só. O resto não me encanta. É bem verdade que só acompanhei a fase terminal da banda, quando ela entrava em decadência. Talvez por isso, sempre vi Sebastian Bach como mais um farofa antipático, como Vince Neil ou Brett Michaels (mais jovem, porém). Após alguns anos de sumiço (provavelmente estava comprando mansões e carros esportivos), o cara reaparece.... no elenco de Gilmore Girls. Aí eu dizia "estão vendo? Se esse boboca fosse bom, estaria gravando discos e fazendo turnês, ao invés de participando de um seriado para garotas!". Ok, acontece que a tal série acabou e Bach ficou sem emprego. Bom, o jeito foi voltar pra música. E não é que o farofa fez um belo disco??? Angel Down é melhor do que qualquer coisa que ele tenha feito até hoje (inclusive Gilmore Girls). Claro que a "dream band" que ele montou deve ter ajudado um pouquinho: estão lá Steve DiGiorgio, Bobby Jarzombek ("só" o melhor baterista de heavy metal da atualidade) e Metal Mike Chlasciak. Esse último claramente impõe seu estilo ao álbum, com seus riffs modernos e precisos, que por vezes remetem ao Halford, ao Fight, ou ao Judas Priest da fase Tim Ripper Owens (falando nele, Ripper está em turnê com Malmsteen. Duplinha pouco talentosa, não?). Angel Down ainda traz uma participação (não muito) especial de Axl Rose, que deixou as gravações de Chinese Democracy (hihihihihi, ok, não resisti), para fazer essa contribuição ao amigo. Não estraga o disco, mas também não o alavanca. De qualquer maneira, os destaques de Algel Down são a faixa título, que é excelente, American Metalhead, Negative Light e Stabbin' Daggers. Existe uma ou outra música mais fraquinha, mas nada que seja catastrófico. Ok, admito, o cara está cantando muito. Prometo que nunca mais vou chamá-lo de Sebastian Barbie.... ok, mentira.

O retorno dos Cavalera

Inflikted, primeiro disco do Cavalera Conspiracy, deve chegar às lojas ainda esse mês. Como já diz o nome, o álbum marca o reencontro dos irmãos Cavalera, fundadores do Sepultura, após um período de desavenças que durou mais de uma década. Agora, ambos fora do Sepultura, eles resolveram colocar a cabeça no lugar e retomaram o trabalho em conjunto. Podem me cornetar (os comentários estão aí para isso), mas para mim esse é o melhor disco da dupla. Trata-se de um thrash metal moderno, pesado e brutal. O desempenho de Iggor (com dois "G" agora) é irreparável: se tornará referência em sua discografia. Max continua com seu vocal inconfundível e seus riffs poderosos. De quebra, a banda ainda conta com o guitarrista Marc Rizzo, extremamente competente, que deu ao Cavalera Conspiracy um refinamento técnico que o Sepultura nunca teve. Acho que é inevitável: Max e Iggor precisam dar um golpe de estado e retomar o Sepultura para eles, antes que o Júnior Lima entre na banda.

20 anos de justiça...

And Justice for all, uma das oito obras primas do Metallica, completa em 2008 20 anos de lançamento. É verdade, Metallica já está virando "banda velha". Para alguns headbangers, And Justice... foi o último disco bom da banda. Sabemos que não é verdade, mesmo porque dois anos depois eles lançaram um dos melhores discos da história do rock (eu, particularmente, acho que o último disco bom deles foi o St. Anger). De qualquer maneira, And Justice realmente é um dos álbuns mais poderosos do heavy metal. Não só é extremamente pesado, como também representa o ápice técnico da banda (exceto o baixo, que está praticamente inaudível). Blackened, And Justice For All, Harvester of Sorrow, Dyers Eve e, é claro, One. Ah, One (gosta de metal e nunca ouviu One? Está na hora de tomar vergonha na cara). Parabéns para o disco! E que esse ano venha um tão bom quanto!

FOOOOM!

Prof. Ramalho inventou uma nova tática. Ele escala o time errado, de propósito. Aí, no intervalo, ele mexe no time e coloca o que ele sabia que era o correto. Dá certo, e ele sai dizendo que é o tal, porque suas substituições surtiram efeito. Assim é fácil, né? Minha sugestão: deixe o Miranda, o Hernanes e o Jorge Wagner no banco, e coloque-os no meio tempo. Tenho certeza que o time melhora (talvez já esteja perdendo por uns 3 a 0, mas que melhora, melhora!). Perceberam? Pergunta pra mim, Juvenal....

FOOOOM 2!

Palavras de Dunga: "Richarlysson é lateral esquerdo!!!".... É um mais burro que o outro, né?

Gênio

Que beleza! Arnaldo Jabor está correto, Wong Kar Wai é um dos maiores cineastas dos tempos de hoje. Graças a Telecine Cult, pudemos conferir boa parte de sua obra, e homem realmente tem "o dom". Passaram Dias Selvagens, Amores Expressos, Anjos Caídos e Felizes Juntos, todos excelentes (Anjos Caídos talvez esteja um pouquinho abaixo da média). No último domingo, dia 30, acabou o festival, com seu clássico máximo, Amor à Flor da Pele. Não viu ainda? Então fique ligado: o filme continua na programação do Telecine. Não perca a oportunidade. Vale lembrar também que seu novo filme, My Blueberry Nights, sua primeira produção em língua inglesa, que conta com Jude Law, Norah Jones (?) e Natalie Portman, estréia por aqui em abril. Será lançado com o título pouco elegante "Um Beijo Roubado".

Minghella (1954-2008)

Fiquei meio chateado com a morte do diretor Anthony Minghella. Ainda jovem, o acontecimento pegou a todos de surpresa. É uma pena. Minghella foi um cineasta que soube oferecer um cinema de qualidade ao grande público. Estão entre suas principais obras "O Talentoso Ripley", "Cold Mountain" e, é claro, seu grande clássico, o belo "O Paciente Inglês", vencedor de nove Oscars (inclusive Melhor Diretor). Se sua filmografia é relativamente curta, é porque Minghella gostava de passar muito tempo trabalhando em um mesmo filme: quatro anos, em média. Sua última produção foi o bonzinho "Invasão de Domicílio", com Juliette Binoche e Jude Law. Para quem não conhece o trabalho de Minghella, corra até a locadora mais próxima e alugue O Paciente Inglês!....

ElectroTango

O Bajofondo Tango Club, conjunto que divide a soberania do electro-tango com o Gotan Project, retorna ao Brasil em maio, dia 14, para show no Via Funchal. Vale lembrar que o líder do grupo é o argentino Gustavo Santaolalla, compositor duplamente vencedor do Oscar de Melhor Trilha Sonora (Brokeback Mountain e Babel). O Bajofondo passou por aqui ano passado e foi aprovado pela crítica. Segundo alguns, no quesito "performance ao vivo", eles deixam o Gotan Project no chinelo. Confiramos.

Preparem-se

Nos próximos dois meses, o Sugerimentos será o site com o maior número de coberturas de shows da Internet!

Cobertura: Ópera La Bohème

2008-03-20T10:32:00.007-03:00

O Centro de Cultura Judaica de São Paulo iniciou, nesta semana, uma temporada de óperas abertas ao público. A iniciativa visa aproximar – literalmente – o público às grandes obras. São 100 ingressos para assistir e interagir com a peça, encenada na cafeteria do CCJ. Há, ainda, outros 300 para transmissão simultânea no Teatro.

A ópera escolhida para abrir os trabalhos foi “La Bohème”, de Puccini. A história se passa em Paris, em meados do século XIX, e trata da história de uma jovem costureira, Mimi, acometida pela tuberculose. Ela conhece um poeta, Rodolfo, que mora com seus amigos em um sótão simples, e eles se apaixonam. Dividida em 4 atos, a ópera narra a bela história de Mimi e Rodolfo, paralelamente à história dos 3 amigos dele, Colline, Schaunard e Marcello. Este último tem um affair com Musetta, que não é tão comportada e doce como Mimi. O diferencial de “La Bohème” para as outras óperas da época é o fato de retratar pessoas da classe proletária, algo pouco corriqueiro numa época onde o tema básico era o foco em reis, nobres, deuses e heróis. As humanidades de suas personagens e as partituras de Puccini tornaram “La Bohème” uma das óperas mais famosas do compositor, que também experimentou a pobreza antes de seu primeiro sucesso, “Manon Lescaut”.

Não seria justo tratar da parte musical da peça. Obviamente, falta repertório. A idéia de aproximar a audiência a um tipo de arte geralmente tão distante do grande público é muito interessante. As expressões das pessoas, com os artistas cantando e passando ao lado em meio à cantoria, demonstra que é uma experiência bastante agradável e peculiar, positivamente falando.

Com relação aos artistas, tem-se que destacar, entre os jovens talentos, a estrela principal da peça. A soprano Guiomar Milan, em atuação impecável como Mimi, rouba a cena de seus colegas, com seu talento e graça. Isso pode ser comprovado na hora que os artistas saúdam o público. Mlle Milan é, de longe, a mais agraciada pelos presentes. Com razão, como mostra seu currículo, com prêmios nos festivais internacionais Bidu Sayão e Maria Callas, além de ter sido convidada por grandes diretores artísticos internacionais para cantar em concursos em Verviers (Bélgica) e Dresden (Alemanha). Ou seja, é um talento reconhecido internacionalmente, que deve ser bastante apreciado quando houver oportunidade em terras nacionais.

Apesar de não ser a mais difundida das artes, o público percebe os talentos. E essa aproximação promovida pela CCJ só tende a, cada dia mais, popularizar a ópera, da forma mais sadia possível.

Ficha técnica:
Mimi (Soprano) – Guiomar Milan
Musetta (Soprano) – Manuela Freua
Marcello (Barítono) – Amadeus Góis
Benoit (Tenor) – Benito Maresca
Rodolfo (Tenor) – Bruno Facio
Schaunard (Barítono) – Diógenes Gomes
Colline (Baixo) – Fernando Gazoni

Direção Musical / Narração: Mauro Wrona

Direção Geral / Iluminação: Iacov Hillel

Guiomar Milan no Youtube (com um belo chapéu): http://www.youtube.com/watch?v=J4kk7kNQNEQ

Cobertura: Interpol em São Paulo

2008-03-15T00:06:00.016-03:00

Após quase quatro meses de espera, finalmente chegou o dia de tirar o ingresso para o show do Interpol da gaveta! No último dia 11, os norte-americanos fizeram sua primeira apresentação no Brasil, em São Paulo, no Via Funchal. Com três álbuns lançados e seis anos de estrada, acho que a banda veio em um bom momento, já passado o entusiasmo dos dois primeiros discos, e com experiência suficiente para nos mostrar uma performance já relativamente consolidada.

Um dos principais nomes do “novo rock”, o Interpol surgiu com o magnífico Turn On The Bright Lights e foi logo batizado pela crítica de “o novo Joy Division”, rótulo que seus componentes fizeram questão de refutar, em entrevistas aos veículos brasileiros. Apesar disso, parece-me muito difícil não vincular as duas bandas. Confesso que, quando ouvi o festejado disco pela primeira vez, pensei “Nossa, mas parece Joy Division!”. E não é necessário ser um grande conhecedor da obra de Ian Curtis e Cia para fazer essa relação. É preciso diferenciar, porém, “novo Zé Bento”, de “cópia de Zé Bento”. O Interpol está muito longe de ser um xérox do Joy Division (como o Mika é do Queen, só para citar um exemplo recente): o som dos norte-americanos é extremamente atual, e tem, sim, uma identidade própria. Tanto é assim que, ironicamente, já ouvi duas ou três bandas mais novas e pensei “Nossa, mas parece Interpol!” (Editors, por exemplo. Para quem quiser conferir a semelhança, a banda deve dividir o palco do Indie Rock Fest com o Klaxons e com o Yo La Tengo, em maio, em SP). Além disso, se existem referências ao Joy Division, existem também pitadas de Echo & The Bunnymen, Television, The Chameleons e, acreditem, Dead Can Dance (ouçam Leif Erikson ou The Lighthouse e me respondam se não parecem versões roqueiras das baladas cantadas por Brendan Perry no DCD). E existem, também, Paul Banks, Carlos D. Dengler, Daniel Kessler e Sam Fogarino, que fazem do Interpol uma excelente banda, capaz de andar com as próprias pernas e de fazer discos memoráveis, como o já citado debut.

Falemos do espetáculo, então. Marcado para as nove e meia, a apresentação foi antecedida por uma curta apresentação dos gaúchos do Cachorro Grande (parênteses: vamos parar com essa mania irritante de utilizar artigo feminino antes dos nomes das bandas, fazendo o favor. O Led Zeppelin, O Metallica, O L7, O Cachorro Grande!), que eu não pude conferir (ok, confesso que não fiz muito esforço). Pouco depois das dez e meia, com o Via Funchal já lotado, o Interpol entrou no palco, com a capa de seu último disco, Our Love to Admire, projetada ao fundo. Sob uma bela iluminação “azul noite”, a banda fez uma das aberturas mais bonitas que eu pude ver nos últimos anos, com a execução da progressiva Pioneer to The Falls.

Passado o choque, porém, o refrão da música já apontava um problema que iria estar presente até o quase crepúsculo do show: a falta de clareza do som, que prejudicou, principalmente, o vocalista Paul Banks. Ele adota um tom monocórdico, algo que seria, sinestesicamente, quase uma “vocalização branca”. Assim, o ideal seria que sua voz soasse muito alta e muito clara, o que não aconteceu. Logo, frequentemente sua voz sumia sob a cantoria da platéia (ponto para os fãs, nesse caso). Nada que tenha estragado o concerto, porém.

Após a primeira música, que serviu também como uma espécie de “intro”, a banda resolveu mostrar a que veio, e lançou uma seqüência inesquecível, com Obstacle 1, Narc (maravilha!), C’mere, Scale e Say Hello to the Angels. Nesse momento, já podíamos perceber tudo o que acontecia em cima do palco, de modo que uma possível "frieza" da banda incomodou muita gente. É verdade, os caras não são dos mais interativos, mas isso já era esperado. O contato com o público se limitou a alguns “Thank You” de Banks, entre outros poucos resmungos. A postura do vocalista, porém, é condizente com sua personalidade, que se reflete também na sua maneira de cantar. Não há espaço para floreios, nem para afetações performáticas. Estranho seria se ele se portasse como Brandon Flowers, ou então se ficasse gritando “Scream for Me, São Paulo!”. De seus companheiros, o mais animado era o guitarrista Daniel Kessler que, de terno (mesmo com a temperatura do Via Funchal nas alturas), andava de um lado para o outro e ensaiava uns passinhos de dança meio desajeitados. Sam Fogarino, na bateria, era o mais “largado”, o mais “roqueiro”. Já o carismático Carlos “D.” Dengler (que, ainda bem, abandonou seu antigo visual “emo”), variava entre a animação e a introspecção (passou algumas músicas no fundo do palco, fumando e olhando para o teto). E não, sua postura de palco não é baseada na de Peter Hook, como certo jornal grandão de São Paulo escreveu.

Após esse início quase catártico, seguiu-se uma pequena quedinha de rendimento, resultante de algumas músicas novas. Mammoth, No I in Threesome e Rest My Chemistry não se revelaram tão boas ao vivo quanto o são no disco, talvez até pela falta de familiaridade do público. Desse modo, as únicas de Our Love To Admire que realmente funcionaram foram, além de Pioneer To The Falls, Scale e The Heinrich Maneuver (pena que Pace is the Trick ficou de fora). The Lighthouse também protagonizou um bom momento, ao silenciar completamente a casa, que até então estava bastante agitada. Mas entre essas novas canções aconteceram dois dos pontos altos da apresentação: a dobradinha Hands Away/Slow Hands e a ótima Evil (Rooosemary.....). Nessas canções mais famosas, a platéia deu um show a parte. Do fundo da pista, pude ver claramente a agitação que tomava conta das pessoas. Fiquei até surpreso ao constatar o quanto a banda, jovem e discreta, foi capaz afetar os fãs, de maneira tão avassaladora. Imaginem, por exemplo, cinco mil pessoas cantando o refrão de Say Hello To The Angels. Um tanto curioso e bem divertido. Em relação às músicas novas, tenho certeza que é mera questão de tempo.

Depois da interessante Not Even Jail, a banda deu um tempinho e voltou com tudo para a seqüência final, também matadora: começaram com a bonita balada NYC e seguiram com uma das mais esperadas da noite: Stella Was a Diver and She Was Always Down, com todos berrando “Steeeellaaaa! Stellaaaaaaa!”. Depois, uma pequena improvisaçãozinha, só para cair direto na introdução de bateria de PDA, que abrigou o momento de consagração absoluta da banda: aproveitando uma das pausas da música, os caras simplesmente pararam de tocar e ficaram alguns segundos parados, apenas fitando o público vir abaixo. Coisas que só o público brasileiro é capaz de oferecer. De acordo com alguns setlists passados, Untitled ainda era esperada, mas a execução de PDA foi tão marcante que ela acabou sendo uma boa saidera.

O Interpol certamente superou minhas expectativas. Mesmo com os problemas com o som, o show teve inúmeros pontos altos, e apenas um ou outro momento mais morno, que poderiam ter sido contornados com algumas mudanças no set list. Leif Erikson, por exemplo, foi uma ausência importante, assim como Next Exit e The New, sendo que essas duas últimas, infelizmente, não têm aparecido nessa tour (enquanto a primeira foi tocada no Rio). No geral, foi um show acima da média, de uma banda madura e extremamente pertinente à sua época. Como eu já disse, nada de estripulias e grandes cenários. Apenas músicos com seus instrumentos, apresentando uma verdadeira enxurrada de hits dos anos 2000. Com uma pitadinha de anos 80, é claro.
Set List: Pioneer to the Falls, Obstacle 1, Narc, C’mere, Scale, Say Hello to the Angels, Mammoth, No I in Threesome, Hands Away, Slow Hands, Rest My Chemistry, The Lighthouse, Evil, The Heinrich Maneuver, Not Even Jail, NYC, Stella was a Diver and She was Always Down, PDA.

Fotos: Uol, Terra e Via Funchal

Vídeos
- UOL:
Pioneer To The Falls, Obstacle 1 e Narc
http://musica.uol.com.br/ultnot/2008/03/12/ult89u8685.jhtm
- YouTube:
NYC + Stella Was a Diver and She was Always Down
http://www.youtube.com/watch?v=ZSmDqqZDKwY
PDA
http://www.youtube.com/watch?v=X8fc2KNaHco&feature=related

Cobertura: Iron Maiden em São Paulo

2008-03-05T10:43:00.015-03:00

No dia 29 de fevereiro, o Eddie Force One pousou em Cumbica, pilotado pelo comandante Bruce Dickinson. No dia 01 de março, uma breve pausa para o capitão Steve Harris destruir uma meia dúzia de brasileiros Zé-manés em uma partida de futebol. O mesmo capitão que trouxe sua filha, Lauren, para fazer um insosso showzinho de abertura. QI? Aparentemente sim.

Entre Lauren e a entrada do Iron Maiden foram 15 minutos de chuva torrencial. E vento. E frio. Até que se apagaram as luzes para o discurso de guerra de Wiston Churchill. Os aviões davam a deixa para Aces High. A chuva já havia parado, o frio já havia passado, as camisas pretas já haviam sido torcidas, para se livrar da água. E eis que Dickinson, Harris, Murray, Smith, McBrain e Gers entraram em cena, com a esfinge de Powerslave ao fundo, para êxtase do público, que esgotou todos os ingressos em menos de uma semana de vendas.

Era a hora de passar por 16 clássicos de uma das maiores bandas de heavy metal, focados nos anos 80, considerados os tempos áureos do Iron Maiden. O comandante Bruce Dickinson fazia seu show à parte, cantava, regia o publico e, paralelamente, se divertia patinando pelo palco molhado, e correndo por toda parte. Posteriormente, ajudou a secar o tablado, com um rodo.

Com relação às músicas, o Iron passou pelos clássicos de sempre, como “2 Minutes to Midnight”, “Fear of the Dark”, “The Number of the Beast” e “The Trooper”, misturadas com outras pouco tocadas ao vivo, mas de igual qualidade e representatividade no período ao qual a turnê “Somewhere Back in time” faz menção, como "Rime of the Ancient Mariner” e “Powerslave”. Sempre com caracterização de Dickinson vestido como a morte, com uniforme de exército ou com uma máscara de escravo. Fechando o show com “Iron Maiden” e a entrada de Eddie, futurista, munido de uma pistola a laser, o show levava o público ao êxtase. E Janick Gers também, pois é nessa hora que ele se destaca, brigando com o monstrengo e fazendo seus números dançantes. Para completar, no bis, a bela melodia de “Moonchild” acompanhou The Clarvoyant (excelente ao vivo) e, por fim, Hallowed be thy Name, para fechar em grande estilo.

Além das músicas, que sempre trarão seus milhares de seguidores e frustrarão tantos outros que não conseguiram ingressos, a empatia da banda com o público brasileiro impressiona. Além dos tradicionais pedidos de “Scream for me Brazil” e “Scream for me Sao Paulo”, que inclusive já batizaram um disco da carreira solo de Dickinson, o vocalista interagia com o público a todo instante. Seja para contar a história do, segundo ele, profético poema inglês que inspirou “Rime of the Ancient Mariner”, seja para relembrar o primeiro Rock in Rio, há 23 anos, onde começou o caso de amor do Iron com a América do Sul e, especialmente, com o Brasil. Amor este que só vem aumentando a cada ano que passa, e o fez ficar sem graça a ponto de sentar no palco e cobrir o rosto com a bandeira do Brasil, enquanto era ovacionado pelos presentes. Amor este que rendeu uma promessa, tal qual a feita no Pacaembu, quatro anos atrás, e cumprida devidamente. A de que a banda voltará ao Brasil, dentro de um ano, para fazer um show ainda maior, com mais pirotecnia e efeitos (o que quase não existiu desta vez, dado o tamanho do palco e, aparentemente, porque a intenção da turnê é outra). Promessa feita e, após 2 grandiosas horas de show, começado pontualmente às 20h e terminado às 22h (os ingleses devem saber que, se atrasasse, o prefeito viria gritar com eles), a missão estava cumprida. O Iron Maiden, na base do famoso “Obrigado Brasil” de Dickinson e do carismático baterista Niko McBrain agradeceu e partiu para os próximos dois shows em terras brasileiras. O público paulista, satisfeitíssimo, já começou a se preparar ansiosamente, para a próxima corrida aos ingressos, em 2009. Porque ver o Iron Maiden ao vivo, é sempre muito bom.

Up the Irons!

Set List: Intro - Churchill’s Speech, Aces High, 2 Minutes to Midnight, Revelations, The Trooper, Wasted Years, The Number of the Beast, Run to the Hills, Rime of the Ancient Mariner, Powerslave, Heaven Can Wait, Can I Play With Madness?, Fear of the Dark, Iron Maiden, Moonchild, The Clairvoyant, Hallowed Be Thy Name.

No youtube:

http://www.youtube.com/watch?v=XaPIoaxSVBk

http://www.youtube.com/watch?v=tH0IeJvE_gI

Comentários sobre o Oscar 2008

2008-02-26T19:52:00.009-03:00

Festejos
Gostei bastante do Oscar desse ano. As premiações foram justas e a cerimônia foi bacana, sem muito brábrábrá, como aquelas sombras chatas do ano passado. Jon Stewart é muito divertido, mais inteligente que Ellen Degeneres e mais “polido” que Chris Rock (o que não é muito difícil). Espero que o mantenham por mais alguns anos.

Onde os outros não têm vez....
Os Coen foram soberanos: filme, direção, roteiro e ator coadjuvante. Nada mais justo, foi o filme do ano mesmo. Além disso, como eu já havia dito, o prêmio vem para coroar também uma carreira bastante regular, composta por belos filmes, como Ajuste Final, Fargo, entres outros. Onde os Fracos Não tem Vez é o melhor. Mais do que merecido.

Os caras...
A vitória de Javier Barden me deixou com o mesmo sentimento de satisfação que a premiação de Phillip Seymour Hoffman, há dois anos. Grande ator, grande figura, em uma atuação gigante. Esse só foi o primeiro. Já Daniel Day Lewis está adquirindo aquela naturalidade típica de Meryl Streep, de quem já está acostumado a ser “o melhor”.
As moças....
Muito bacana o discurso de Marion Cotillard, mergulhada em um deslumbramento que certamente ficará para a história da premiação. Seguiu a cartilha, passou pelo processo de “enfeiamento” que a Academia tanto preza, e conquistou o Oscar, dizem que merecidamente (ainda não vi Piaf, mas os comentários foram unânimes). Já Tilda Swinton é a melhor coisa do fraco Conduta de Risco, de modo que, se o filme merecia algum prêmio, certamente era esse. Ellen Page ficou sem nada, mas aguardem, ela voltará.

Diablo!
Como já era previsto, Juno ficou só com um prêmio, o de Melhor Roteiro Original. Acho que ficou de bom tamanho. Palmas para Diablo Cody, vitória importante.
Dante Ferretti

O veterano Dante Ferretti conquistou o prêmio de melhor direção de arte, por Sweeney Todd. O filme é apenas comum, a cantoria é chatíssima, mas a parte visual é bem planejada, bem consistente. Nada a contestar.

Outros...

O bom Desejo e Reparação ficou com apenas um prêmio, o de Melhor Trilha Sonora. Merecia mais. Ultimato Bourne levou três (?) Oscars: dois de som, mais o de montagem. Típico filme de ação: barulhento e com cortes alucinantes (ok, não vi, estou sendo preconceituoso. Só vi o primeiro da trilogia... depois desisti do resto). Sangue Negro, além de Melhor Ator, ficou também com Melhor Fotografia. Também acho que merecia mais, mas creio que a vitória folgada de Day Lewis acabou "compensando" a escassez de prêmios.

Faltou encanto...
- Amy Adams certamente é uma atriz promissora, mas vê-la cantar aquela cantiga logo no início da cerimônia foi desesperador! Ai, meus ouvidos!

Ow, Chata!
- A Academia insiste em convidar Renée Zellweger para apresentar os prêmios. Extremamente desagradável. Moça feia, chata e, principalmente, atriz medíocre. Mala...

Volte para as novelas...
Em relação a transmissão, o José Wilker conseguiu o que parecia impossível! Ser mais chato que o Rubens. Fora que não tem nem a metade do repertório do “crítico oficial do Oscar”. Fiquei na TNT, mesmo.

Palpites para o Oscar!

2008-02-22T18:28:00.013-03:00

Que Beleza! Um dos primeiros posts desse blog foi sobre o Oscar de 2007. E aqui estamos novamente, um ano depois. Podem criticar, mas, sejamos sinceros, época de Oscar é muito divertida. A Academia é justa? Nem sempre. Realmente premia os melhores do ano? Claro que não. Mas virar as costas pra premiação não adianta, seria ignorar o mais tradicional evento da indústria cinematográfica. O segredo, que descobrimos ao longo dos anos, é não levar a estatueta tão a sério. A diversão é justamente elencar seus preferidos, aplaudir alguns e, claro, cornetar outros. Vale lembrar que também tem quem acredite que nenhuma manifestação artística deveria estar sujeita a esse tipo avaliação, já que a arte atua diretamente no campo subjetivo. E isso valeria tanto para Oscar, quanto para Cannes. Concordo, mas isso renderia longas discussões, não é?

E, façamos justiça, a Academia tem sido merecedora mais de aplausos do que de apupos, ultimamente. Em 2003 aconteceu aquela premiação em massa ao Senhor dos Anéis – O Retorno do Rei. Desde então, a qualidade dos indicados tem aumentado visivelmente. O Rubens Ewald Filho, por exemplo, insiste em afirmar que o “Oscar se tornou um prêmio de arte.” Eu não chegaria a tanto, mas acho perceptível o fato de a Academia estar se preocupando em procurar certo refinamento artístico nas produções indicadas. Vejamos uma pequena lista dos principais filmes das últimas edições: Sideways, Menina de Ouro, O Aviador, Ray, Em Busca da Terra do Nunca, Brilho Eterno De Uma Mente Sem Lembranças, Capote, Brokeback Mountain, Crash, Boa Noite e Boa Sorte, Munique, Memórias De Uma Gueixa, Syriana, Pecados Íntimos, Pequena Miss Sunshine, Os Infiltrados, Cartas de Iwo Jima, Babel, O Labirinto do Fauno, A Rainha, Filhos da Esperança. Com exceção de dois ou três, são todos filmes quatro ou cinco estrelas. Ou não?

Enfim, chegamos ao octogésimo Oscar. Como eu disse no Painel, não farei uma cobertura tão extensa quanto a do ano passado, já que não vi boa parte dos indicados. Assim, deixei de lado as categorias técnicas, para não precisar me render aos chutes. Os prêmios principais, porém, estão aí, devidamente palpitados. :)

Roteiro Original
Acho improvável que Juno perca esse Oscar. Seu concorrente mais forte seria Conduta de Risco, mas a simpatia de Juno parece ter conquistado o público e a crítica. Os outros indicados são Ratatouille, The Savages e Lars and the Real Girl, esses dois últimos filmes “menores”, ainda não lançados no Brasil. Juno faria, assim, o mesmo caminho de Little Miss Sunshine: filme pequeno e barato, que conseguiu avançar devido ao baixo índice de rejeição. Pode não encantar, mas também não causará ânsias. A diferença é que, enquanto Miss Sunshine quase passou Scorsese para trás e levou o prêmio de Melhor Filme, Juno não tem grandes pretensões, senão esse prêmio de roteiro original. Será uma pena se passar em branco.

Roteiro Adaptado
Categoria bastante concorrida, mas o prêmio deve ficar entre Onde os Fracos Não Têm Vez e Sangue Negro, afinal, são as duas obras primas da cerimônia desse ano, e devem brigar entre si por quase todos os Oscars que disputarem. Desejo e Reparação também merece atenção, mas parece ter perdido espaço frente os dois grandões. Porém, vale lembrar que a Academia gosta de dar prêmios de consolação, e nesse quesito, o filme inglês pode ameaçar (lembrem-se que ele venceu o Globo de Ouro e o BAFTA, de modo que não pode ser completamente ignorado). A indicação de Longe Dela é especialmente curiosa, já que é a estréia na direção/roteiro da atriz Sarah Polley. E a moça mostra competência, mas certamente se deu por satisfeita com a indicação. Já O Escafandro e a Borboleta é uma incógnita: vencedor de Melhor Direção no Globo de Ouro, tem colecionado boas críticas, mas não parece ter forças para vencer um Oscar. Em quem eu votaria: Sangue Negro, mas acho que Onde Os Fracos Não Têm Vez leva.

Melhor Ator
Aqui é o seguinte: se Daniel Day Lewis perder esse Oscar, será a maior travessura da Academia desde a vitória de Halle Berry em 2001. Day Lewis é um dos grandes atores de nossos tempos, e sua performance em Sangue Negro é inesquecível. Não tem nenhum concorrente a sua altura. George Clooney e Johnny Depp são figurinhas carimbadas e nem sempre são merecedores dos louros recebidos (Depp principalmente). Tommy Lee Jones insiste em interpretar a si mesmo e Viggo Mortensen, apesar de ser uma grata surpresa (ninguém achava que ele conseguiria se livrar das armaduras de Aragorn), ainda não atingiu a intensidade ideal para o Oscar. Prêmio para Daniel Plainview e ninguém tasca.

Melhor Atriz
Tenho dúvidas! No meio do ano passado, Marion Coutillard já era dada como favorita devido a sua interpretação em Piaf. Basta analisar sua situação: biografia, atuação intensa, transformação física. Tudo o que a Academia adora. Porém, hoje, na semana da premiação, tudo indica que a vencedora será a veterana Julie Christie por Longe Dela, filme em que ela interpreta uma senhora vitimada pelo Alzheimer. A menina Ellen Page, Juno, corre por fora, mas vai precisar de muito fôlego. Cate Blanchett e Laura Linney, sempre competentes, têm poucas chances. Acho que, no final, o homenzinho vai para a “Eterna Lara” mesmo: Julie Christie.

Melhor Ator Coadjuvante
Temos aqui um belo grupo de atores, mas parece que o novo oscarizado já está escolhido: Javier Barden, que faz um dos melhores vilões dos últimos tempos em Onde Os Fracos Não Têm Vez. Sua atuação deixará alguns com medo de portas (quem assistiu entende o que eu quero dizer). Casey Affeck e Tom Wilkinson nunca decepcionam também, e Phillip Seymour Hoffman ficará para a eternidade, mas chegou a vez de Barden, que já poderia ter ganhado tranquilamente por Mar Adentro. Já a indicação de Hal Holbrook tem cara de homenagem ao conjunto da obra. Vai que é seu, Javier.

Melhor Atriz Coadjuvante
Não sei!... Ok, vamos pensar. Acho que, se existe uma favorita aqui é a Cate Blanchett, por ter interpretado Bob Dylan com tamanha naturalidade em I’m Not There. Parece-me que a única que pode ameaçá-la é Tilda Swinton, de Conduta de Risco (ela é um dos únicos pontos positivos desse filme). Dizem que Amy Ryan também tem chances, por Gone Baby Gone (filme do Ben Aflleck, que eu não vi, mas espero que seja bom, porque assim talvez ele passe a se dedicar à direção e pare atuar), mas acho pouco provável que ela passe Cate Blanchett para trás. Já Ruby Dee levou o SAG, mas espero que ela não vença, já que ela fatalmente citaria Ridley Scott, e ele não merece. Saoirse Ronan, a menina malvada de Desejo e Reparação, ganhou a indicação de presente, e não tem chances. Cate Blanchett, então.

Melhor Filme Estrangeiro
Após a decepção da não indicação de O Ano Em Que Meus Pais Saíram de Férias, essa categoria ficou um pouco aborrecida para nós, brasileiros. Porém, temos ainda alguns nomes interessantes, como o mestre Andrzej Wajda, com Katyn, e o também experiente Nikita Mikhalkov, com seu remake de 12 Homens e uma Sentença, 12 (que dizem ser excelente). Porém, o falatório da imprensa aponta o Oscar para o filme The Counterfeiters, de Stefan Ruzowitzky, que conta a história de um falsificador de dinheiro, “contratado” pelos poderes nazistas, no final da Segunda Guerra. Apostaria nesse.
Melhor Direção
Como diz a frase de Jorge Kajuru, que eu insisto em usar aqui no blog, “vocês estão brincando comigo, uai!”. Os senhores da Academia, que têm sido tão precisos nos útlimos anos, cometeram nessa categoria um vacilo tremendo: indicaram Tony Gilroy, que faz um trabalho burocrático no mediano Conduta de Risco, e ignoraram a elegante direção de Joe Wright, de Desejo e Reparação (nem vou citar Gus Van Sant, para não fugir do assunto). O leitor pode pensar “oras, mas o penetra da lista é o Julian Schnabel”. Nada disso. Schnabel ganhou o Globo de Ouro de Melhor Direção, e sua indicação já era esperada. O penetra, não só da categoria, mas como do Oscar desse ano, é Conduta de Risco. Acho também que Jason Reitman não deveria estar indicado, mas ao menos ele mostra uma boa compreensão da trama, que é decisiva no sucesso de Juno. Já Gilroy entrega seu filme a George Clooney e pronto. Enfim, Paul Thomas Anderson é brilhante e faz um excelente trabalho em Sangue Negro, mas os vencedores serão os Irmãos Coen, com merecimento. Fatura fechada nessa categoria.

Melhor Filme
Onde Os Fracos Não Têm Vez disputa com Sangue Negro. Desejo e Reparação não tem muitas chances, mas é bom ficar de olho nele. Juno é ótimo, simpaticíssimo, mas ficará apenas com Roteiro Original (assim espero). Já Conduta de Risco não deveria nem estar indicado. A verdade é que Onde Os Fracos Não Têm Vez é o filme do ano e deve ser o premiado da noite (leia um belo texto sobre o filme, aqui http://abelardonao.blogspot.com/2008/02/how-west-was-lost-divagando-sobre-onde.html). Joel e Ethan Cohen possuem uma carreira invejável, regular, desenvolveram um estilo próprio, e este filme é, possivelmente, seu melhor. Melhor, inclusive, que o festejado Fargo. O problema é que ele não tem “cara de Oscar”, e é aí que entram as chances de Sangue Negro que, na verdade, também é um pouco soturno demais para a premiação. Não seria surpresa se, em uma disputa acirrada, a Academia resolvesse deixar todo mundo contente, premiando os Coen pela direção, e glorificando Sangue Negro como Melhor Filme. Porém, se tivesse que apostar uma caixa de amanditas (já estou devendo várias, falando nisso; peço paciência aos meus credores), apostaria em Onde Os Fracos Não Tem Vez.

Inesquecível

2008-02-17T20:21:00.001-03:00

Painel do Sugerimentos

2008-02-13T19:43:00.007-02:00

OZZY no Brasil... Sim, finalmente Sr. Ozzy retornará ao Brasil. Divulgação do excelente Black Rain, melhor disco de metal lançado em 2007. Zakk Wylde, seu fiel guitarrista, aproveitará para trazer seu Black Label Society junto, já que a banda furou no último Live'n'Louder. O Korn também vêm, mas nesse caso seria melhor ficar em casa comendo pipoca, não é? Não percam, Ozzy Osbourne e BLS. Dia 5 de abril, no Palestrinha.

There will be Oscar... Acabou a greve dos roteiristas, logo, teremos a festança do Oscar, no próximo dia 24. Postarei meus palpites em breve, mas não farei uma cobertura tão grande quanto a do ano passado, por uma razão simples: não vi quase nenhum dos filmes indicados. Grande parte deles ainda não chegou no Brasil, e alguns já saíram de cartaz, e eu perdi (vergonhoso..). Assim, me contentarei apenas com os indicados a Melhor Filme, entre outros gatos pingados.

Estão achando que é brincadeirinha... Foi divulgado o candidato da oposição para a disputa pela presidência do São Paulo: Aurélio Miguel. Sim, o tal do judoca. Fanfarrão. Só pode ser isso. Nenhum dos poderosos coronéis opositores quis entrar na eleição, entendendo que não teriam chance. Agora, aparece o Aurélio Miguel. É bem verdade que Juvenal anda meio chato: não apenas reluta em contratar reforços, como também renovou com o chato do técnico. Porém, prefiro o JJ em má fase do que esse brincalhão. Ponha-se no seu lugar, fazendo favor...

Grammy Winehouse... Pode-se falar qualquer coisa da bagunceira Amy Winehouse. Mas a fanfarrona canta muito, hein?

SuperLixo... Frank Oz entrou na minha lista negra. Após o fraquíssimo Mulheres Perfeitas, aparece com essa porcaria chamada Morte no Funeral. Filme pretencioso, sem graça e de péssimo gosto. Lamentável.

Are you ready for Paranoid Park?

2008-01-26T23:36:00.001-02:00

Nos cinemas...

Vinhas da Ira: um olhar histórico

2008-01-24T20:13:00.001-02:00

Vinhas da Ira é um filme de silhuetas. São vários os planos que registram sombras errantes atravessando o quadro, em direção ao desconhecido, à perseguição de um corpo reconhecível, de uma identidade outrora existente no seio do lar que lhes foi tirado.

Baseada no premiado livro de John Steinbeck, a obra de John Ford tem como personagem central o jovem Tommy Joad, que retorna à fazenda paterna após quatro anos de detenção. O isolamento da pena garante que o personagem nada saiba sobre a situação econômica da época e, assim, são suas interrogações e suas atitudes que possibilitarão ao espectador o conhecimento dos efeitos da Grande Depressão na vida rural.

O principal fator responsável pela miséria dos trabalhadores rurais foi o grande otimismo trazido pelos anos de guerra e pós-guerra, quando os Estados Unidos tornaram-se o principal exportador de commodities do mundo, principalmente para a Europa, parcialmente destruída pelas batalhas. O mercado aquecido fez com que muitos fazendeiros fizessem altos investimentos em máquinas e terras, a maioria por meio de arrendamentos e créditos. Porém, a recuperação da Europa e os efeitos da Depressão no mercado interno fizeram com que a oferta superasse consideravelmente a demanda, forçando a queda de preços. Sem a obtenção de lucro e ainda gastando com estocagem, os trabalhadores, sem poderem arcar com seus compromissos, acabavam perdendo suas terras para os bancos.

No caso da família Joad, a terra plantada pertencia a uma companhia, que permitia que os trabalhadores morassem e trabalhassem nela, contando com uma divisão dos ganhos com a colheita. Esse sistema de arrendamento, porém, passou a ser desvantajoso para a companhia após os fortes vendavais de pó, fenômeno marcante conhecido como Dust Bowl, causado por um encontro entre a seca e o mau uso das terras na época de otimismo (os fazendeiros, para suprir a grande demanda, plantavam em solo inadequado, sem tratamento prévio). A partir desse momento, com as plantações devastadas, os grandes proprietários das fazendas, pressionados pelos bancos que, em dificuldades, cobravam suas dívidas, expulsaram os arrendatários e passaram a explorar o plantio de modo integral (“Um homem e um trator podem cuidar de 12 a 14 sítios.”).

Assim, vitimados pela Grande Depressão e pelo Dust Bowl, Tommy Joad e sua família partem para a Califórnia em busca de trabalho. O filme torna-se, então, um road movie, que registra a jornada típica de um okie, apelido pejorativo atribuído aos trabalhadores migrantes de Oklahoma, estado mais cruelmente assolado pelos vendavais. Vítimas de preconceito e explorados por patrões oportunistas, a “Mãe Joad” diagnostica o esfacelamento da família. As posições familiares ficam indefinidas, seus membros agora ignoram suas funções. Após atravessarem uma fronteira, um guarda afirma que “aqueles não são humanos”. Os okies são, na verdade, uma massa de sombras sem nome, em busca da identidade perdida.

No início do filme, indignado ao ser informado do despejo, um trabalhador pergunta ao seu interlocutor: “Em quem eu devo atirar?”. “Não sei”, responde o mensageiro. Não existiu um único e definitivo culpado pelo acontecido. Tanto os bancos quanto as grandes empresas lutavam contra a falência, de modo que os fazendeiros, extremamente dependentes dessas instituições, também foram levados à miséria, sem poder de reação. Até hoje as causas reais da Grande Depressão são alvos de discussão. Sabe-se, porém, que o otimismo cego do mercado e as especulações desenfreadas foram questões centrais nessa recessão, que marcou uma época pelos maiores índices de desemprego e de suicídios da história, e mudou as concepções culturais e cotidianas de todo o mundo.

Indicados ao Oscar

2008-01-22T18:03:00.000-02:00

Foram divulgados hoje os indicados ao Oscar (www.oscar.com) desse ano. Infelizmente, boa parte deles ainda não chegou ao nosso circuito nacional, de modo que fica um pouco complicado comenta-los com precisão. Separei, porém, alguns pontos importantes, aos quais dedicarei algumas divagações.

Em primeiro lugar, como não poderia ser diferente, devo falar sobre a categoria de “Melhor Filme de Língua Estrangeira”, que não contará com o representante brasileiro, “O ano em que meus pais saíram de férias”. Não acho que tenha sido uma grande surpresa. Afinal, o otimismo cresceu quando o filme apareceu entre os nove finalistas mas, ainda assim, concorria com várias produções desconhecidas, que poderiam, ou não, ganhar a preferência dos votantes da Academia. A real surpresa, a meu ver, foi a ausência de Days of Darkness, de Denys Arcand. De resto, era possível afirmar que Katyn e 12 certamente estariam entre os cinco; “A desconhecida” tinha poucas chances, já que nem a crítica italiana mostrava entusiasmo em relação a ele; The Counterfeiters, da Áustria, ganhou força nas últimas semanas e já havia praticamente garantido sua indicação. Assim, “O Ano” “disputaria” com Beaufort, Mongol e The Trap, verdadeiras incógnitas aqui no Brasil. Acabou ficando de fora, é uma pena, mas, ao menos, conseguiu diversas manifestações positivas na imprensa estrangeira. É um pouco cedo para apontar um vencedor, mas, em um primeiro momento, eu apostaria em Katyn, de Andrzej Wajda. O homem carrega mais de cinqüenta anos de carreira nas costas e fez algumas obras primas da cinematografia mundial (Cinzas e Diamantes, que beleza!). Assim, o fator “conjunto da obra” poderia fazer a diferença. Porém, falta ainda um mês para a premiação e, até lá, muitas coisas podem acontecer.

Outra categoria que merece destaque é a de “Melhor Direção”, que não contará com nenhum “grandão”: os mais famosos da lista são os Irmãos Coen, que já entram como favoritos; além deles, o grande Paul Thomas Anderson mostrou que retomou a direção em grande estilo, e já sapecou sua indicação. Os outros três são surpreendentemente “novatos”: Julian Schnabel levou o Globo de Ouro, é verdade, mas “O Escafandro e a Borboleta” é apenas seu terceiro longa. Jason Reitman disputará com seu segundo longa, Juno (o primeiro foi Obrigado por Fumar). Enquanto isso, Conduta de Risco é o primeiro filme dirigido por Tony Gilroy. A principal ausência nessa categoria foi Joe Wright, que fez um belo trabalho em Desejo e Reparação. Ah, sim, vale lembrar que o único diretor de apelo comercial que brigava por indicação era..... Ridley Scott. Para o bem do cinema, não foi indicado (hihihihi....).
Já para melhor filme, a briga ficará, creio eu, entre Desejo e Reparação e Onde os Fracos Não Têm Vez. Juno entrou como azarão, mais ou menos como aconteceu com Little Miss Sunshine, ano passado, mas não acho que tenha grandes chances. Já Conduta de Risco e Sangue Negro correm por fora.

Enfim, só poderemos dar opiniões mais abalizadas quando os filmes aparecerem por aqui. Por enquanto, só é possível dar chutões e confiar em um certo feeling. Voltarei a falar de Oscar em breve! ;)

Anathema - Forgotten Hopes

2008-01-17T20:07:00.001-02:00

Irmãos Cavanagh tocando Forgotten Hopes em um quarto de hotel. Simples e genial. Anathema, senhoras e senhores...

Brasil na semi-final

2008-01-15T20:15:00.000-02:00

Nine Foreign LanguageFilms Advance in 2007 Oscar® Race

Austria, “The Counterfeiters,” Stefan Ruzowitzky

Brazil, “The Year My Parents Went on Vacation,” Cao Hamburger

Canada, “Days of Darkness,” Denys Arcand

Israel, “Beaufort,” Joseph Cedar

Italy, “The Unknown Woman,” Giuseppe Tornatore

Kazakhstan, “Mongol,” Sergei Bodrov

Poland, “Katyn,” Andrzej Wajda

Russia, “12,” Nikita Mikhalkov

Serbia, “The Trap,” Srdan Golubovic

Será?

Quem sabe...

Cobertura: Nokia Trends

2007-12-31T23:46:00.000-02:00

Para fechar o circuito musical de 2007, São Paulo recebeu o interessante Nokia Trends, evento que tem encabeçado a lista de grandes festivais que acontecem na cidade e que, dessa vez, aconteceu no Memorial da América Latina. Um dos pontos positivos do Nokia é, do ponto de vista mercadológico, a coerência da proposta do show. Seus produtores propôem, mais do que um simples festival musical, uma experiência lúdica que permite que os presentes interajam com a marca. Assim, o evento é tomado por instalações, sendo que a grande maioria delas remete a tecnologia móvel. Como resultado, o Nokia Trends se une a outras ferramentas de comunicação da empresa, e auxilia no posicionamento de mercado da marca: a imagem da Nokia ganha tons de evolução, de atualização tecnológica, de modernidade.

A música, claro, também é planejada de acordo com essa proposta: a grande maioria das atrações aposta em um apelo eletrônico, em sonoridades mais modernas e atuais. Mas se nas edições anteriores passaram por aqui alguns nomes já “consagrados”, como Chemical Brothers, Human League e Ladytron, dessa vez a produção apostou em bandas emergentes que, ainda que contando com uma boa base de fãs, não possuem seus nomes devidamente consolidados no mercado. Ainda assim, Van She (Austrália), Underground Resistance (USA), Phoenix (França) e She Wants Revenge (USA), fizeram do Nokia Trends um festival bastante divertido, variado, e que conseguiu cativar os presentes, inclusive aqueles que desconheciam totalmente as bandas. Essa é, inclusive, uma das características do festival: muitas pessoas vão para curtir a “balada”, dispostas a conhecer as bandas apenas no momento das apresentações e aproveitar da melhor maneira possível.
A primeira atração internacional a subir ao palco foi o Van She, banda formada por jovens músicos australianos. Ainda desconhecida, a banda tocou para um público modesto, e abriu a apresentação com a interessante Sex City. Nesse início, os músicos pareciam pouco a vontade em cima do palco, sensação que foi desaparecendo no decorrer do set. Apostando em um rock/pop com toques oitentistas (Duran Duran, New Order, entre outros), o Van She cumpriu seu papel, fazendo um show correto, bem executado, ainda que sem o brilho de seus companheiros de cast. Destaque para o bom baixista Matt Van Schie, e para a música Mission. Outra atração do Nokia 2007 que vale destaque, foi a presença de um palco lateral, que recebia performances nos intervalos entre os shows do palco principal. A "administração" dessas atrações ficou com o bom baterista Maurício Takara, do Hurtmold, que, juntamente com seus convidados, trafegou entre rap, hip hop, fusion, entre outros. Ou seja, o festival teve cerca de dez horas, todas elas tomadas por música ao vivo. Mais um ponto pro Nokia.
No palco principal, quem se apresentou em seguida foi o coletivo Underground Resistance, conjunto conhecido nos EUA por sua militância política. Grata surpresa o show do conjunto, que une à música eletrônica a técnica e as improvisações do jazz. Formado por bateria, baixo, saxofone, teclado, DJ e ainda um MC (que só dançava e falava nos intervalos entre as músicas), o famoso UR transformou o local em uma verdadeira pista de dança, além de ter impressionado pela técnica apurada de seus músicos, que chegaram até a solar no escuro (?). Apresentação bem interessante, enérgica e muito pertinente. Se o leitor é um admirador de música eletrônica, fica meu sugerimento.

Para os que estavam mais interessados na música do que na balada (como este que vos escreve), porém, o evento começou de verdade pouco após as duas da manhã, quando o Phoenix subiu ao palco. Para quem ainda não sabe, a banda é liderada por Thomas Mars, marido da cineasta Sofia Coppola; os caras, inclusive, fizeram uma pontinha na última produção da moça, o belo Maria Antonieta (http://br.youtube.com/watch?v=E3-qywxqApA). Os franceses iniciaram o set com Napoleon Says, música que parece ter sido composta especialmente para abrir os shows: a guitarra urgente e repetida que serve de base para um vocal ainda tímido, que em seguida explode já no primeiro refrão. Com três álbuns lançados, é possível fazer uma demarcação sonora bastante clara na carreira do Phoenix. Os dois primeiros discos, United e Alphabetical, pendiam para uma vertente mais leve e dançante, enquanto o último, It’s Never Been Like That, caminha para um rock mais moderno, mais preocupado com a parte guitarrística das canções. Ambas as fases se potencializam nos shows, cada uma a sua maneira. Tocaram Run Run Run, Long Distance Call e a excelente Consolation Prizes e nesse momento já dava pra notar o tal do brilho que faltou no Van She. A banda dominava completamente o palco e a platéia, e apostava em uma performance bastante “naturalista”, sem grandes estripulias. Thomas Mars adota uma postura bem discreta para um front man, mas é impossível não ser cativado por sua simpatia e simplicidade. If I Ever Feel Better, música que tem um quêzinho de Jamiroquai, foi um dos pontos altos do show, juntamente com Too Young (presente na trilha de Encontros e Desencontros, também de Coppola). Essa última, inclusive, tem um potencial comercial incrível e, se bem explorada, poderia se tornar um belo “hit” (hehehe). Ao vivo, torna-se uma espécie de celebração e não é a toa que foi recebida com festa. “Can’t you hear it calling??? Oh Yeah! Everybody’s Dancing! Oh Yeah! Tonight Everything is Over! I feel too Young!”. Rolaram ainda Rally, Funky Squaredance (muito legal), Sometimes in a Fall, Second to None, entre outras (peço perdão, mas ninguém me forneceu o set list completo, de modo que estou dependendo de minha fraca memória). No final, Mars retomou o refrão de Napoleon Says, para se despedir nos braços dos fãs, literalmente. Enfim, show muito competente, seguro, que trafegou por diversos estilos e ambiências, sem deixar a peteca cair. Bom, muito bom, bom....
Era quatro e vinte da manhã, quando os telões anunciaram a atração mais esperada do festival, o She Wants Revenge. Embaixo de muitos aplausos, a dupla Justin Warfield e Adam 12 Bravin, acompanhada de baterista e guitarrista convidados, adentrou o palco discretamente. Para abrir, uma introdução tipicamente oitentista, com o baixão bem marcado, que logo se transformou em Red Flags and Long Nights, música que abre o primeiro disco da banda: “Sick of trying to find a way inside, sick and tired of all the after...”, cantava Warfield, com um ar misterioso, enquanto a pista pulsava e se agitava de modos variados. Realmente é impossível não lembrar dos góticos oitentistas ao ver o She Wants Revenge. A banda retoma com maestria algumas características do Joy Division, do The Cure e, principalmente, do Bauhaus, mas agrega ainda um quê de modernidade, enfatizando o lado eletrônico das músicas e, assim, criando uma sonoridade própria. Logo, discordo veementemente daqueles que acusam a banda de ser mera cópia das bandas acima citadas. Pior ainda são aqueles que disseram que o SWR seria um “novo Interpol”. Análise preguiçosa e simplista. Ambas beberam das mesmas fontes, é verdade, mas cada uma seguiu seu caminho, sem mais intersecções sonoras.

As ótimas “These Things” e “Written in Blood” foram executadas em seguida, e aí eu pensei: “Mas que banda privilegiada, não?”. Com apenas dois álbuns lançados, poderíamos listar aqui umas dez canções candidatas a “clássico”. Acho que um dos trunfos da banda é saber buscar diversas características e formar um todo coerente: o apelo eletrônico, a influência oitentista, o vocal maleável, que pode ser misterioso, sedutor ou contundente, além dos refrãos, que são sempre cativantes e até grudentos. Broken Promises for Broken Hearts (vocal um tanto bowieano) e True Romance mantiveram o clima do concerto, enquanto Tear You Apart (perceberam a referência?) foi um dos melhores momentos do festival. A empolgação da platéia, que acompanhava com o grito de “I wanna fucking tear you apaaart” contagiou a banda: Adam castigou seu pad eletrônico e Warfield percebeu, surpreso: “oooh, so you know this song....” .

Curioso ver o She Wants Revenge ao vivo e acompanhar as posturas dos componentes da dupla e observar que existe uma espécie de equilíbrio. Warfield, de traje surrado, gorro e barba por fazer, é caloroso, sente cada palavra cantada, dança e se diverte. Já Adam é a metade “fria”: com um chapéu enfiado até a altura dos olhos, revezava entre baixo e teclado, com movimentos retos e quase robóticos. Encarna uma persona interessante, que cumpre bem sua função, e se destacou na execução precisa de Disconnect, uma vinhetinha de teclado que serviu de respiro para a agitação do set. O show continuou com What I Want, This is the End e, entre elas, Someone Must Get Hurt, uma de minhas preferidas, que ficou ainda mais maravilhosa ao vivo. Sister foi a surpresa da noite, enquanto She Loves Me, She Loves Me Not, sempre presente, fechou a primeira parte do show. Na volta, a nova Replacement e, após um breve discurso de Warfield (“Are you ready to dance?), Out of Control. Saidera perfeita, com a banda caindo definitivamente nas graças do público. Apesar de algumas ausências no set list (I Don’t Wanna Fall in Love, principalmente), certamente valeu a pena varar a noite pra conferir o show do She Wants Revenge. Grande apresentação.

Em um ano tomado por grandes shows internacionais, ficou com o Nokia Trends a tarefa de fazer bonito na saideira. E não decepcionou. Apesar de ser uma mistura de show com balada, que atrai gente dos mais diversos tipos e com os mais diversos gostos, a parte musical foi bem escolhida, com dois "headliners" extremamente competentes. A organização também foi bem, sofrendo apenas um atraso de vinte minutos na grade de horários, o que é louvável, principalmente quando lembramos da "síndrome do intervalo acumulado" que atingiu o Tim Festival/SP. Enfim, bom festival, noite agradável. Que venha o Nokia Trends 2008.

Fotos: Uol, Terra, Musicão e NokiaTrends.com.br

Vídeos
Phoenix – Consolation Prizes
http://br.youtube.com/watch?v=wLecR0Puz6Q
Phoenix – If I Ever Feel Better
http://br.youtube.com/watch?v=b1svO_GFGNg
SWR – Red Flags and Long Nights
http://br.youtube.com/watch?v=wJp6dvJ2HBk

SWR – These Things
http://br.youtube.com/watch?v=xRH7qsBIIu8&feature=related
SWR – Tear You Apart
http://br.youtube.com/watch?v=CEiSorzhvgw

A Seleção Ideal

2007-11-14T10:43:00.000-02:00

Mesmo com a conquista da Copa América e alguns resultados satisfatórios, o “técnico” Dunga não consegue convencer o povo. Suas convocações são suspeitas e são raros os momentos em que o “futebol brasileiro” realmente aparece. Dessa maneira, nosso blog convida todos os admiradores do futebol a postarem, nos comentários desse post, suas escalações “ideais”.

Sugerimentador, fique atento:

- coloque-se nas camisas do Dunga. Sua escalação deve contar com os melhores jogadores da atualidade, mas já os projetando para a Copa de 2010. Assim, antes de votar, considere o ciclo de vida futebolístico do atleta.

- você deve votar em jogadores de futebol, atuantes e brasileiros. Assim, estrangeiros, aposentados e profissionais de outras áreas não serão aceitos. Por exemplo: você não pode votar em Thierry Henry, Biro Biro, Glauber Rocha, Renan Calheiros, Cebolinha, Madruga, Sayid, etc.
Observação: jogadores atualmente machucados ou temporariamente afastados podem ser escalados.

- você não precisa especificar os clubes de todos os jogadores, apenas daqueles que possuem homônimos. Por exemplo: Zé Bento (XV de Jaú) e Zé Bento (Asa de Arapiraca)

- como sempre tem um Zé Mané que pergunta: “O que eu ganho dando minha opinião?”, no final sortearemos um pacote de balas Xaxá de banana e uma caixinha de Chocolápis.

O retorno de Jabor

2007-11-13T16:13:00.000-02:00

Após dezesseis anos, algumas ameaças e muita polêmica, Arnaldo Jabor está de volta ao cinema. Sua nova produção se chamará “A Suprema Felicidade”, terá traços autobiográficos e, segundo o diretor, será uma espécie de “Amarcord Brasileiro”. Deixemos de lado a enorme pretensão dessa afirmação. De qualquer maneira, é um retorno que gera expectativa. Não que o cinema brasileiro “precise” da volta de um diretor consagrado, muito pelo contrário, a produção nacional passa por um bom momento (em minha humilde opinião...). A curiosidade em relação ao seu novo trabalho reside na análise da carreira cinematográfica do falastrão que, mesmo sendo relativamente curta, conta com uma regularidade invejável. Foram sete longas e dois curtas, realizados entre 1966 e 1990. Dessas obras, talvez seja Pindorama o único deslize, justificado pela falta de experiência do então jovem diretor e pelo seu insucesso ao trabalhar alegoricamente (capacidade artística imprescindível no Brasil ditatorial pós AI-5). Seu primeiro longa, A Opinião Pública, é um dos principais representantes do “cinema verdade” do Brasil. Posteriormente, foi apadrinhado pelo dramaturgo Nelson Rodrigues, de quem adaptou para as telas a peça Toda Nudez Será Castigada e o romance O Casamento. A partir daí, tornou-se o cineasta brasileiro que melhor trabalhou a relação entre teatro e cinema, como podemos comprovar na tal da “Trilogia Entre Quatro Paredes” (nome um tanto infeliz, que o Jabor, inclusive, não aprova), formada por Tudo Bem, Eu Te Amo e Eu Sei que Vou te Amar. No primeiro, que é considerado um dos principais filmes brasileiros da década de 70, Jabor fecha o “Brasil todo” dentro de um apartamento. Já o último rendeu a Fernanda Torres a Palma de Ouro, em Cannes. Jabor é hoje conhecido pela ironia e pela virulência que transbordam de seus comentários. Não cabe aqui uma opinião sobre seu trabalho jornalístico atual. Acho justo, porém, celebrar o retorno de um dos bons personagens da história do cinema brasileiro.

Cobertura: Tim Festival no RJ (Tim Volta)

2007-11-06T22:08:00.000-02:00

Eram sete e quinze da noite quando cheguei à Marina da Glória e os portões ainda estavam fechados. “Ih, a noite vai ser longa”, pensei. A fila aumentava junto com a impaciência dos presentes, que já começavam a praguejar contra os organizadores do Tim Festival. Meia hora depois, porém, abriram-se as portas de entrada, e os presentes entraram no local de maneira surpreendentemente rápida. Que beleza. Depois da primeira revista, surpresa! Outra fila, dessa vez para trocar os ingressos por pulseiras (que ajudariam a identificar os públicos de cada tenda)! A vantagem é que estávamos agora em um grande hall de entrada, de onde podíamos admirar os belos iates estacionados na marina, ambientados ainda pelo skyline de um Rio de Janeiro que saia do crepúsculo para adentrar na noite. Já com minha pulseirinha fosforescente, atravessei um grande túnel e cheguei a uma bela praça, onde as tendas estavam distribuídas, entre algumas lanchonetes e outros recintos. A decoração modernosa e bonita unia-se novamente a visão da marina. O evento começava a valer a pena.
Entrando na tenda, logo vi o belo piano de calda de Antony Hegarty posicionado no palco, aumentando a expectativa para o primeiro show da noite. E eram oito e vinte quando o moço apareceu no palco, com seu andar pesadão e desengonçado, seguindo seus The Johnsons. A banda de apoio, formada por baixo, violino e violão, conta ainda com a presença bastante especial da violoncelista Julia Kent, famosa por ser uma das fundadoras do Rasputina. Já posicionados no palco, Antony conversou com sua banda por alguns minutos, e logo deu início ao show, com Mysteries of Love, um cover da canção composta por Ângelo Badalamenti e David Lynch (ele mesmo), que ficou imortalizada na voz de Julee Cruise, na trilha musical do filme Veludo Azul, do próprio Lynch. A versão de Antony, que não conta com aquele clima etéreo presente em quase todas as canções de Cruise, é mais encorpada e intensa, de modo que os poucos presentes no local (havia muita gente nas filas ainda) ficaram quase hipnotizados, sem conseguir tirar os olhos do pianista.

O palco, todo escuro, com apenas alguns fachos de luz sobre os músicos, trazia a sobriedade ideal para a música do Antony and the Johnsons. A já famosa My Lady Story, foi recebida calorosamente pela platéia, para o deleite de Antony. Na seqüência, a honesta For Today I am a Boy foi cantada de modo magistral, enquanto Cripple and the Starfish (única música do primeiro disco apresentada) encantou pela participação dos “The Johnsons”, principalmente pelos emocionantes arranjos de violino. Uma bela banda de apoio, que enriqueceu ainda mais o concerto de Antony.

Algo que realmente chama a atenção na performance de Antony é o fato de as músicas ganharem nova vida ao vivo. Praticamente desprendendo-se de suas versões originais, as canções ganham novas roupagens e as letras soam como uma espécie de desabafo, como se estivessem sendo cantadas pela primeira vez. Fistful of Love foi iniciada com Julia Kent assumindo a declamação originalmente gravada por Lou Reed, e foi um dos pontos altos do show, principalmente na sua parte final, que remete à soul music.

Durante a apresentação, o público foi chegando e, infelizmente, isso acabou trazendo problemas para a banda. A grande maioria dos presentes, interessados apenas na atração principal, aproveitou-se do som intimista apresentando no palco para ficar papeando. Assim, a certa altura, o conjunto praticamente competia com os murmúrios, como se fosse uma banda de bar. A solução foi ficar bem perto da grade, que estava pouco concorrida naquele momento. E sorte de quem pôde acompanhar o segundo cover da noite, Candy Says, do Velvet Underground. Diz a lenda que Lou Reed, que compôs essa música mas nunca gostou de cantá-la (por ser extremamente pessoal, talvez), teria chorado ao ouvi-la na voz de Antony, de modo que prontamente o escalou para ser seu backing vocal. E é realmente impressionante a adequação dessa música à voz e ao estilo do pianista; não surpreende que o ex-líder do Velvet o tenha “apadrinhado”.

Em “You are my Sister”, o rapaz mostrou toda a potência de sua voz, principalmente nos últimos versos (no disco cantados por Boy George), em que soltou uns graves de arrepiar. Infelizmente, o show caminhava para seu final, após apenas 40 minutos. Isso aconteceu porque a banda teria que fazer outro show naquela mesma noite, na tenda Novas Divas (que maldade...), substituindo a canadense Leslie Feist, que cancelara sua participação no festival por motivos de saúde. Assim, para fechar o set, tocaram a emotiva Hope There’s Someone, ovacionada no início e extremamente aplaudida no final (música essa que aparece na trilha musical do bom filme A Vida Secreta das Palavras, de Isabel Coixet; fica o sugerimento). Apesar dos problemas com o público, Antony parecia bastante satisfeito na despedida, exibindo um largo sorriso e mostrando entusiasmo com os fãs presentes na boca do palco. Figura curiosa, esse Antony Hegarty, que varia entre momentos de certa afetação com outros de introspecção e até de certa timidez.

Mesmo com o pouco tempo e o barulho de parte da platéia, o Antony and the Johnsons conseguiu “passar o recado”, em uma apresentação extremamente segura, particular, e que contou com execuções absolutamente preciosas. Sempre encarei esse conjunto com grande entusiasmo e minhas altas expectativas foram totalmente supridas. Fiquei feliz pela oportunidade de tê-lo visto agora, com apenas dois discos lançados, para poder acompanhar a evolução de sua carreira, que certamente alcançará um nível ainda mais satisfatório.
Mas se Antony and the Johnsons foi apresentado como uma grata revelação (ao público brasileiro, pelo menos), a atração principal dispensaria qualquer tipo de referências, já que está mais do que consolidada em todas as partes do mundo. Após uma demora pouco gentil de nove anos, Björk voltaria a se apresentar no país, trazendo o show do bom álbum Volta. Foram quarenta minutos de intervalo, mas os mais concentrados puderam acompanhar de perto a montagem do palco, de modo que cada bandeirola que subia ao fundo, ou cada tela de LCD que era posicionada, trazia um novo sentimento de novidade e aumentava a ansiedade.

Luzes apagadas, e entra em cena o Wonder Brass, um grupo de metais formado por dez mocinhas islandesas, já tocando uma bonita introdução. E quando Björk entrou no palco, toda dourada e saltitante, os gritos e palmas quase cobriram a introdução tribal de Earth Intruders, música que abre o último disco. “Tuuuurmooooil!!!! Caaaaarnage!!!!!”. Alguns pulavam, outros gritavam enlouquecidamente. Enquanto isso, Björk soltava a voz e conduzia o grudento refrão. A agitação trouxe uma energia muito forte e a tenda parecia ainda menor do que realmente era, tamanha foi a movimentação do público. Hunter, mais tranqüila mas não menos brilhante, veio em seguida, e foi quando a islandesa lançou suas longas teias, que acabaram ficando presas na estante do microfone, tornando o palco ainda mais interessante. A famosa Pagan Poetry contou com os backings vocals do Wonder Brass, e teve seu refrão cantado pelos 4000 presentes.

E se Antony nos presenteou com Julia Kent, Björk também trouxe seu “músico de luxo”: o DJ/produtor Mark Bell, que foi um dos grandes responsáveis pela sonoridade alcançada pela moça no álbum Homogenic, de 1997 (e que posteriormente deixou sua marca no disco Exciter, do Depeche Mode). Além de Bell, a banda contava com outro DJ, Damian Wilson, que ficou encarregado de “dominar” a curiosa ReacTable, uma espécie de sintetizador controlado pela distribuição de peças em cima de uma mesa luminosa. Sabe-se que Björk encantou-se pelo instrumento, e foi a primeira artista a utilizá-lo em shows ao vivo, o que o transformou em mais uma grande atração da apresentação (as telas de LCD dispostas pelo palco mostravam justamente a manipulação do novo “brinquedinho”). Completavam a banda um tecladista e um baterista (sim, bateria acústica, muito útil e pertinente).

As bonitas e elegantes Unravel e The Pleasure is All Mine foram bem recebidas e antecederam a maravilhosa Jóga que, para mim, é uma das músicas mais belas da islandesinha. Ao longo dos anos, ouvi muitas pessoas dizendo que a Björk perdia força ao vivo, pois seu vocal extremamente peculiar não funcionava tão bem quanto em estúdio. Talvez ela tenha praticado, ou tomado um melzinho mágico, mas o que eu ouvi no Rio de Janeiro foi uma voz inacreditavelmente perfeita, tanto nos momentos mais sutis quanto nos mais irados. Para controlar os batimentos cardíacos, a pouco conhecida Desired Constellation, do disco Medulla, encerrou a “primeira parte” do show.

A partir daí, a apresentação passou a ganhar em groove, abusando do eletrônico e tirando o público do chão; até então, os fãs apenas se esgoelavam ao cantarem verso por verso. A conhecida “Army of Me” iniciou a seqüência, com lasers verdes dançando freneticamente pelo local, e com Björk variando entre movimentos desengonçados e graciosos. A entrega e a disposição que ela apresenta em cima do palco são realmente muito satisfatórias para o público; mesmo no meio de uma extensa tour, a cantora mostra grande entusiasmo tanto na parte vocal quanto na parte de coreografias, essas também tipicamente "björkianas". A nova Innocence, um dos frutos da parceira com o rapper Timbaland, ficou ainda mais esquisita, no bom sentido.

Sabe-se que a cantora não gosta de repetir o set list, que invariavelmente é definido apenas momentos antes de cada apresentação. Assim, ela sempre inclui uma ou outra canção inesperada. No Tim Volta, as surpresas saíram do excelente disco Post: a animada I Miss You, e a balada psicodélica Cover Me. Entre elas, foi tocada Wanderlust, uma das melhores do Volta. Mas dentre os vários pontos altos da noite, talvez o maior deles tenha sido Hyperballad. Afinal, não é sempre que vemos Björk abdicar do vocal e, com um sorriso satisfeito, observar os fãs cantando suas músicas. Além disso, a canção ganhou uma nova versão, quase techno, trazendo ao show ares de balada, com muitos efeitos de luz e grande animação. Para manter esse clima, o show continuou com a alucinante e pesada Pluto. Björk então sai do palco, mas logo retorna, seguida pelas moças do Wonder Brass. Após um breve discurso de agradecimento (uma das raras vezes em que ela se dirigiu ao público), anuncia: Viva la Revolución!!! Grito de guerra para abrir a revoltada Declare Indepedence, que fechou o show embaixo de uma chuva de papel picado, com o público aderindo ao manifesto: Raise your flags!!!! HIGHER! HIGHER!
Björk alcançou um nível de apresentação que transcende os aspectos de mero show musical para se tornar quase uma experiência. É música, sim, da melhor qualidade, única, autêntica e incopiável, mas é também instalação, arte e tecnologia. Ao vivo, as canções são tratadas da maneira que merecem e é como se cada uma delas protagonizasse um show próprio. Unidas, resultam nessa festa coesa, grandiosa e inesquecível. A pequena tenda também contribuiu para o sucesso do show, pois tornou-se uma espécie de caldeirão, que realçou a voz do público que, justamente pelos poucos ingressos disponíveis, era formado basicamente por fãs fiéis, conhecedores do repertório. Contou também com algumas figuras ilustres, como Lenine Marcatti (hihihihi), Gael Garcia Bernal (fanfarrão mesmo), e Mílton Nascimento, em quem eu quase dei uma trombada na saída (ufa...).

E se eu disse aqui no blog que a Björk faria o show do ano, permito-me repassar esse título ao Tim Volta, já que o Antony and the Johnsons também colaborou para tornar a noite mais agradável. Faltou, claro, o dueto de Dull Flame of Desire, mas por razões totalmente compreensíveis. Fica para a próxima. Vale destacar também a produção do festival (irreconhecível em São Paulo) que, se pecou, foi pelo excesso de organização (existe isso?). Ainda assim, os responsáveis souberam aproveitar as vantagens do local e fizeram um evento a altura de suas estrelas (ao menos no TIM Volta).

Set list

Antony and the Johnsons: Mysteries of Love, My Lady Story, For Today I am a Boy, Cripple and the Starfish, Fistful of Love, Candy Says, You are my Sister, Hope There’s Someone

Björk: Earth Intruders, Hunter, Pagan Poetry, Unravel, Pleasure is All Mine, Jóga, Desired Constellation, Army of Me, Innocence, I Miss You, Wanderlust, Cover Me, Hyperballad, Pluto, Declare Independence.

Vídeos

Jóga: http://www.youtube.com/watch?v=jnNAQX3-j7E

Army of Me: http ://www.youtube.com/watch?v=9po0s63qTvY

HyperBallad:http://www.youtube.com/watch?v=kC7SHzcDH1o

Fotos: Uol, Terra, IG, G1

Dentre os Grandes, és o Primeiro

2007-11-01T17:25:00.001-02:00

The mission UK (1987-2007)

2007-10-26T05:03:00.001-02:00

Pois é, mês passado eu aqui estava, anunciando show do The Mission no Brasil. O fato é que não apenas não teremos show, como também a banda anunciou o encerramento de suas atividades. Escreverei mais sobre o assunto em breve. No momento, basta dizer que, se é que é possível celebrar o fim de uma banda de tamanha envergadura, eu diria que Wayne Hussey tomou a decisão na hora certa. Assistam aí ao clip de Stay with Me, com o The Mission na sua melhor forma.

Baleia mal agradecida...

2007-10-18T16:45:00.000-02:00

Por Laerte

Cobertura: Lacrimosa em São Paulo

2007-10-10T17:30:00.000-03:00

Em 2004, o Lacrimosa pisou pela primeira vez em terras brasileiras. Divulgando o disco Echos, Tilo Wolff e Anne Nurmi se apresentaram no agora extinto Olympia e, se não fizeram o melhor show que já presenciei, certamente foi um dos melhores. A casa de show, toda negra com detalhes dourados, parecia ter sido feita sob medida para recebê-los. O movimento gótico (se é que se pode falar em “movimento”) pulsava de ansiedade. Algo de peculiar acontecia naquela noite, uma energia diferente, extremamente positiva, pairava naquele lugar, não sei dizer o que era. Mais de duas horas de espetáculo, e ao mesmo tempo em que vi várias pessoas chorando (algumas, compulsivamente), vi também outras pulando e dançando, como se realizassem seu maior sonho.

Na ocasião, Mr. Wolff assegurou que a banda voltaria o mais rápido possível, o que só não aconteceu em 2006 porque ele e Anne estavam se dedicando a assuntos pessoais. Diante disso, acreditando que o retorno fosse acontecer apenas após o lançamento do próximo álbum, qual não foi minha surpresa ao receber um email com um simples título: “Lacrimosa no Brasil”. “Claro,” lembrei, “tour de divulgação do novo dvd, Lichtjahre!” Porém, no mesmo dia recebi a informação de que eles dividiriam o palco com o tal de Hammerfall. Como eu falei aqui mesmo, a simples presença dos guerreiros suecos já atrapalharia o ambiente do evento. Além disso, surgiram algumas dúvidas em relação ao comportamento que os true bangers poderiam adotar em relação a uma banda gótica, que nada tem a ver com heavy metal (enquanto o contrário seria falso: alguém imagina um fã de Lacrimosa vaiando o Hammerfall? Claro que idiotas existem de todos os gostos, em todos os lugares, mas essa possibilidade me pareceria bastante remota).

Para complicar ainda mais a situação, o organizador do evento também não se deu ao trabalho de divulgar os horários dos shows. Assim, por mais que se imaginasse que o Lacrimosa fosse o primeiro, por ser menos conhecido no país, nada estava confirmado. E naquele Credicard Hall cheio de desconfiança e expectativa, foi só quando ouvimos os sinos de Lacrimosa Theme é que tivemos certeza. Aí, confesso, bateu um arrepio. O palco, simples, trazia a bela capa de Lichtjahre projetada no fundo. Com os fiéis Jay P., Dirk Wolff, Yenz Leonhardt e Manne Uhlig já em seus postos, alguns flashes nos permitiram acompanhar a entrada discreta de Anne Nurmi, com seu figurino característico. Pouco depois, “Ich Bin der Brennende Komet” abria a apresentação. Como esse foi o primeiro show dessa parte da tour, o set list era uma incógnita; logo, iniciar com essa música significava uma promessa de boas surpresas (e também nos remeteu ao disco Live, de 98). É uma pena que no início o som estivesse um pouco embolado, de modo que o baixo volume do teclado prejudicou o “punch” dessa canção. Mas nada disso teve importância quando a figura iluminada de Tilo Wolff adentrou o palco, lentamente, soberano. Sua presença é muito forte, incomparável. Chegando a frente do palco, acompanhou a música com seus movimentos corporais característicos, e acho que foi somente nesse momento que “caiu a ficha”. Lacrimosa no Brasil!
Na seqüência, Schakal, que para mim é uma das principais músicas da banda, foi brilhantemente executada, de uma maneira quase hipnotizadora. Maravilha! Para nos trazer de volta ao show, a animada Malina, presença constante nos sets, e que funciona muito bem ao vivo. Nesse momento, já era possível perceber um tom um tanto hostil da parte dos fãs do Hammerfall, que faziam gestos e berravam nomes pouco agradáveis. Apesar de alguns afirmarem que tal comportamento não atrapalhou a festa, eu, particularmente, senti que tais afrontas causaram certo esfriamento no ambiente. Além disso, somente na quarta música, a excelente Kelch der Liebe, é que o som foi devidamente controlado. Contratempos que em momento algum abalaram a banda, que atuou perfeitamente, tanto em termos de técnica quanto de performance.

Mas as grandes surpresas da noite foram duas belíssimas baladas, que quase (quaaase...) nos fizeram esquecer a ausência de Darkness. Uma foi Eine nacht in Ewigkeit (que boa parte do público parecia desconhecer), do disco Echos. Canção muito intensa, carregada de emoção, apresentada com um desempenho fenomenal de Tilo Wolff. A platéia praticamente silenciou e imergiu na música, deixando-se levar por seus belos arranjos. A outra escolha que surpreendeu foi Senses, do Fassade, em que Anne Nurmi assumiu, pela primeira vez na noite, os vocais principais. Tanto nos versos, interpretados de maneira mais doce, quanto no refrão, mais poderoso e quase “desesperançado”, a performance da vocalista foi irreparável. Além disso, a moça parecia flutuar em cima do palco, dançando sensualmente e trazendo ao concerto um ambiente quase onírico.

Na pesadinha Letzte Ausfahrt: Leben, Tilo e Cia mostraram uma garra contagiante, enquanto a lindíssima Vermächtnis Der Sonne chegou a emocionar, com suas belas linhas de guitarra. No final, ainda foi emendada com a última parte do clássico Kabinett der Sinne (Sie! Will! Meine Hoffnung! Sie! Will! Sie Will Licht!) que, infelizmente, não obteve a resposta que seria esperada do público. A partir dessa música, porém, a energia dos fãs do Lacrimosa voltou a tomar corpo, praticamente igualando suas manifestações às dos headbangers (algumas vezes, soavam gritos de “LacriFall”). Em Not every Pain Hurts, Anne reassumiu o centro das atenções, em outra bela atuação e, em seguida, Alles Lüge (Alles Alles Lüge! Alles Alles Lüge! Alles! Alles! Lüge! Lüge!), música mais antiga presente no set, foi tocada na versão do disco Live, que é mais encorpada e mais adequada para apresentações ao vivo. Do Elodia a única escolhida foi Alleine Zu Zweit, provavelmente uma das mais conhecidas, mas que foi prejudicada pelo baixo volume do microfone de Anne, de modo que o famoso e brilhante dueto tornou-se praticamente um solo de Tilo Wolff. Ainda assim, a música ganhou destaque devido ao acompanhamento dos fãs, que ajudaram o vocalista no refrão (Tanz! Mein Leben Tanz!). Para fechar a seqüência, a última música de trabalho da banda, Lichtgestalt, que também foi bem recebida.
Uma breve pausa, e a banda retorna ao palco, com a voz de Tilo ecoando no início de Der Morgen Danach, que foi uma das músicas que consolidaram definitivamente a carreira do Lacrimosa no Brasil. A execução da riquíssima Stolzes Herz, juntamente com o horário já avançado, avisou a todos que a segunda passagem da banda pelo Brasil estava no fim. Eles se despediram e saíram, mas, obviamente, ainda faltava uma música, aquela que marca presença em todas as festas góticas do mundo. De volta, Tilo Wolff fez um curto discurso de agradecimento, e anunciou Copycat, que apesar de também ter sofrido com o volume baixo do microfone de Anne, fechou a apresentação em alto nível, com uma grande dose de energia.

Como não poderia deixar de ser, o que vimos no último dia 4 foi um Lacrimosa na mais perfeita forma, com Tilo Wolff e Anne Nurmi protagonizando um espetáculo único (contando ainda com sua fiel e competente banda de apoio), como só eles são capazes de fazer. As canções foram tocadas com precisão, com as adaptações adequadas, e o desempenho performático foi dos mais satisfatórios. Mas é impossível ignorar os absurdos acontecidos no evento. Em primeiro lugar, o set teve que ser encurtado. Ainda que a duração de uma hora e quarenta minutos seja até respeitável, não é suficiente para uma banda que tem nove álbuns lançados e músicas relativamente longas. Assim, ficaram de fora canções importantes, como Halt Mich, Durch Nacht und Flut, Tränen der Sehnsucht e Seele in Not. Além disso, como já citei, o som teve problemas, não muito sérios, mas consideráveis. Claro que isso poderia ter acontecido em um show qualquer, mas o ajuste de som para duas bandas distintas tende a causar maior instabilidade, creio eu. Por fim, é preciso comentar o comportamento lamentável dos fãs do Hammerfall (que já era previsto). Evidentemente, os organizadores cometeram um erro enorme ao juntar duas bandas tão diferentes, não apenas musicalmente mas, principalmente, “ideologicamente”. E ainda que a idéia tenha partido de AC (manager do Hammerfall e ex-baterista do Lacrimosa), como me alerta o amigo Ricardo Alves, alguém da produção deveria tê-lo avisado que aqui não é Europa, e que os brasileiros possuem certa dificuldade no quesito “respeito”. Porém, se essa foi a única maneira encontrada para viabilizar a contratação de ambos, nós, fãs, deveríamos nos dar por satisfeitos, e aceitar a situação, afinal, não é todo dia que podemos ver nossas bandas preferidas aqui no Brasil. Logo, foi deprimente testemunhar a postura de alguns “headbangers” presentes no show (não todos, claro), que gritaram e xingaram o Lacrimosa (consequentemente, seus admiradores) durante quase toda a apresentação, portando-se como um bando moleques ignorantes. “Estragaram” o show? Acho que não, mas, evidentemente, o prejudicaram.

Nesses últimos dias que se seguiram ao show, muito foi discutido se tal recepção teria prejudicado a imagem do Brasil, no conceito do Lacrimosa. Honestamente, acho que não. Inicialmente porque os fãs fizeram sua parte, compareceram, cantaram e aplaudiram, e é impossível que a banda não tenha percebido isso. Além disso, imagino que aquele show de 2004 tenha nos valido alguns créditos. Assim, o máximo que pode acontecer é, na próxima tour, a banda solicitar uma apresentação individual. E obviamente, será atendida. Sorte nossa. Nos vemos lá.
Set List: Lacrimosa Theme; Ich bin der brennende Komet, Schakal, Malina, Kelch der Liebe, Eine Nacht in Ewigkeit, Senses, Letzte Ausfahrt: Leben; Vermächtnis der Sonne/Kabinett der Sinne; Not every pain hurts; Alles Lüge; Alleine zu Zweit; Lichtgestalt; Der Morgen Danach; Stolzes Herz; Copycat

Fotos
http://www.musicao.com.br/
http://www.orkut.com/CommMsgs.aspx?cmm=35810093&tid=2558903981252111128

Vídeos
Alleine Zu Zweit
http://www.youtube.com/watch?v=mmP9PfaLjVU&mode=related&search=
Der Morgen Danach
http://www.youtube.com/watch?v=mmP9PfaLjVU&mode=related&search=
Senses
http://www.youtube.com/watch?v=QZu5YxHHJy4&mode=related&search=
Stolzes Herz
http://www.youtube.com/watch?v=g8BBr05ieeI&mode=related&search=

Tinha que ser o Radiohead mesmo!

2007-10-09T21:24:00.000-03:00

O Radiohead é uma das bandas mais importantes dos últimos vinte anos e disso ninguém discorda. Ok, alguns discordam, mas é inegável que esses britânicos sempre encabeçaram a listinha de bandas mais influentes da última década. Afinal, qual é seu melhor disco? Alguns dizem que é o The Bends, outros que é o OK Computer e alguns até apostam no Kid A. Seja lá qual for, os três determinaram muita coisa no mercado musical atual.

Ainda não ouvi o último disco, In Rainbows. Também não sei o que esperar. Mas Thom Yorke e Cia fizeram questão de sair na frente novamente. Finalmente, a questão que muitos artistas carregavam na ponta da língua pode ser lançada: “Gravadora para quê?”. O novo disco do Radiohead está à venda apenas no site oficial. O fã solicita o arquivo digital e paga quanto quiser (Quer pagar quaaanto???? ...digo....). Se desejar, também pode desembolsar 80 dólares e adquirir a versão box set do albúm, com músicas extras, caixinha bonita e outros mimos. Esse material será fabricado de acordo com a demanda.

Menina Björk falou em entrevista ao Estado de S. Paulo que, com a internet, a música voltou a ser do artista. Basicamente, é isso que a ação do Radiohead prova. Há muito tempo que ouço que o pão dos músicos sai dos shows, não de vendas de discos (as exceções são aqueles que atingem um apelo mercadológico tão grande que adquirem um grande poder de barganha em relação à gravadora. Ainda assim, como a maioria delas é farinha do mesmo saco, isso não quer dizer muita coisa). Björk constata também que a possibilidade de baixar músicas permite que um maior número de pessoas conheça o trabalho dos artistas. Logo, menos gente compra o disco, mas mais gente pode interessar-se pelo show.

Assim, o Radiohead propõe uma ação simpática, que mostra preocupação com os fãs, e assim, tende a ser bem recebida. Há quem vá pagar um centavo, mas também existem os que oferecerão, não sei, dez dólares, talvez. A banda embolsa tudinho e cai na estrada, tranquilamente. Obviamente, a estratégia não serve para todos. O Radiohead já tem história, não precisa nem de ações de divulgação (e sem dúvida estará satisfeito com a mídia espontânea). Bandas novas, ou de menor porte, podem se dar mal tentando viabilizar uma jogada dessas. De qualquer maneira, já é uma evolução, que outros deveriam copiar. A cara do Radiohead....

Cobertura: Therion em São Paulo

2007-10-02T23:46:00.000-03:00

Após mais de dois anos, o Citibank Hall reabriu suas portas para o heavy metal. Curiosamente, a banda escolhida foi justamente uma das últimas a se apresentar no local, os suecos do Therion. Dessa vez, porém, tivemos a oportunidade de ver uma banda um tanto reformulada em relação à que passou por aqui em 2004. Divulgando o novo disco, Gothic Kabbalah, a performance ao vivo teve que ser adaptada ao novo direcionamento musical da banda, muito mais rockeiro e com menos referências clássicas. A expectativa era grande, já que a imprensa havia divulgado, dias antes, que a banda traria para São Paulo os mesmos aparatos utilizados nos concertos realizados na Europa, prometendo um grande espetáculo visual.

Poucos minutos após o horário marcado, a cortina do Citibank subia, para a entrada de Christofer Johnsson e Cia, detonando com a empolgante Der Mitternachtlowe. Muito bom, mas o que aconteceu com a super produção européia? Não, nada além do pomposo figurino de época dos vocalistas. Sequer uma cartolina branca dizendo “Therion, aqui!”, com caneta bic. Logo, todo o falatório não passou de um golpe de marketing dos produtores (marketeiro não presta mesmo!... digo...). Logo na seqüência, a voz da soprano Lori Lewis soou lindamente no início de Schwarzalbenhein, e com essa execução, quem precisa de cenário, afinal? Lori, que também faz parte da banda Aesma Daeva, é a figura mais talentosa desse novo coro, em minha opinião. É capaz de alternar momentos delicados com outros mais poderosos, e nada deixa a desejar em relação a sua antecessora, Karin Fjellander. Infelizmente, o mesmo não pode ser dito sobre Thomas Vikstrom, que cantou a pesada Blood of Kingu e deixou o público com saudades de Mats Leven. Não que o ex-Candlemass seja um mau vocalista, tanto que compôs bem o coro, mas quando assumia o vocal principal, sua voz soava extremamente aguda e chegava a incomodar, em alguns momentos.

Vale destacar a solução encontrada pela banda para suprir as necessidades de execução das novas músicas, sem prejudicar os antigos clássicos. A formação de palco que consagrou o Therion contava com os músicos formando a comissão de frente, expondo o viés mais pesado do grupo, e o coro, austero, ao fundo, personalizando a metade clássica (normalmente capitaneado por Sarah Jezebel Deva e/ou Risto Hämäläinen). Na tour do Lemuria/Sirius B, álbuns que já mostravam uma inclinação para o lado mais “metaleiro”, os shows contavam ainda com um vocalista solo (Leven) e uma soprano solo (Fjellander). Já na tour atual, em que são executadas muitas músicas do Gothic Kabbalah, a banda conta com quatro vocalistas solo, em constante revezamento, e que, juntos, formam o coro. Essa movimentação trouxe uma nova dinâmica para os espetáculos, deixando-os ainda mais empolgantes. Na rápida Falling Stone, por exemplo, configurou-se um “duelo” entre Lori Lewis e a outra cantora, Katarina Lilja, também muito competente. Enquanto isso, o já “veterano” guitarrista Kristian Niemann deixou muita gente de queixo caído com seu solo.

An Arrow from the sun, que fez falta na última passagem da banda por aqui, foi tocada de modo preciso, com outro desempenho encantador de Lewis e com o excêntrico Snowy Shaw fazendo as vezes de tenor. Já em Khlysti Evangelist, o fanfarrão mostrou que sabe cantar agressivamente também, e muito bem. Shaw (que antes de se tornar vocalista do Therion, era baterista do Dream Evil, com passsagem pelo Mercyful Fate), apesar de ser extremamente poser (parece uma versão viking do Sebastian Bach), foi outro destaque positivo da apresentação, pois assumiu definitivamente o posto de frontman da banda, algo que Leven havia feito com extrema discrição. Deggial, Wine of Aluqah, Birth of Venus Illegitima e o jovem clássico Seven Secrets of the Sphynx serviram para dar um gostinho do velho Therion, contando com a agitação do chefão Christofer Johnsson e dos irmãos Niemann, que juntos formam um trio perfeito: as bases de Christofer, a precisão de Johann e a técnica e criatividade de Kristian (que é, volto a afirmar, um dos grandes guitarristas de metal da atualidade). Já Perennial Sophia mostrou mais uma nova faceta dos suecos: as interpretações. Shaw e Lilja protagonizaram um momento teatral no centro do palco, em uma atuação digna de Broadway (ou quase isso, hehehe). Um tanto desnecessário, mas boa parte do público aprovou e é isso o que vale. Son of the sun, uma das melhores canções da banda, foi muito bem recebida e acompanhada por um belo “Ooooh Ooooh Ooooh” da platéia (de dar inveja a qualquer Iron Maiden), que participou também do lindo refrão de Son of the Staves of Time.

A nova Tuna 1613, com seus riffs matadores e seu refrão rhapsodyano, antecedeu o solo de bateria de Petter Karlsson, que teve pouco tempo para mostrar sua (enorme) capacidade. Rapidamente, Shaw e Vikstrom apareceram para contribuir com o solo, cada um com um surdo, brincando e fazendo o público participar (rolou até uma luta com baquetas, em que Vikstrom "matou" Shaw). A frenética Muspelheim funcionou bem ao vivo, assim como o “segundo grande clássico” da banda, Rise of Sodom and Gomorrah, que tirou a platéia do chão. Antes da costumeira pausa, tocaram Ginnungagap, outra que tem presença garantida em todas as apresentações. Wand of Abaris, mais uma do novo Gothic Kabbalah, abriu a última seqüência, seguida pela belíssima Lemuria. E quando soaram as primeiras notas de Cults of the Shadow, boa parte do público já sabia que o show adentrava seu crepúsculo, o que foi confirmado com a famosíssima To Mega Therion, que é uma espécie de “carta de identidade” da banda.
Para fechar a noite, como já é de costume, mandaram um cover, e dessa vez os homenageados foram os americanos do Manowar, com Thor, The Powerhead. Nada acrescentou à apresentação, mas, ao menos, soou mais adequada do que os covers de Mercyful Fate e Motorhead, executados na última passagem do Therion por aqui. Em 2004, porém, pudemos ver e ouvir um set list mais variado, com músicas de todas as épocas da banda, enquanto dessa vez o show foi mais “tradicional”, focado na fase mais clássica, iniciada com o álbum Theli, de 1996, e nesse novo momento pelo qual os suecos passam atualmente, introduzido em Lemuria e Sirius B, e consolidado em Gothic Kabbalah.

Na despedida, Christofer Johnsson finalmente se dirigiu ao público, para dizer que “não existe tour mundial sem o Brasil”. Sorte nossa. O Therion é daquelas bandas que conseguiram atingir uma autenticidade muito definida, tornando-se referência dentro do cenário. O já citado Theli, que foi concebido como “álbum-testamento” da banda, acabou redefinindo todo um estilo, e é um dos principais marcos do “metal moderno” (refiro-me à modernidade, não a “new metal”), tendo influenciado grande parte das bandas que hoje encabeçam o mercado. Essa identidade, personificada por Johnson, permite que a banda trafegue por diversos estilos, sem nunca deixar de ser o Therion. Assim, dentro de dois ou três anos, quando a banda retornar ao Brasil, possivelmente veremos uma nova postura, um novo comportamento de palco, mas com a mesma qualidade e mesma empolgação de sempre.
Set List: Der Mitternachtlowe; Schwarzalbenheim, The Blood of Kingu, Falling Stone, An Arrow from the Sun, Khlysti Evangelist, Deggial, Wine of Aluqah, The Perennial Sophia, Son of the Sun, Son of the Staves of Time, Birth of Venus Illegitima, Seven Secrets of the Sphynx, Tuna 1613, Muspelheim, Rise of Sodom and Gomorrah, Ginnungagap, Grand Finale, Wand of Abaris, Lemuria, Cults of the Shadow, To Mega Therion, Thor the powerhead

Fotos gentilmente cedidas por Julio Gavioli.
Para ver mais:
http://picasaweb.google.com.br/julio.gavioli/20070928Therion?authkey=_tKEhNms4eg

Vídeos
Rise of Sodom and Gomorrah
http://www.youtube.com/watch?v=gjlWVGIb9Yo
Schwarzalbenheim
http://www.youtube.com/watch?v=CLi_05OEKdQ
The Perennial Sophia
http://www.youtube.com/watch?v=QonqZBMY9MU

Brasil no Oscar

2007-09-27T20:20:00.000-03:00

Achei perfeita a indicação de “O Ano em que meus pais saíram de férias” para o Oscar. Claramente é o filme que mais se encaixa nos gostos da Academia. Desse modo, foi, sim, uma escolha estratégica. Mas era o melhor dos pré-pré-indicados? Na minha opinião, sim! Gosto muito de O Céu de Suely também, mas, definitivamente, esse não tem cara de Oscar. Mas o filme de Cao Hamburger ficará entre os cinco finalistas? Acho que tem chances, porque não? Disputará com os novos filmes de Giuseppe Tornatore, Manuel de Oliveira, Fatih Akin, entre outros, mas acho que pode sobrar uma vaguinha. Vai levar o Oscar? Hehehehe, todos sabem que é muito improvável, mas.... quem sabe?

PS: Acho muito curioso esse “fenômeno” chamado Tropa de Elite. O filme, se dependesse dos votos do povo, estaria no Oscar. Normalmente, o público brasileiro não dá atenção à produção cinematográfica nacional. Foi só o filme cair na internet e aparecer nas banquinhas de camelô com um mês de antecedência em relação ao lançamento oficial, ....virou febre. Todos querem ver. Quem viu se sente especial: “Eu vi, e você? Ainda não?...pffff!”. Alguns disseram que é tão bom quanto Cidade de Deus. E o Padilha ainda reclama. Não sei se o filme é bom ou ruim, ainda não vi (pffff!). Mas que essa postura do público brasileiro é preocupante, isso é!

O ano em que o Brasil ganhou o Oscar?

2007-09-26T15:25:00.001-03:00

Sugerimento: Paradise Lost

2007-09-16T20:11:00.001-03:00

Uma pequena amostra dessa verdadeira pérola que é o novo disco do Paradise Lost, In Requiem. É realmente muito satisfatório ver essa banda, que tem quase vinte anos de estrada e que há tempos andava sumida do grande cenário, retornar com tamanha força. Melhor disco do ano, com sobras. Essa música chama Praise Lamented Shade. Aproveitem. ;)

Shows, shows e mais shows

2007-08-28T19:55:00.000-03:00

Que beleza de ano, não? Deve ser, em termos de shows, o mais movimentado da década. Já passaram por aqui Roger Waters, Aerosmith, Keane, Asia, Alice Cooper, Motorhead, Jethro Tull, Evanescence, Coldplay, Magic Numbers, Scorpions. Invejável realmente. E não pára por aí. Vejam só!

O Therion apresenta seu metal grandioso em São Paulo, dia 28 de setembro, no Citibank Hall. Onde? Citibank Hall? É verdade, a casa que vetou bandas de metal, com o objetivo de ”elitizar” seu público , reabre suas portas para o rock pesado. Não me perguntem o porquê. Melhor assim, afinal, o lugar é bem localizado e bastante confortável. Além disso, sua disponibilidade diminui o poder de barganha daquele buraco chamado LedSlay. Mas falemos da banda. O Therion sempre foi referência no mundo do metal, devido a sua sonoridade bastante característica, que une riffs pesados com grandes coros de vozes e influências celtas, egípcias, etc. O novo disco, Gothic Kabbalah, porém, tem uma proposta muito mais “livre”, mais experimental e mais rockeira. É possível que esse fato seja fruto da “democratização criativa” que ocorreu na banda, já que pela primeira vez todos os membros puderam colaborar com a composição (que antes ficava toda na mão do líder, Christofer Johnsson). Essa nova “cara” da banda deve refletir no concerto, já que até o coro, que antes contava com seis cantores, nessa tour é formado por apenas quatro. De qualquer maneira, os grandes “clássicos” da banda, como To Mega Therion, Rise of Sodom and Gomorrah e The Seven Secrets of the Sphinx, certamente estarão presentes no set list. Vale o destaque para a presença do guitarrista Kristian Niemann e do batera Petter Karlsson, dois dos músicos mais interessantes do metal atual.

No dia 4 de outubro, o Lacrimosa retorna ao Brasil, após a inesquecível apresentação de 2004, no extinto Olympia. Dessa vez, porém, o show será no Credicard Hall e terá a companhia pouco adequada do Hammerfall. Vejamos: a união das bandas facilita a viabilidade do evento e nesse caso é válido. Por outro lado, a presença dos suecos prejudica consideravelmente o caráter “ritualístico” do show (e os fãs do Hammerfall devem achar o mesmo). São públicos totalmente distintos, e deve ser reduzido o número de pessoas que gosta de ambas as bandas. Claro que não somos obrigados a assistir ao show indesejado (podemos nos retirar, ou chegar depois dele), mas ainda assim o "ambiente" das apresentações acaba prejudicado. Mas paciência, resta-nos esperar que não haja nenhum tipo de hostilidade. Agora o show em si: o Lacrimosa vem divulgar o novo DVD, Lightjahre e, assim, o set list não deve ser muito diferente do presente no filme. Os clássicos Der Morgen Danach, Schakal, Copycat e Stolzes Herz certamente serão executados, assim como as novas Kelch der Liebe e Road to Pain. Podemos esperar uma apresentação muito intensa, variando entre momentos bem enérgicos e outros bastante melancólicos (não esqueçam os lenços de papel). O destaque, obviamente, é Tilo Wolff, que atua como um regente de sua banda e é capaz de hipnotizar toda a platéia, com seus movimentos de arlequim.
Já no final de outubro, entre os dias 25 e 29, ocorre o esperado Tim Festival. Entre algumas festas e apresentações de menor expressão, os destaques serão os dias 25 e 28. O primeiro, a ser realizado no belo Auditório Ibirapuera, contará com Toni Platão (paciência...), Cat Power and Dirty Delta Blues e finalmente Antony and the Johnsons, com sua voz chorosa e suas músicas emotivas. Assim, essa “abertura” do Tim Festival se mostra bem intimista, ideal para quem não gosta de barulheira e agitação. Ao contrário do dia 28, que trará as bandas mais famosas e será realizado na Arena Skol (Anhembi). Na ordem de entrada, veremos: Spank Rock (ovelha negra do dia), Hot Chip (eletrônico, divertido até), Björk (opa, surpresa! A maior atração do festival toca logo no início, provavelmente por motivos de agenda. É a única que terá duas horas de apresentação, porém), Juliette and The Licks (yeeaaah! Preparem-se para as rodas), Arctic Monkeys (hum....) e The Killers (saidera com uma bela festança). Cast privilegiado. Claro que só a menina Björk já valeria o ingresso (preço ainda não divulgado, mas deve ficar entre os 150 e 250 barões), mas ainda assim vale destacar que não teremos nenhuma atração “tenebrosa” (como o Good Charlotte, no Claro q é Rock 2005, por exemplo), o que deve garantir o sucesso dessa maratona. Imperdível! ;)

Para a turma mais old school, que não vai se interessar pelo Tim Festival, acontece o Hard’n’Heavy Party, no dia 26, com duas atrações musicais bastante satisfatórias. O Pink Cream 69 retorna ao Brasil após oito anos, dessa vez para divulgar o disco In10sity. É verdade que, desde a saída de Andi Deris, a banda tem produzido discos idênticos entre si, mas nem por isso deixam de ser divertidos. Logicamente, ao vivo deve ser melhor ainda. E o grande show da noite será do veterano baixista/vocalista Glenn Hughes, com seu rock funkiado, da melhor qualidade. Além das canções da carreira solo, não devem faltar músicas de suas ex-bandas, Black Sabbath e Deep Purple. Burn, por exemplo, é presença garantida (para quem não lembra, é ele quem canta “You know we had no tiiiiiiiime! We could not even tryyyy!”). O evento, que ocorre no “estreante” Espaço de Eventos Hakka, também contará com o folclórico Concurso de Biquínis, marca registrada do Hard’n’Heavy.
Já em dezembro, corram que o Police vem aí (*by Abel Falbo)! Apesar do show ainda não estar 100% confirmado, é bom ficarmos atentos, já que a procura de ingressos deve ser violenta. Afinal, não é todo dia que Sting, Andy Summers e Stewart Copeland se apresentam no Brasil, juntos (consta que eles continuam se odiando). O local escolhido deve ser o Estádio do Morumbi, já que é o único que pode suportar três estrelas. Esses shows de reunion, por mais forçados que possam ser (de vez em quando), sempre são válidos, principalmente para os fãs antigos, que não puderam ver as bandas no auge. Nem é preciso dizer que Every Breath You Take fará parte do set list (o que bastará para parte da platéia), mas eu, particularmente, prefiro ouvir Every Little Thing She Does Is Magic e King of Pain. :)

Sugerimento: Person

2007-08-24T17:16:00.001-03:00

Amigos! Não deixem de assistir ao documentário Person, sobre a vida do cineasta Luis Sérgio Person, realizado por sua filha, Marina. Quem não conseguir, vá até a locadora mais próxima e alugue São Paulo S/A, obra prima do diretor, e uma verdadeira jóia do cinema nacional. :)

Cobertura: Scorpions em São Paulo

2007-08-17T21:51:00.000-03:00

Dois anos após a lendária apresentação no Live’n’Louder, o grande Scorpions retornou a São Paulo, na última terça feira (14/08), desta vez para divulgar o novo disco, Humanity. É curioso observar que essas bandas mais antigas adquirem um grande carinho pelo Brasil. A banda, que visitava o Brasil muito esporadicamente, retornou rapidamente dessa vez. Espero que seja o início de uma grande amizade, igual a que existe entre o Deep Purple e os fãs brasileiros, por exemplo. Fugindo do circuito comum, que a maioria das bandas percorre no Brasil, o Scorpions optou por abrir a tour em Manaus, em um evento realizado em parceria com o Greenpeace, mostrando que todo o engajamento do novo disco não é mero falatório. Seguiram para Recife e fecharam a tour brasileira em São Paulo.

Há tempos que eu não via o Credicard Hall tão cheio. Com ingressos esgotados com uma semana de antecedência, desfilavam pelo modernoso salão jovens, senhores, executivos, headbangers e até alguns aparecidos, ostentando visuais glam. Ainda assim, o clima era tranqüilo, sem grandes filas ou aglomerações. Antes mesmo do horário marcado, o grito de “Scooorpions, Scooorpions” já ecoava poderosamente, fazendo o lugar pulsar de expectativa.

Após meia hora de espera, apagam-se as luzes e ouvimos “Welcome to Humanity. This is Hour One” e James Kottak aparece detonando sua bateria com a abertura de Hour I. Uma bela canção, que começa cadenciada e explode no refrão (Child! Stay Down! Stay Down!). Excelente início. Sem tempo para respirar, já emendam o primeiro clássico da noite, Bad Boys Running Wild, bastante eficiente ao vivo. Nessa música foi engraçado ver o público gritar o refrão na hora errada, mas isso aconteceu no Live’n’Louder também, e creio que aconteça em todos os shows deles, desde 1984. Na seqüência, Love’em or Leave,’em, do disco Unbreakable, e outra antiga, The Zoo, com sua base marcada, que sempre anima o público. Muito bons esses shows de bandas consagradas, porque de cada três músicas executadas, uma é bastante famosa, fazendo com que a platéia tenha grande participação. Deep and dark foi a segunda e última do Unbreakable, que em minha opinião deveria ter mais músicas incluídas no set, já que foi o disco de “retorno” da banda aos bons tempos, após alguns álbuns pouco compreendidos. New Generation e Blood too hot cairiam bem, por exemplo. Para fechar a primeira parte do show, a sempre presente Coast to Coast, instrumental, com o vocalista Klaus Meine na guitarra (mostrando que é possível tocar com três guitarristas, sem que um deles precise virar dançarino).

Iniciou-se então um momento pouco indicado para diabéticos, com uma seqüência de músicas açucaradas, puxada por Send me an Angel (Heeere I aaamm....). A bela Always Somewhere (há bastante tempo fora do set) e Holiday, ambas do Lovedrive, completaram a trinca. Essa última parece ser um dos pontos altos dos shows da banda, desde aquele registro emocionado no disco World Wide Live. E se a platéia fez sua parte, cantando palavra por palavra, o simpático Klaus Meine, do alto de seus 59 anos, mostrou que a garganta está em dia, com seus “â râ râ! râ rââââ! rãrã rãããã” (além disso, continua fazendo aquelas “dancinhas” características, sua marca registrada). Na seqüência, a festejada faixa título do último álbum, Humanity.

“I’m Leaving You”, do Love at First Sting, deve ter sido a maior surpresa do set list, já que fazia tempo que não era executada ao vivo. “The Game of life”, que os desavisados podem ter achado que era Rock You Like a Hurricane, devido às notas iniciais, ficou ainda melhor ao vivo, com seu refrão grudento. O lado mais hard rock da banda aflorou com a empolgante Tease Me Please Me, que conta com um dos riffs mais legais da banda. Falando em riff, é um bom momento pra falar da dupla de guitarristas. A química existente entre Matthias Jabs e Rudolf Schenker é uma coisa rara nos dias de hoje. Jabs é a metade mais técnica, responsável pela maioria dos solos, e faz mais o estilo "guitar hero". Já Rudolf é o típico “doidão”, que dá grandes pulos, corre de um lado para o outro, e pinta e borda com sua Flying V, como pudemos ver na nova “321”, que na minha opinião é um jovem clássico, e que foi muito bem recebida. Mesmo aqueles que não conheciam a música foram capazes de cantar “Are you ready to rock? Are you ready to rock?"(inesquecível...10!9!8!7!6!5!4! 3 2 1!!!! Come on and saaave me...).

Chega então aquele momento tão discutido que parece ser “obrigatório” nos show de rock pesado: solos de baixo e bateria. Pawel Maciwoda, o mais jovem da banda, fez sua parte, provando que sua escolha para o cargo foi acertada. Mostrou grande precisão e clareza, e ainda puxou alguns riffs famosos para levantar a platéia. Já James Kottak executou seu já conhecido “Kottak Attack!”. Competente e carismático, o batera parece ter pouco a mostrar tecnicamente, então se dedica a atuar como um show man. Toca de pé, berra, cospe água (cerveja?) pro alto, sobe em cima da bateria. E o mais importante, faz o público participar, bater palmas, dar risadas, etc. É uma boa estratégia, afinal, eu já vi baterista fechar a cara para tentar fazer solos tecnicamente mirabolantes, e acabar estragando o show. O “Kottak Attack” não tem grandes pretensões, mas pelo menos diverte, o que poucos solos de bateria conseguem.

A parte mais pesada do show teve início com a rápida Blackout, que além de ser uma grande explosão de energia, ainda é uma aula de arranjos guitarrísticos. Todo estudante de guitarra interessado em rock deveria tirar essa música, do início ao fim. Big City Nights também foi recebida calorosamente, como de costume, assim como a eletrizante Dynamite. Um pequeno intervalo e Klaus Meine retorna cantarolando Aquarela do Brasil, naquele tipo de homenagem que toda banda faz, e toda platéia aprova. Na seqüência, duas das músicas mais esperadas da noite: as baladas Still Loving You e Wind of Change (aquela do assobio). Um tanto cruel, aposto que várias pessoas não resistiram e abriram o berreiro, de emoção. Rock you Like a Hurricane (com os arranjos de Hurricane 2000), um dos grandes clássicos da história do rock, lavou a alma dos fãs, que tinham seu refrão na ponta da língua. E quando o público já se encaminhava para saída, ainda voltaram com When the Smoke is Going Down, fechando o concerto.
“Esses caras sabem fazer um show”. Ouvi essa frase após o Live’n’Louder e voltei a escutá-la essa semana, de outra pessoa. Qual é o segredo desses senhores, afinal? Podemos especular. Em primeiro lugar, nunca houve uma separação. É verdade que a bateria e o baixo sofrem com certo rodízio, mas a base sempre foi mantida (Jabs, que não faz parte da primeira formação, está na banda há quase trinta anos). Assim, essa sinergia existente entre banda e público é fruto de um entrosamento interno, que pode ser facilmente captado no palco. Vale lembrar também que, se a banda continua na ativa, é por amor à música e aos fãs. Afinal, essa longa carreira já lhes trouxe um considerável retorno financeiro (poderiam tranquilamente ficar em casa, cochilando e vivendo dos direitos de Wind of Change). O sucesso dessa continuidade deve-se em grande parte ao fato de a banda não viver do passado. Respeita-o, obviamente, mas sempre busca novos desafios. Moment of Glory e Acoustica, pelos formatos, e Unbreakable e Humanity, pelas sonoridades, mostram isso. Por isso, um show do Scorpions é sempre atual, e mesmo recheado de músicas antigas, nunca adquire um ar ultrapassado. Aos fãs, resta o orgulho de poder acompanhar a maior banda alemã de todos os tempos (e quem duvida?!?).

Set List: Hour I, Bad Boys Running Wild, Love'em or Leave'em, The Zoo, Deep and Dark, Coast to Coast, Send me an Angel, Always Somewhere, Holiday, Humanity, I'm Leaving You, The Game of Life, Tease Me Please Me, 3 2 1, Blackout, Big City Nights, Dynamite, Still Loving You, Wind of Change, Rock You like a Hurricane, When the Smoke is Going Down.

Fotos: Uol, Terra e Whiplash!

No YouTube:
http://www.youtube.com/watch?v=9EvMrahp_5Q
http://www.youtube.com/watch?v=k75mlHsLBiM

http://www.youtube.com/watch?v=X9DWnv5FZeE

http://www.youtube.com/watch?v=3u1GNOwMMJU

Imortais....

2007-08-01T01:32:00.000-03:00

Quis o destino que o cinema perdesse dois de seus maiores nomes no mesmo dia, 30 de julho de 2007. Bergman e Antonioni deixam, pelo menos, umas trinta obras primas. Nesse momento, é bom lembrar que ambos viveram quase um século, aproveitaram esse tempo como poucos e, mais importante, foram capazes de alcançar a imortalidade. Criaram seus estilos, tornaram-se referências. Quantas vezes não ouvimos ou lemos frases como “tal filme é Bergman puro”? Antonioni não fica muito atrás, apesar de ser menos conhecido.

Bergman reinou praticamente sozinho no cinema sueco. Tanto é assim, que Victor Sjöström, um de seus cineastas preferidos e outro grande nome da Suécia, só ganhou ganhou notoriedade mundial ao atuar em seu Morangos Silvestres. Liv Ullmann, sua ex-mulher, mantêm-se na carreira de diretora, e sempre foi encorajada por ele, claramente influenciada por seus ensinamentos. Ullmann fazia parte da “turma” de Bergman, que também contava com Bibi Andersson, Ingrid Thulin, Harriet Andersson, Gunnar Björnstrand, Max von Sydow e Erland Josephson. Eram não só grandes atores, frequentemente escalados para as produções do sueco, mas também seus amigos mais chegados. Sabe-se que, nesse período de reclusão que antecedeu sua morte, Bergman trocava telefonemas semanais com Josephson, que o mantinha informado sobre as novidades do mundo.

O trabalho de Bergman transcende o meio cinematográfico. Autor de roteiros poderosos, finamente elaborados, que ganhavam formas arrebatadoras na tela, ele foi um pensador, um questionador da existência humana. Tratou da morte, do amor, da religião, do sofrimento, dos relacionamentos. Nunca o cinema foi tão forte, tão importante, quanto nas mãos dele. Jean Claude Carriere, roteirista e estudioso do cinema, chegou a afirmar que, no futuro, os filmes de Bergman serão estudados como material filosófico.

Antonioni, ao contrário, produziu em uma Itália que respirava cinema. As décadas de 50 e 60 foram especialmente profícuas para a produção italiana, e lá estava ele, ao lado de Fellini, Pasolini, Visconti e outros, fazendo o “melhor cinema do mundo”, como gosta de dizer Rubens Ewald Filho, em relação a esse período. Em 1960, quando o neo realismo ainda reverberava pela Itália, Antonioni iniciou sua “Trilogia da Incomunicabilidade”, formada por A Aventura, A noite e O Eclipse, rompendo com a crítica social de seus compatriotas e propondo um cinema de questões existenciais. Sua câmera bailava com elegância entre as locações, flagrando aqueles personagens perdidos dentro de seus próprios conflitos. Nessa época, o diretor revelou a atriz Mônica Vitti que, além da trilogia, apareceria ainda no belo Deserto Vermelho. Em 1966, lançou o riquíssimo Blow Up, filme que o consagrou definitivamente. Na década de 70, lançou Zabriskie Point, que conta com trilha musical do Pink Floyd, e Profissão:Repórter, com Jack Nicholson, que seria seu último grande sucesso. Continuou filmando com a competência de sempre até 2004, quando participou de Eros, ao lado de Wong Kar Wai e Steven Soderbergh.
Mais do que diretores, Bergman e Antonioni foram artistas, no sentido mais pleno da palavra e, sem dúvida, responsáveis pela consolidação da arte cinematográfica. O cinema, plataforma jovem, vê partir agora sua primeira geração de mestres, aqueles que souberam enxergá-lo sob uma ótica revolucionária, compreendendo totalmente suas possibilidades de expressão estética, narrativa e social. É claro que, não podemos esquecer, Resnais, Godard e Oliveira estão entre nós, ainda filmando, fortes como nunca (e que fiquem assim por muito tempo). Mas já testemunharam a partida de grande parte de seus colegas, realizadores máximos de sua arte. A Ingmar Bergman e Michelangelo Antonioni, que descansem em paz, o cinema agradece por tudo. :)

Arrivederci, Antonioni...

2007-07-31T15:54:00.000-03:00

Farväl, Bergman

2007-07-30T10:41:00.000-03:00

“...probably the greatest film artist, all things considered, since the invention of the motion picture camera.” (Woody Allen, 1988)

Faço minhas as palavras de Allen.

:(

Cobertura: Magic Numbers em São Paulo

2007-07-28T22:35:00.000-03:00

Há cinco anos, eu nunca imaginaria que um dia estaria presente a um festival chamado “Indie Rock”. Pois é, o tempo passa e lá estava eu, na última quinta feira, no Via Funchal, pronto para conferir a apresentação do Magic Numbers.

Resolvi assistir ao festival inteiro, coisa que dificilmente faço, devido um probleminha chamado impaciência. Mas tudo bem, afinal, seriam apenas duas bandas antes do headliner, sendo que uma delas já me despertara certo interesse. Cheguei ao local faltando cinco minutos para a hora marcada, e rapidamente adentra o palco a banda carioca Mop Top. Após ter escapado da apresentação deles na abertura do show do Keane, paguei minha dívida com a banda. E o show até que foi interessante, sendo que logo na primeira música compreendi porque alguns os chamam de Strokes brasileiro. Realmente, apesar das letras cantadas em português, é impossível não lembrar da “matriz” norte americana. Meia horinha bem aproveitada, com destaque para o guitarrista, que puxou alguns riffs bastante empolgantes.

Dez minutos de intervalo, e Hurtmold entra no palco. E... que beleza! Surpreendente o show desses paulistas, representantes do post rock, gênero capitaneado por bandas como Tortoise, Godspeed You Black Emperor, Explosions in the sky, entre outras. Esse estilo (normalmente) abdica dos vocais, e suas mensagens são expressas apenas instrumentalmente. Passeando por diversos tipos de música, do reggae ao jazz, a banda mostrou-se muito competente, sendo capaz de unir muito feeling com um trabalho invejável de groove (contando com um baterista, muito bom, e dois percussionistas). Seguindo a risca a proposta do seu gênero, as canções despertavam a euforia nos presentes a cada novo arranjo. Apostavam em momentos de tensão para, depois, alcançarem a liberdade, com belíssimas melodias. Eu gostaria de ver o show completo dessa banda, deve ser uma experiência das mais valiosas.

Surpresa agradável, mas todos os presentes estavam ali para ver o Magic Numbers, que demorou quase quarenta minutos para aparecer, com aquela frasezinha que sempre gela a espinha dos fãs: “Hello São Paulo, we are The Magic Numbers!”, seguida pela animada “This is a song” e, no pique, “Take a Chance”. Sem frescuras, nada de cenário, figurinos chamativos ou jogos alucinantes de luz. Apenas quatro músicos talentosos, seus instrumentos e muita empolgação. Rock dos mais cativantes, calcado nos clássicos, divertido até a última nota (ou "rock fofinho", como li em alguma resenha).

Logo na seqüência, surpreendentemente, executam suas duas músicas mais conhecidas: “Forever Lost” e a simpaticíssima “Love’s a Game”, em que a participação do público arrancou sorrisos de satisfação (e de surpresa) do líder Romeo Stodart. A simpatia desse rapaz fez com que rapidamente esquecêssemos o preço do ingresso. Ele estava tão alegre e tão a vontade que parecia estar se apresentando para um grupo de amigos. Antes de Slow Down (que “abrigou” um cover de Running up that hill, da Kate Bush), por exemplo, ele esperou o silêncio da platéia, perguntou se o baterista estava pronto, só para depois, desengonçado, bater sua guitarra na estante do microfone, fazendo um barulho enorme e caindo na gargalhada. Empolgação que vêm do sangue, pois sua irmã, Michelle, também não parou quieta, pulando, saltitando incansavelmente, castigando seu baixo, em uma performance que deixaria Melissa Auf Der Maur com inveja.

A canção “Which way to happy” foi oferecida às outras bandas do festival, que receberam elogios veementes do vocalista (e o Hurtmold ainda ganhou um “Yeah!” de Michelle). Segue então uma homenagem carinhosa ao Brasil, com um cover inesperado de Baby, canção de Caetano Veloso, que também ganhou notoriedade nas mãos dos Mutantes. Apesar de a maioria dos presentes desconhecer a música, foi um dos pontos altos do show, com Romeo arriscando um português meio enrolado.

O único defeito do show foi o som, que estava muito alto e, em alguns momentos, perdia definição. Os vocais de Ângela Gannon, nos momentos mais agudos, acabavam estourando, o que prejudicou a clareza de algumas execuções. Nada que tenha estragado a festa, porém. Em “Undecided”, por exemplo, em que a moça assumiu o microfone principal, sua voz doce encheu o público de emoção. Extremamente tímida, do tipo que um simples “thank you” parecia lhe corar a face, Angela traz um brilho todo especial para banda, quando reveza o vocal principal com Romeo. Em “I see you, you see me”, apenas três versos cantados por ela foram suficientes para despertar a vibração da platéia. Seu irmão, o baterista Sean, é sem duvida o mais apagado, mas ao menos teve um desempenho seguro.

Algo que deve ser ressaltado é a coesão da apresentação, algo que falta a muitas bandas importantes. O Magic Numbers tocou por quase duas horas, e em momento algum o show ficou cansativo, devido, principalmente, à escolha precisa do repertório. As músicas mais tranqüilas, como “You never had it”, soavam tão bem quanto as mais rápidas, que ao vivo ficaram ainda mais aceleradas, como “Runnin Out” e “Long Legs” (“I’ve been having too much fun.... tooooo much fun!”). Da mesma maneira que “Love me like you” lavou a alma de todos, com seu belo refrão, a acústica “Wheels on Fire” serviu para abrandar um pouco o clima. Enquanto isso, a música nova, “Fear of Sleep”, muito boa (muito mesmo), plantou nos fãs uma expectativa enorme em relação ao novo EP, a ser lançado em setembro.

Na última seqüência, a trabalhada “Mornings Eleven” resumiu a apresentação, ao reunir quase todas as características da banda (inclusive, se algum leitor não conhece a banda, comece por essa música). Nesse momento já começava a bater um sentimento nostálgico pois, com todos os “clássicos” já executados, o show rumava para seu fechamento. Momento oportuno para mais um cover. Beach Boys? Smiths? Simon & Garfunkel? Nada disso, a canção escolhida foi “Crazy in Love”, da cantora/atriz/cabotina Beyonce Knowles. Uma homenagem um tanto irônica, em minha opinião. Mas é claro que a música ganhou uma roupagem toda magicnumberiana e até que ficou bonita. Para fechar, tocaram “The Beard”, música que não aparece em nenhum disco da banda, sendo apresentada apenas nos shows. Muito divertida, com um clima country, colocou toda a pista para dançar, fechando animadamente o Festival Indie Rock.

É uma pena que esse belo evento tenha sido presenciado por menos de 2000 pessoas (segundo informação oficial). A banda é “pequena”? Claro que não, só acho que veio cedo demais. E talvez seja exatamente isso que tenha tornado essa apresentação tão especial, de modo que será lembrada com carinho por todos os presentes. Números mágicos que coloriram a cidade (ou parte dela). ;)

Set List

This is a song; Take a Chance; Forever Lost; Love’s a Game; You Never had it; Which Way to Happy; Baby; I see you, you see me; Runnin Out; Fear of Sleep; Slow Down; Undecided; Long Legs; Love me Like you; Wheels on Fire; Mornings Eleven; Crazy in Love; The Beard

Fotos: Uol, Terra e La Follia

You Tube: http://www.youtube.com/watch?v=-FWADP8IeKI http://www.youtube.com/watch?v=LOEEW2lPYpQ

O gênio de LOST

2007-07-24T23:37:00.001-03:00

por Rafael Colin

A expressão corporal. O mais complexo e difícil ato de se controlar, em uma atuação cênica. São tantos os grandes atores, que nos brindaram com tantas e tantas belas interpretações, ao longos dos anos. Alguns, sem receber seu devido valor.

Evidente que os fãs de Lost, atentos a todos os mínimos detalhes da série, devem ter notado uma atuação tão fantástica, de um ator tão completo, que, de forma estarrecedora, se encaixa nos mais complexos temas, sempre com maestria. Aos que não viram o gênio em Lost, talvez tenha visto em Kill Bill, de Tarantino, igualmente impecável. Há, claro, aqueles que o julgam por Austin Powers, um filme feito de forma desesperada, a fim de ganhar dinheiro e nome na indústria cinematográfica, a fim de se manter na grande mídia.

Nada que tire tanto brilho. Uma pequena homenagem, a um pequeno grande ator.

Nas Locadoras...

2007-07-17T19:46:00.000-03:00

Quer alugar um filmão, mas perto da sua casa só tem Blockbuster??? Aí vão três sugerimentos de bons filmes que você achará em qualquer locadora....

Pecados Íntimos foi um filme cercado de expectativas, por ser o segundo trabalho do ator Todd Field na direção, após sua arrebatadora estréia com Entre Quatro Paredes. E não deixa a desejar, sendo tão poderoso quanto o anterior, possivelmente até mais profundo. Originalmente chamado "Little Children", o filme se passa em um típico bairro residencial de alta classe dos EUA, onde os maridos saem para trabalhar e deixam as esposas cuidando das crianças. Dentro dessa rotina, o parque das redondezas torna-se o ponto central da diversão dos filhos e das fofocas das mães. É lá que Sarah (Kate Winslet), uma mãe desajeitada e displicente, conhece Brad (um pai que cuida do filho enquanto a esposa os sustenta), com quem iniciará uma aventura amorosa, para horror das outras mães. Ao mesmo tempo, um pedófilo recém saído da cadeia retorna ao bairro, para morar na casa da mãe, causando reações histéricas nos moradores. É interessante como o roteiro consegue manter essas duas tramas sem perder os focos, e como elas evoluem juntas e acabam trazendo uma unidade muito forte ao filme. Uma produção importante, que faz pensar.
Ponte para Terabítia é um filme surpreendente. Vemos o cartaz e pensamos que não passa de mais uma aventurazinha infanto juvenil. Depois, assistimos ao trailer e parece que se trata de uma versão menor e mais light de O Labirinto do Fauno. Ok, ambas as percepções possuem um fundo de verdade. Mas é inimaginável a coragem e a “verdade” que seus realizadores esbanjam na trama. Dirigido por Gabor Csupo, criador do desenho “Os Anjinhos”, Ponte para Terabítia tem como protagonistas o menino Jesse e a menina Leslie, dois estudantes que sofrem com as brincadeiras de mau gosto dos coleguinhas. Obviamente incomodados, encontram na fantasia uma maneira de esquecer a escola e até de se vingarem de seus detratores. Parece bobo? Talvez, mas tudo faz sentido quando chegamos ao desenlace final do filme, que mostra uma maturidade e uma liberdade incríveis por parte dos roteiristas e do diretor. Assistam com cuidado!
Li em algum lugar que “Mais Estranho que a Ficção” poderia se chamar “Quero ser Charlie Kaufman”. Isso porque tem um roteiro inovador e pretensamente maluco, aos moldes do nova-iorquino criador de Quero ser John Malkovich e Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças. É o seguinte: Harold Crick (Will Ferrell, sempre chato, mas eficiente nesse caso) é um agente do Imposto de Renda que, certa manhã, ouve uma voz de mulher, vinda do nada, narrando suas ações. Após alguns instantes de desespero, ele descobre que, na verdade, não passa de um personagem de um livro, e a voz pertence à autora da obra, à sua criadora, portanto. Sabendo que seu destino não lhe pertence, ele vai atrás da escritora, com o objetivo de dar um fim àquela manipulação. A direção do filme fica com o versátil Marc Foster (que fez o bom “Em busca da Terra do Nunca”, mas se deu mal ao brincar de “Quero ser David Lynch”, em “A Passagem”) e o roteiro é de Zach Helm que, se realmente quer ser Charlie Kaufman, vai ter que praticar mais, porque “Mais Estranho que a Ficção”, por mais interessante que seja, apresenta falhas na amarração da trama e algumas soluções discutíveis. É uma boa diversão, porém.

Sing mit mir, Sao Paulo

2007-07-17T16:25:00.000-03:00

4 de outubro, Credicard Hall

Espaço aberto para o metal

2007-07-10T17:21:00.000-03:00

Não tenho dado muito espaço para o heavy metal/hard rock aqui no blog. Então escolhi alguns lançamentos para comentar. Alguns são bem recentes, outros nem tanto. Mas são os últimos trabalhos de bandas importantes do cenário atual.

Angra _ Aurora Consurgens – Precisa rever alguns conceitos. Pior disco da carreira, disparado. Muito brábrábrá e pouco conteúdo. Acho que eles precisam desaprender seus instrumentos.

Cradle of Filth _ Thornography – deram uma bica no tal de Black Metal. Mais lento, mais leve e mais pop. Tão legal quanto antes.

Dimmu Borgir _ In Sorti Diaboli – Sem grandes novidades, mas gostei! Destaque para os vocais sempre certeiros de Vortex. Mas o clássico ainda é o Puritanical...

Dream Theater _ Systematic Chaos – Não gosto, não! Acho que também é o pior disco da carreira deles. Modernoso e sem graça. James Labrie atingiu o auge da chatice. Acho que está na hora de colocar os pezinhos no chão.

Michael Kiske _ Kiske – bem, esse não é um disco de metal, mas é de um ex-“metaleiro”. É totalmente pop. E é o melhor disco da carreira do moço. Sensível e agradável, mostrando que a bela voz de Kiske não precisa de dia das bruxas.

Megadeth _ United Abominations - uma tentativa de voltar aos tempos de Youthanasia. Eficiente, mas ainda falta a inspiração de outrora. A nova versão de A Tout lê Monde é totalmente desnecessária.

Ozzy Osbourne _ Black Rain – quem diria, né? Melhor disco comentado aqui, sem dúvida! O tempo passa e o homem continua dominando o cenário. A dupla Ozzy e Zakk começa a fazer história. Imperdível para qualquer fã de rock.

Pink Cream 69 _ In10sity – Mesma fórmula, mesma eficiência. Hard rock sem frescura. Rockeiro e divertido. Bom como sempre.

Scorpions _ Humanity – inferior ao Unbreakable, mas ainda assim bastante interessante. Grande trabalho guitarrístico e refrãos inesquecíveis. Gostei da participação inusitada do Billy Corgan. Scorpions merece mais do que três linhas, em breve faço uma resenha decente.

Sirenia _ Nine destinies and a Downfall – Xiiii... onde está o Sirenia de “At sixes and sevens”? Decepção, muito fraco.

Symphony X _ Paradise Lost – Bacana! Vibrante e poderoso. Varia do agressivo ao sutil com maestria, sem perder o "punch". Alguém tem que dar esse disco pros caras do Angra. Algumas músicas soam como Yngwie Malmsteen, porém.

Therion _ Gothic Kabbalah – Escreverei um post sobre esse disco, acho que vale a pena. Basta dizer que é bom!

Tristania _ Illumination – Confesso que eu andava meio desanimado com a banda, devido aos últimos trabalhos. Mas esse aqui é muito, muito bom! Privilegiaram os vocais limpos, tipicamente góticos, e deixaram o gutural um pouco de lado. Apostaram em um som mais orgânico, com menos experimentações. Surpresa agradável. Os mestres do gothic metal estão de volta!

Within Temptation _ The heart of Everything – Mas hein? Evanescence Sinfônico? Nope, não gostei, não! Prefiro o disco anterior…

Sugerimento: Caché

2007-07-05T19:51:00.000-03:00

Como o leitor deve ter percebido, este que vos escreve passa por um bloqueio criativo. Por isso, para não deixar o blog abandonado, posto um sugerimento de filme, sem rodeios.

Caché é um dos grandes filmes dos últimos anos. Lançado em 2005, foi o filme que trouxe o diretor Michael Haneke à superfície (ok, nem tanto), ao ser exibido em boa parte do circuito cinematográfico (paulista, ao menos), chegando até aos multiplex. Não que agora Haneke seja extremamente conhecido, bem longe (beeeeeeem longe) disso, mas ao menos seu trabalho foi visto e reconhecido. Vale lembrar que os interessados podem achar o filme na Blockbuster.

É um filme que beira a perfeição. Haneke é um diretor muito interessante, que não faz concessões, mas que em momento algum apela para sanguinolência. Caché tem apenas uma ou duas cenas mais "fortes" e, ainda assim, perturba mais do que qualquer um dos Jogos Mortais. Evidentemente, a obra transcende o choque, e tem seu principal foco, ao meu ver, na "culpa". É por isso que torna-se tão universal (apesar da referência evidente a um conflito colonial), tão pertinente e ainda mais aterradora.

Como isso não é uma crítica, dou-me a liberdade de ocultar a trama. Espero que o leitor assista, e depois exponha suas percepções. Em breve tentarei escrever um texto mais analítico e concreto. Por enquanto, só digo que, se você tem mania de perseguição, ela vai piorar. Se não tem, terá. Conseqüências de uma obra prima.

* Caché é Top TEN ;)

Parem as máquinas!

2007-06-26T15:59:00.000-03:00

Atenção, parem as máquinas! Meeeu deeeus!
A atração está confirmada! O show do ano!

Tim Festival apresenta:
björk

Onde está o box dos Arnold?

2007-06-25T15:18:00.000-03:00

A chegada da televisão a cabo alavancou consideravelmente o consumo de séries norte americanas pelos telespectadores brazucas. Existem aqueles que passam o fim de semana inteiro ligados na Warner Channel, na Sony, e na AXN, mais recentemente. Consequentemente, a demanda passa também para o mercado de DVD’s, de modo que as locadoras e as megastores encheram suas estantes com caixinhas coloridas e chamativas, para a loucura dos viciados. Assim, em meio a esse mar de personagens, que nos encaram nos corredores das lojas, perguntei-me, certo dia: “Onde está o box dos Arnold?”
Quem nunca se emocionou ou gargalhou assistindo Anos Incríveis? Quem nunca se identificou com as aflições adolescentes de Kevin Arnold e seus amigos? Pois é, a série marcou uma época. Não tinha gente sendo aberta na maca do hospital, nem cidade cheirando a picles, nem rapazes derrubando paredes com espirros, muito menos adolescentes riquinhos desfilando clichês alaranjados. Para Kevin, “os outros” eram os adultos, preocupados com contas a pagar e dizendo frases como “um trabalho é um trabalho!”. Tanto é assim, que, quando o protagonista atingiu a maturidade, a série acabou. Acabou junto com os anos incríveis do garoto.

Anos Incríveis tinha, como principal foco, a vida cotidiana de Kevin. Assim, acompanhamos o primeiro dia no ginásio, o primeiro beijo, a primeira namorada (que não é a mesma do primeiro beijo, lembrem-se bem), os conflitos com os pais, as camaradagens e as discussões com os amigos, entres várias outras situações. Como pano de fundo, uma impressão extremamente realista do subúrbio norte americano nas décadas de 60 e 70, com direção de arte e figurino impecáveis, fatos e questionamentos de grande pertinência para a época (Karen Arnold, a irmã, era uma autêntica hippie, por exemplo).

Nessa jornada, acompanham o protagonista, sua amiga/namorada Winnie Cooper que, nas primeiras temporadas era apenas uma nerdinha, mas se torna uma adolescente extremamente enjoada (basta lembrar das caras de nojo que ela fazia quando Kevin dizia algo que a desagradava), e seu melhor amigo Paul Pfeiffer, outro nerdinho cheio de alergias, que também acaba ficando meio chato na segunda metade da série (vejam bem, não estou criticando a construção do personagem, mas o personagem em si, como “pessoa”). Antes que alguém comente, não, Pfeiffer não era interpretado pelo fanfarrão Marilyn Manson (que, vale a informação, tocará no Brasil em setembro). O próprio rockstar (hehehe...) alega que, se tivesse participado de Anos Incríveis, teria atuado como Winnie, não como Paul (faz sentido).

Curioso observar que nenhum dos atores da série conseguiu se manter na mídia. Fred Savage (Kevin), por exemplo, fez uma ou outra série, apareceu em alguns filmes, mas não emplacou (claro, tem muita gente por aí que acha que Kevin é real e, vendo-o em outra série, muda de canal, fingindo que nada aconteceu). Danica McKellar, a Winnie, atuou em The West Wing, e acaba de lançar uma vídeo-aula (dvd-aula, na verdade) de matemática (será que ela faz cara de nojo quando o aluno erra um cálculo?). Os outros sumiram. Entre as participações “especiais” (que na época não eram tão especiais assim), tivemos Ross Geller e Juliette Lewis, citada no post anterior.

Mas afinal, onde está o box dos Arnold? Fiz a pergunta para uma colega especialista em séries e ela, gentilmente, esclareceu minha dúvida. Aquela perfeita representação da década de 60 e 70, já citada, trazia também uma trilha sonora recheada de grandes e importantes bandas, entre elas Rolling Stones, The Beatles, Chuck Berry, Jimi Hendrix, entre muitos outros. Poucas canções foram compostas originalmente para o seriado; na verdade, apenas algumas vinhetinhas de violão (belíssimas). Consequentemente, para o lançamento da caixa de DVD’s, é necessário que os responsáveis negociem os direitos autorais dessas músicas. Considerando que alguns dos compositores já faleceram, algumas negociações devem ser feitas com os familiares, o que, sabe-se, não é das tarefas mais simples. Assim, o box dos Arnold vai sair, sim, mas apenas daqui alguns anos.

Enquanto isso, desliga essa TV e vai pro cinema!.... hehehe, brincadeira, tah ;)

Agora, sim! Scorpions em São Paulo!

2007-06-25T15:10:00.000-03:00

Confirmado o show do grande Scorpions, para dia 14 de agosto, no Credicard Hall. Agora, sim!

Tim Festival tomando forma...

2007-06-20T15:07:00.000-03:00

Segundo semestre é época de Tim Festival. Semana passada o cast começou a ser divulgado. Vejamos quem vem aí no final de outubro!

Arctic Monkeys - Um início um tanto apático, na minha opinião. Não entendo porque festejam tanto essa banda. Já ouvi gente dizendo que eles iniciaram um novo estilo de rock. Não concordo, acho que não passa de uma bandinha comum, sem grande destaque no cenário atual. Mas tem bastante admiradores, deve agitar o festival.

The Killers - Melhorou, hein! Não sou muito fã do primeiro disco, mas gostei do novo, Sam's Town. O som evoluiu, ficou mais trabalhado e parece que foi composto com mais cuidado. Apesar do vocal de bêbado, "muito em voga" atualmente, acho bacana essa banda. Não é nenhum Arcade Fire (e quem é?), mas gostei da escalação.

Juliette and the Licks - Olha só! Juliette Lewis também virá, com sua banda. Para quem não lembra, Juliette é atriz, trabalhou com Scorsese, Woody Allen e estourou com Oliver Stone, em Assassinos por Natureza. Musicalmente? Rock sujão, old school, com umas pitadas de punk e uma ou outra referência mais pop. Show interessante.

Antony and the Johnsons (a confirmar) - Aí, sim! Gosto bastante do trabalho desse moço (?). Basicamente piano e voz, melodias melancólicas para sustentar suas letras sofridas, nostálgicas, extremamente pessoais. Uma das boas revelações dos últimos anos. Espero que venha mesmo.

Cat Power (a confirmar) - Cat Power, na verdade, limita-se a vocalista Chan Marshall, que une alguns convidados para as apresentações. Ainda pouco conhecida no Brasil, a moça faz um som tranquilo, um tanto folk, com violinos, slide, etc. Representará, ao lado do Antony, a vertente menos rockeira, mais introspectiva do festival.

Uma seleção interessante, contando com duas bandas relativamente estabilizadas no mercado (Arctic Monkeys e The Killers), duas em ascensão (Juliette e Antony) e uma ainda um tanto desconhecida, mas com certo potencial. Falta ainda A grande atração, que já tem nome, mas ainda não assinou (prefiro não dizer quem é, para não dar azar, mas acho que o leitor sabe de quem se trata). Além do headliner, alguns boatos dizem que mais uma banda, do estilo do Killers, pode ser confirmada em breve ( i predict a ri... digo...). Resta saber quem vem para São Paulo e quem fica só no Rio. Espero que A atração venha para SP, porque eu não estou muito afim de viajar... mas...

Números Mágicos para colorir a cidade!

2007-06-19T14:38:00.000-03:00

São Paulo recebe, no dia 26 de julho, o primeiro Festival Indie Rock, que terá como principal atração uma das bandas mais simpáticas do rock atual, The Magic Numbers. Certa vez, um amigo me disse: "Impossível não gostar do Magic Numbers". Eu concordo. Os gorduchos fazem um som redondinho (hihihi...), açucarado, extremamente cativante. Suas músicas trazem um "espírito" de classic rock, e ao mesmo tempo, possuem um frescor único, dentro da cena "indie". Honestamente, não sou capaz de indicar bandas que façam um som semelhante ao deles. The Shins e The Thrills passam-me pela cabeça, mas creio que estes apostam em outros estilos. Alguns falam em The Mamas & The Papas do século XXI, mas creio que seja mais pela formação do que pelas músicas. Também não quero dizer que são "inovadores", porque seria exagero de minha parte. O Magic Numbers traz uma proposta nova, sim, mas aposta também em alguns clichês, e nem por isso deixa de ser interessante. Contando com vocais masculinos e femininos, ambos bastante agradáveis, eles trafegam entre baladinhas românticas e canções mais rapidinhas, sem nunca perderem o jeito Magic Numbers de ser. O showzinho, que acontecerá no Via Funchal, e contará também com as bandas Moptop (de novo?) e Hurtmold (???), deverá ocorrer no melhor clima de "paz e amor", repleto de canções alegrinhas, para colorir a noite de São Paulo.

Para quem ainda não conhece, aí estão eles, tocando no Jools Holland:

http://www.youtube.com/watch?v=HVL5TB4o4Kk&mode=related&search=

Apple, por Canonicos Produções

2007-06-15T23:14:00.001-03:00

Poucos sabem disso, mas antes da obra prima Televidão, a Canonicos Produções atuou na produção de filmes publicitários. O presente vídeo, da Apple, é um dos mais aclamados, ao lado do da Tabasco (em breve).

We will rise again!!!!!!!

2007-06-13T01:08:00.000-03:00

Só faltam as datas...

Sugerimento: Rush_Snakes & Arrows

2007-06-09T00:06:00.000-03:00

por Guilherme Nishiura

Snakes & Arrows é o novo álbum do Rush e traz a banda dando continuidade à sonoridade de discos como Counterparts e Test for echo. Também é possível detectar algo do injustiçado Vapor Trails em suas 13 faixas como a guitarra inflamada de Alex Lifeson e as levadas criativas e espontâneas de Neil Peart. A voz inconfundível e o baixo sempre onipresente de Geddy Lee marcam o espírito do álbum junto com belos arranjos de violões em quase todas as faixas. Trata-se de um disco otimista e descontraído feito por músicos inspirados e felizes, como todas as músicas deixam transparecer ao longo do álbum. Que venham outros!

Abaixo um faixa a faixa:

Far Cry – Riff poderoso que chega a lembrar o clima do álbum Counterparts com uma linha de baixo sensacional. Uma ótima abertura para mostrar que o Rush continua detonando. Uma curiosidade: o acorde antes da entrada do riff lembra muito o usado na abertura do clássico Hemispheres

Armor and sword – música que poderia estar no disco solo de Geddy, My favorite headache, com uma levada original de grande presença de Neil

Workin’ them angels – traz de volta o clima de Test for echo (o álbum) essa semi-balada permeada por belos violões e bandolins

The larger bowl – grande trabalho vocal de Geddy rodeado novamente por violões numa faixa quase acústica. Alex brilha com um solo curto de guitarra meio “old school” e cheio de feeling. Linda.

Spindrift – falando em clima, essa exótica música lembra um cruzamento entre Counterparts e Vapor Trails ( o álbum) com um riff à la Tony Iommi.

The main monkey business – brilhante instrumental com um quê de prog e fusion. Violões fazem a cama para um riffão inspirado de Alex e Neil roubando o show com as mudanças de andamento. Ótima.

The way the wind blows – começa com um clima “bluesy” ( meio Clapton ) seguida por levada rockeira com guitarras e violões grandiosos e um acento “folk rock” eletrificado. Uma das melhores do álbum

Hope – instrumental curta com o violão de Alex num clima meio southern rock

Faithless – violões e guitarras conduzem essa música um tanto quanto profética com belo solo de Alex. Poderia estar no Vapor Trails

Bravest Face – essa faixa possui um estilo diferente de qualquer coisa que o Rush já fez. Meio blues devido ao solo de Alex ( o que esse cara tá tocanco é brincadeira ! ), meio folk pelos violões e uma linha de voz bastante original. Boa música

Good news first – música mais arrastada mostrando um Rush antenado com o som das bandas desse começo de século. Violões e guitarras se misturam criando texturas interessantes.

Malignant Narcissism – Geddy detonando no baixo enquanto Neil empolga com suas viradas incríveis. YYZ do século XXI ?

We hold on – novamente o clima “ Counterparts – Test for Echo” aparece nessa faixa bem guitarreira com Alex ( de novo ? ) roubando o show com suas microfonias e links bem executados enquanto Neil detona a bateria

Nota: 8,0

Sugerimento: Björk_ Volta

2007-06-05T19:14:00.000-03:00

Volta. Björk não explica o porquê do nome. Expõe alguns significados, mas nenhum capaz de unificar o disco. Dança Africana? Até faz sentido, mas não é isso que procuramos. É possível entender “Volta” levando em consideração a idéia de retorno mesmo. Terá Björk pensado nisso? Não posso afirmar, não li nada a esse respeito. Mas, em minha opinião, a “volta” parece clara. O disco marca uma retomada da Björk vibrante e serelepe que coloriu os três primeiros discos. Vespertine e Medulla são discos encantadores, mas são mais etéreos, apostam no ambiente em detrimento do ritmo. Sabe-se que essa postura tem a ver com o momento da cantora que, na época de composição dos álbuns, encarava a maternidade pela segunda vez, de modo que ambos foram gravados em sua residência, o que pode ter resultado no intimismo de Vespertine e no experimentalismo quase lúdico de Medulla.

No novo álbum, ela volta a explorar a “world music” e diversos estilos musicais, para a criação de músicas mais concretas. Ritmos africanos, referências orientais, hip hop. A música "Declare Independence", é uma manifestação indignada e esquizofrênica, que chega a soar quase como uma versão light do Atari Teenage Riot. Ao contrário de "My Juvenile", em que o instrumental minimalista serve de base para o vocal sofrido da cantora, que faz uma espécie de "mea culpa", possivelmente em relação à criação de seu primeiro filho. Já "Wanderlust", uma de minhas preferidas, remete-nos ao álbum Homogenic, principalmente à famosa "Joga".

Volta tem suas baladinhas, como todos os discos da islandesa, mas é marcado pelas músicas mais uptempo, valorizando sempre a base rítmica, o que pode ser provado logo na primeira música, a poderosa Earth Intruders, com suas características tribais. Essa canção é um dos resultados da parceria entre Björk e o produtor de hip hop e rap Timbaland, que aparece justamente para acentuar essa questão de “beat” do disco. As outras músicas que contam com a mão do rapper são Innocence, em que sua participação é clara no groove especialmente sampleado e Hope, mais discreta.

Outro fato que chama a atenção em Volta são os duetos que Björk faz com Antony Hegarty, líder do bom Antony and the Johnsons. A voz de Antony me causa a mesma impressão que tive quando comecei a conhecer o Morrissey. De início, o vocal me pareceu extremamente afetado, muito manhoso. Mas após ouvir suas canções com cuidado e sem preconceitos, o que antes parecia afetação, passou a soar como feeling e personalidade (isso é indiscutível, Antony é extremamente autêntico). Muito agradável ouvir o tom aveludado do moço ao lado da voz sempre irrequieta de Björk. Destaque para a emocionante “The Dull Flame of Desire”, cuja letra é a tradução de um belo poema de Fyodor Tyutchev.

Como eu disse no post anterior, a Björk é sempre brilhante. Carreira solo, trilhas sonoras, disco de jazz, Sugarcubes, e suas outras bandas de adolescente. É uma daquelas pessoas privilegiadas que vão e voltam, experimentam incessantemente, e sempre acertam. Desses acertos desordenados ela conseguiu criar uma personalidade marcante. Volta, ao mesmo tempo em que retoma, também avança e faz novas proposições. Se não fosse assim, não seria Björk.
PS1: Muito chata essa história de “versão latino americana” do disco. Qual a razão de fazer uma capa alternativa para a América Latina? Além disso, o tamanho da fonte utilizada na transcrição das letras é, no mínimo, cruel. Essas gravadoras, viu... Lamentáveis!

PS2: Para quem quiser conhecer Antony and the Johnsons, indico especialmente o disco I am a Bird now, e a música My lady story.

PS3: A versão original (em russo) do poema que deu origem a "The Dull Flame of Desire" é narrada em off no filme Stalker (1979), de Andrei Tarkovski. Fica também o sugerimento desse belíssimo filme, um dos meus preferidos de todos os tempos. Agora eu gosto ainda mais da Björk! :)

Ela está de Volta!

2007-06-01T20:59:00.001-03:00

Pronto! Para quem não sabia o que significava o post "Volta" (post ou volta? :P), está respondido.

Ela está de Volta, brilhante como sempre.

We are the Earth Intruders!
We are the Earth Intruders!
AAAAAAAAAAAHHHHHHHHHH!

Scott Soto vem aí...

2007-05-31T19:54:00.000-03:00

É verdade, agora já está certo! O Talisman toca em São Paulo no dia 6 de julho, no Clube Ipê! Interessante que essa pode ser a última apresentação da banda, já que, após a tour, Jeff Scott Soto passará a se dedicar exclusivamente aos vocais do Journey (espero que passem pelo Brasil também!). Para quem não conhece, Scott Soto é uma figura importante do rock/hard rock das últimas décadas. Além do Talisman, ele fez certa fama cantando com o gorducho, mau caráter, gênio da guitarra Yngwie Malmsteen. Mantém uma carreira solo de respeito e lançou um belo disco com o Soul Sirkus, ao lado de Neal Schon (Journey). Ganhou notoriedade também por suas interpretações de músicas do Queen, que renderam um DVD (Live at the Queen Convention) e milhares de elogios de Brian May. Também é o dono da voz que ouvimos nas músicas do Steel Dragon, banda fictícia criada para o filme Rock Star (com Mark Wahlberg). Show imprescindível para vocalistas e apreciadores do bom hard rock.

Sobre idéias e realizações

2007-05-30T11:20:00.000-03:00

A transformação de pensamentos e elucubrações em algo palpável, exeqüível, é uma das maiores dificuldades do homem. Seja por falta de entusiasmo e/ou capacidade de transformar suas idéias em realidade, seja por medo, de quebrar o encanto, do real não ficar tão bom quanto o imaginado.

Segundo Platão, em sua Teoria das Formas, o mundo concreto não passa de uma pálida reprodução do mundo das idéias. Ou seja, cada objeto existente participa, junto com seus semelhantes, de uma idéia perfeita. Por exemplo, um chapéu tem definido seu formato, cor e marca, que o difere de outros chapéus. Todavia, independentemente desses atributos, todo e qualquer chapéu tem o mesmo fim: cobrir a cabeça, enfeitar, enfim, ser chapéu. O que há de permanente em um objeto é a participação desse objeto na sua idéia correspondente. E a mudança ocorre porque esse objeto não é uma idéia, mas uma incompleta representação da idéia desse objeto.

Outrossim, o ser humano é a representação da idéia de ser humano, com suas minúscias e peculiaridades. O campo das idéias possui tal complexidade para os seres humanos, única e exclusivamente. Um chapéu não possui capacidade de chegar a plenitude do ato de ser chapéu, pois é inanimado. O homem, igualmente, não possui tal capacidade, mas em virtude de suas fraquezas e confusões. Nunca chegaremos a suposta plenitude do ser humano exatamente por não conseguir colocar em prática nossas idéias. Neste caso, inclusive, por intangibilidade de atingir tal capacidade.

O fato é que, a concretização das idéias é um fim longe do alcance. Não importando os meios para nele chegar, os esforços e tentativas feitas, jamais haverá competição entre o inteligível e o sensível. É uma disputa injusta. Nossa capacidade de elocubração é sem precedentes. Nossa capacidade de realização é, indubitavelmente, infinitamente inferior. Isso implica em um fim, mesmo que não seja o pretendido.

Tudo tem um fim. Apenas a salsicha tem dois. (Proverbio Alemão)

Agradecimentos:
Platão
M.C.Escher (pela inpiração à imagem)

Todos amam Morricone... e você?

2007-05-25T18:07:00.000-03:00

Ano agitado para Ennio Morricone. Ganhou o prêmio honorário da Academia, visitou o Brasil pela primeira vez. E ganhou esse tributo, We All Love Ennio Morricone, em que diversos artistas prestam-lhe homenagem, fazendo versões de algumas de suas principais composições. A seleção poderia ter sido melhor, mesmo porque acredito que inúmeros músicos ficariam honrados em participar do projeto. Ainda assim, entre algumas versões esquecíveis, o disco traz releituras bastante interessantes.

A primeira canção é "I knew I loved you", que é, na verdade, Deborah's Theme (Era uma Vez na América) cantada com letra (composta pelos letristas Alan and Marilyn Bergman) e executada por Celine Dion. A versão, apresentada no Oscar desse ano, ficou um tanto sem graça. Abre o álbum como uma espécie de homenagem ao compositor (o que é legal), mas falha na letra boboca e na presença sempre inoportuna de Dion, que tem uma voz potente e afinada, mas peca pela falta de carisma (e não tem como não se lembrar daquela música horrorosa de Titanic).

O produtor Quincy Jones juntou-se ao pianista Herbie Hancock para a versão de The Good, The Bad and the Ugly (Três Homens em Conflito) e fez um bom trabalho. Aproveitando-se dos arranjos da composição original, encheu a música de groove, o que resultou em um ritmo quase tribal. Trocou, conseqüentemente, a ambiência de suspense tipicamente western por um clima mais animado, um tanto fusion. Uma das minhas faixas preferidas do tributo. A ousadia de Jones, infelizmente, não se repetiu com o apático Bruce Springsteen, que escolheu a lindíssima Once Upon a Time in The West (Era uma Vez no Oeste) e se limitou a executar as linhas da soprano em sua guitarrinha. Acertou no clima, mas não acrescentou nada à composição.

Para retomar o frescor do álbum, um pouquinho de peso com o Metallica (oba!). A música escolhida não poderia ser outra, senão The Ecstasy of Gold (Três homens em Conflito), canção que é usada por eles como introdução de seus shows desde 1991 (tour do Black Album). E é ótimo ouvir as guitarras de Hetfield e Hammett, com seus timbres característicos, executando essa composição que marcou o melhor momento de suas carreiras. The Ecstasy of Gold foi transformada em um belo rockão, com bases rápidas, solos hammetianos e bateria frenética tipicamente larsiana. Todos sabem que sou suspeito nesse caso, mas uma bela homenagem, emocionante mesmo.

Para abaixar a adrenalina, o mestre do violoncelo Yo-Yo Ma executa com precisão a faixa título de Malena, em uma releitura sem muita inovação, mas que conta com grande qualidade e emoção. Não muito diferente de Daniela Mercury e Eumir Deodato que exec.... QUEM???? É verdade, o Brasil também está representado no disco. O critério de escolha do "artista", confesso que desconheço. A baiana e o produtor tocam Hurry To Me, do filme "Numa Noite, um jantar", um filme menor no currículo do compositor, e, devo ser sincero, até que fazem um trabalho agradável. Mantiveram a música bem fiel à original, com um toque de bossa nova. Vale a pena escutar. Na seqüência, uma interpretação intensa de "Love Theme for Nata" (Cinema Paradiso) que, vocalizada pela cantora portuguesa Dulce Pontes, torna-se "La Luz Prodigiosa", em mais um ponto alto do disco. O vocal trágico trouxe um novo espírito para a canção, que ganhou mais força e mais expressão.

"Segredos do Coração" é lembrado pelo trompetista Chris Botti (que, atualmente, excursiona com Diana Krall). Sua versão de "Love Affair" é bem mais intimista que a música original e acaba soando mais direta. Bem interessante. Vale destacar também a bela "Lost Boys Calling", do filme "A lenda do pianista do mar", resultado de uma parceria entre Morricone, Ed Van Halen e Roger Waters.

Completam o disco algumas músicas que o compositor fez para séries de TV, sem repercussão no Brasil, e algumas peças originais, regidas pelo próprio, como o tema de Cinema Paradiso. No final, creio que o resultado seja positivo mas, com um pouco mais de calma e planejamento (é possível que a homenagem no Oscar tenha apressado a produção do tributo), We All Love Ennio Morricone poderia ter sido um material inesquecível e definitivo do maestro, o que não é o caso. Vale a audição, de qualquer maneira.

A nova voz do Nightwish.... Toióíóin....

2007-05-24T16:17:00.000-03:00

Muita expectativa, muito brábrábrá, e um ano e meio após a escandalosa demissão de Tarja Turunen, o Nightiwish finalmente anuncia sua nova front woman.

Nesse meio tempo, as primeiras especulações davam como certa a contratação da fraquinha Sabine Edelsbacher, do fraquinho Edenbridge. Depois, foi a vez da jovem Simone Simmons entrar na corrida. Essa já seria uma escolha mais natural, já que a moça é carismática, tem uma bela voz, e sua banda, Epica, passa por um bom momento. Mas não demorou muito para a ruivinha anunciar que não deixaria o noivo e seus amigos holandeses. Então o público, desgastado pela ansiedade, começou a falar em Sharon Den Adel, do Within Temptation e até em Liv Kristine Krull, ex-Theatre of Tragedy e atual Leaves'Eyes (pelo amor de deus, hein...). Há poucos meses, porém, surgiu um boato fortíssimo de que a escolhida fora Vibeke Stene, que recém abandonara o Tristania. Muito conveniente, realmente, mas ela não tardou a vir a público para anunciar que o falatório não passava de uma estratégia marketeira para alavancar as vendas do novo disco de sua ex-banda. Tudo se acalmou, até que ontem, para a felicidade desse que vos escreve, alguns sites garantiam que o nome era Kari Rueslatten, ex-3rd and the Mortal, atualmente uma espécie de Tori Amos norueguesa. Excelente! Conseguiram achar uma vocalista que fará Tarja enfiar a cabeça num buraco, pensei eu. "Agoooooora, vai!", clamei pelas ruas da cidade.

Hoje, dia marcado para o anúncio oficial, Tuomas e Cia apresentaram a senhorita Anette Olzon. Como diria o professor B. Paspalho (está com os dias contados, professor!): "QUEM????". Pois é, demoraram um ano e meio para apresentar a Anette Olzon. Não tenho nada contra ela, não a conheço (alguém conhece?), inclusive tenho certeza que ela será uma boa substituta para Tarja, já que Tuomas não é bobo, nem nada. Mas a expectativa gerada, com data para a apresentação oficial e tudo isso, foi digna de uma Kari, não de uma Anette.... se bem que.... talvez o Nightwish esteja aprendendo a ser grande, só isso....

PS: Anette adora Paulo Coelho